ÖDas beeindruckende Spielfilmdebüt der britischen Schauspielerin und Autorin und Regisseurin Romola Garai, das letztes Jahr beim FrightFest begeisterten Applaus erhielt, ist ein weiterer Beweis dafür, dass die Zukunft des modernen Horrors weiblich ist verzückter, halluzinogener Wahnsinn. Weitgehend in einem heruntergekommenen Gebäude angesiedelt, dessen schimmelige Wände ein schleichendes moralisches Unwohlsein widerspiegeln, Amulett spielt abenteuerlich mit subversiver Sexualpolitik und rekonfigurierten Horrortropen und beschwört eine berauschende Parabel herauf, die reich an Ritualen und Intrigen ist und auf soliden subtextuellen Grundlagen aufbaut.
Der rumänische Schauspieler Alec Secareanu, der in Francis Lee’s eine so fesselnde Leinwandpräsenz bewies Gottes eigenes Land, ist Tomaz, ein Ex-Soldat aus einem namenlosen, von Konflikten zerrissenen Land, der jetzt im heruntergekommenen London ums Überleben kämpft. In seinen Träumen wird Tomaz von fabelhaften Visionen der Vergangenheit heimgesucht: Er entdeckt ein Amulett, während er in einem abgelegenen Wald stationiert ist; Begegnung mit einer fliehenden Frau, die verzweifelt zusammenbricht; sie aufzunehmen, ihr Obdach zu geben und ihr zu versprechen, ihr bei der Wiedervereinigung mit ihrer Tochter zu helfen.
Währenddessen trifft Tomaz in der mittellosen Gegenwart auf Schwester Claire (Imelda Staunton), die im Gegenzug für seine Hilfe bei der Reparatur eines heruntergekommenen Hauses Zuflucht anbietet. Hier kümmert sich Magda (Carla Juri) um ihre behinderte Mutter, die „im obersten Stockwerk“ wohnt, eine stöhnende Gestalt, die im Schatten unter dem Dach lebt und das viktorianisch-gotische Gespenst heraufbeschwört Jane Eyre und das paranoide Psychodrama von Andrzej Żuławksis verrücktem Meisterwerk von 1981 Besitz.
Garai sagt, dass Inspiration für Amulett kam aus der Lektüre darüber, wie die Täter von Kriegsgräueln ihre Verbrechen mental „neu kategorisieren“ würden, wenn sie in das zivile Leben zurückkehren, und das normal machen würden, was eindeutig anormal war. In Amulettist das Verwischen der Wahrnehmungsgrenzen zwischen Aggressoren und Beschützern ein wiederkehrendes Motiv, das den Zuschauer ständig unsicher lässt, wie er auf jede seiner drei Hauptfiguren reagieren soll, die alle ihre Geheimnisse haben.
Die Besetzung von Secareanu ist besonders geschickt. Sein ausdrucksstark melancholisches Gesicht zieht uns in die traumatisierte Welt von Tomaz, sein einsames Antlitz steht in scharfem Kontrast zu den fast süffisant aufrichtigen Mienen von Stauntons finster lächelnder Nonne. Was Juri betrifft, sie trägt sich auf eine Art und Weise, die von kindlicher Unschuld zu etwas insgesamt Ausgefallenerem huscht. Eine Szene, in der Tomaz Magda zum Tanzen bringt, erinnerte mich an ein denkwürdig verstörendes Zwischenspiel von Rose Glass Heilige Maud.
Wie die ans Haus gefesselten Schrecken von Jennifer Kent Der Babadook und Babak Anvaris Unter dem Schatten, Amulett fängt seine zentralen Charaktere an einem abgeschlossenen Ort ein, an dem sie sich ihren tiefsten Ängsten und schuldigsten Geheimnissen stellen müssen. Interessanterweise zitiert Garai die Filme von Ben Wheatley und Peter Strickland als stilistische Prüfsteine, eine Verbindung, die mit ihrer eigenen Verflechtung von Häuslichem und Dämonischem, alltäglicher Realität und jenseitigem Ritual harmoniert.
Kameramann Laura Bellinghamdie bei Corinna Faiths Krankenhaus-Horror so atmosphärisch gearbeitet hat Die Machtwirkt Wunder innerhalb der Grenzen des viktorianischen Stapels, in dem sich die Geschichte abspielt, unterstützt durch das sorgfältig farbkodierte Produktionsdesign von Francesca Massariol, deren beeindruckender Lebenslauf den von Deborah Haywood enthält Nadelkissen und Bassam Tariqs Mogul Mogli.
Garai hat eindeutig eine Vorliebe für die physischen Spezialeffekte von David Cronenbergs Body-Horror-Klassikern wie z Schauder und Die Brutwas den gelegentlichen Sprungängsten des Films einen greifbaren Schwung verleiht (eine Begegnung mit etwas Schrecklichem im Badezimmer gab mir einen echten Schrecken) und dem beeindruckend bizarren Finale ein dringend benötigtes Element der Solidität zu verleihen – eine kopfzerbrechende Mischung aus alptraumhafter Verrücktheit von David Lynch Radiergummi und die trippige existentielle Ekstase von Ken Russell Veränderte Zustände.
Eine grandiose Punktzahl von Feature-Neuling (und renommiertem Theremin-Spieler) Sarah Anglis vervollständigt das Bild und mischt gesampelte Renaissance-Instrumente mit Frauenstimmen, die sich auf „das Wehklagen skandinavischer Hirten“ (ja, wirklich) stützen, um eine Klanglandschaft zu schaffen, die fremd und vertraut erscheint. In enger Zusammenarbeit spiegeln Angliss und Sounddesigner Nick Baldock die Architektur dieser manchmal umwerfenden Geschichte wider, verwandeln das Haus in einen Charakter mit seinem eigenen unverwechselbaren Puls und sorgen dafür, dass der kollektive Herzschlag des Publikums eine Stufe höher schlägt.