Renée Fleming ist heute nur noch selten auf einer Opernhausbühne zu sehen. Die Star-Sopranistin gab vor fünf Jahren bekannt, dass sie sich zurückziehe – nicht von der Oper, aber von vielen Rollen, die sie verkörpert Desdomonas, Violettas und Margeriten, die sie sich auf den größten Bühnen der Welt zu eigen gemacht hatte. „Ich sagte, ich kann nicht mehr ingénues spielen. Charaktere, die sehr jugendlich sein sollen. Frauen, die Opfer der Umstände sind.“ Unglücklicherweise für die Opernbesucher wurde dadurch der größte Teil des Sopranrepertoires des 18. und 19. Jahrhunderts gestrichen. „Ich wollte Worte sagen können, die eine Frau meines Alters und meiner Erfahrung sagen könnte“, fügt sie hinzu. „Deshalb liegt mein Fokus auf New Work.“
Die Stunden, die an diesem Wochenende live in die Kinos in ganz Europa und den USA übertragen wird, ist eine neue Oper des US-Komponisten Kevin Puts, die Michael Cunninghams 1999 mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Roman über einen einzigen Tag im Leben von drei Generationen von Frauen adaptiert: Virginia Woolf in Richmond der 1920er Jahre, der in dieser Premiereninszenierung an der New Yorker Metropolitan Opera von Joyce DiDonato gespielt wird; Laura Brown in einem Vorort von Los Angeles (Kelli O’Hara) der Nachkriegszeit; und Clarissa Vaughan – Spitzname „Mrs Dalloway“ – im New York von 2001 (Fleming). Woolfs Roman „Mrs Dalloway“ ist der rote Faden, der die drei verbindet, die darum kämpfen, in ihrem Leben und den ihnen zugewiesenen Rollen eine Form zu finden, und über Kreativität, Liebe, Bedauern, Familie, Freundschaft und Sexualität nachdenken. Stephen Daldrys Film aus dem Jahr 2002 wurde mit Preisen geschmückt, darunter ein Oscar für Nicole Kidman als Woolf.
„Der Film hat mich all die Jahre begleitet“, sagt Fleming. „Ich habe es mir kürzlich noch einmal angesehen und es gab so viele Geschichten und Untergeschichten, die sich für heute relevant anfühlten. Die beiden Frauen, die beide – wie alle Frauen in der Geschichte – in der Situation waren, sich um andere zu kümmern, und dann Virginia Woolf, eine großartige Künstlerin, die in einer Zeit lebte, in der es für Frauen so schwierig war, großartige Künstlerinnen zu sein. Außerdem beleuchtet es Aids zu einer Zeit, in der wir uns von einer schrecklichen Pandemie erholen, die unendlich schlimmer hätte sein können, wenn wir keine Impfstoffe gehabt hätten, und hebt dann auch das Leben von LGBTQ-Menschen in den 90er und 50er Jahren und in Woolf hervor Zeit. So viele relevante Geschichten.“
DiDonato weist darauf hin, wie radikal es sich angefühlt hat, in einer Oper zu sein, die durch eine weibliche Linse erzählt wird. „Am Ende von Bohème oder Butterfly zum Beispiel schreit der Tenor ‚Butt-er-fly!’ oder ‘Mimi’! und es geht um ihn: Der Tod der Frau steht im Dienst des Leidens des Mannes. OK, das ist in Ordnung – wir lieben diese Opern. Aber The Hours schaut auf Frauen, die dabei sind, ihren Platz in der Welt herauszufinden, wenn die Welt sagt: ‚Das ist, was du bist und das ist, was du sein darfst.’“
„Es ist so ein frischer Wind, eine Frau der 90er zu spielen“, lacht Fleming. „Ich habe noch Klamotten von damals! Ich könnte wirklich Clarissa sein. Als lebenslanger Wiederkäuer verstehe ich ihre ständige Angst vollkommen. Genau solche Gefühle haben Menschen im Leben. Wir alle bedauern. Wir alle leugnen bestimmte Dinge.“
O’Hara sieht viel Wahrheit in Laura Brown, einer Hausfrau aus den 1950er Jahren, die scheinbar den amerikanischen Traum lebt, darunter aber widersprüchlich und unglücklich ist – obwohl die Sängerin sich nicht mit der schrecklichen Wahl identifizieren kann, die ihre Figur trifft. „Laura repräsentiert viele Menschen, die wir alle kennen“, sagt O’Hara. „Als Mutter bin ich nicht wie sie, aber ich kann sie und ihre Erfahrungen verstehen.“
Sie merkte, wie die Sorgen des Textes in ihr wirkliches Leben sickerten – und war am Morgen der Premiere nur einen Herzschlag davon entfernt, New York zu verlassen, um an der Seite ihrer eigenen Mutter zu sein. „Meine Mutter, die auch Laura heißt, stand auf einer Transplantationsliste für eine neue Niere. In der Nacht vor der Premiere erhielten wir einen Anruf, um zu sagen, dass eine Spenderin gefunden wurde und sie am Morgen operiert wurde.“ Zum Glück verlief die Operation gut und O’Hara konnte eine Aufführung geben, die zu einer Feier wurde. „Ich betrachte es als eine Art seltsames existenzielles Geschenk“, sagt sie. „Vielleicht ist es einfacher, das zu sagen, weil es ihr gut geht.“
Zur Vorbereitung griff DiDonato hauptsächlich auf Woolfs eigene Schriften zurück, obwohl sie sagt: „Ich bin nicht die Art von Performerin, die viel scholastische Recherche betreibt. Ich kann so ein Chamäleon sein, dass ich riskiere, zur Karikatur einer historisch dargestellten Figur zu werden. Ich habe das Gefühl, dass meine Kraft darin liegt, das Material und die Musik und die Art und Weise, wie sie in der Oper präsentiert wird, zu betrachten – und zu bringen das Charakter zum Leben.“
Sie fand eine faszinierende Aufnahme von Woolfs Rede, ihre schmalen RP-Vokale klingen in heutigen Ohren schmerzhaft altmodisch. „Ich habe es ungefähr drei Minuten angehört und dann abgeschaltet, weil es meiner eigenen Farbe und dem, was Kevin für mich geschrieben hat, völlig entgegengesetzt ist.“ Sie war auch mit dem Film nicht vertraut. „Vor zwanzig Jahren habe ich angefangen, es mir anzuschauen, bin aber nicht bis zum Ende gekommen. Es fühlte sich etwas düster an. Ich war einfach nicht an einem Punkt in meinem Leben, an dem es mich ansprach.“ Aber wenn man die Geschichte zu einer Zeit noch einmal aufgreift, in der der größte Teil des Westens aus der Pandemie hervorgeht und sie selbst zwei Jahrzehnte älter war und viele verschiedene Erfahrungen gemacht hat, fand sie wirklich Resonanz. Sie hat sich kürzlich den ganzen Film angesehen. „Es hat eine Strenge, die wunderbar funktioniert, aber das ist nicht die gleiche Sprache der Oper. Das ist so ein anderes Werk in einem anderen Medium.“
Die Oper, sagt Fleming, ist eine ganz andere Welt als Film oder Theater. „Kevins Musik gibt jeder Emotion enorm viel Zeit. Es geht nicht um einen Satz, den Sie zu landen versuchen, oder um einen Gesichtsausdruck – die Leute können unsere Gesichtsausdrücke nicht einmal hinter der 10. Reihe sehen! Mit Tonfall und Gestik setzen wir Akzente.“
Puts vergleicht die Komplexität der Gestaltung der drei Geschichten über drei Perioden mit einem dieser verblüffenden 3D-Spiele, bei denen Sie verschiedene Teile zu einem Würfel zusammenfügen müssen. „Ich möchte die Geschichte so lebendig wie möglich erzählen“, sagt der Komponist, der einen anderen Ansatz verfolgte als Philip Glass, dessen Filmmusik für Daldrys Film eine Oscar-Nominierung erhielt. „Glas hatte ein Vokabular, das alles verband. Ich liebte es, im Musikstil von einem zum anderen zu wechseln, die manchmal überraschend, aber häufiger nahtlos waren. Das Stück muss einen in verschiedene Welten entführen. Ich fand diese Charaktere sehr kraftvoll: Ich wusste, dass sie die Musik inspirieren würden.“
The Hours wird von Phelim McDermott inszeniert, der als einer der größten Interpreten von Glass’ Opern gefeiert wird. Obwohl er die Klangwelten von Puts und Glass sehr unterschiedlich findet, kann er einige Verbindungen erkennen: „Ich denke, was ähnlich ist, ist eine Theatralik in ihrer Musik, die dich dazu auffordert, sie live in etwas zu verwandeln.“
McDermotts Produktionen für die riesigen Bühnen der Met und des Londoner Kolosseums beinhalten immer eine Art zusätzliches Ensemble-Element, das, wie er sagt, den Kleber ist. In Glass’ Echnaton waren es Jongleure; in Cosi Fan Tutte, Zirkuskünstler. Hier sind es 13 Tänzer, choreografiert von Annie-B Parson. „Die Show beginnt mit Tanz“, erklärt McDermott. „Dies ist ein Stück darüber, was in den Köpfen dieser Frauen vorgeht. Tänzer und der Chor bringen diese unbewussten Elemente zum Ausdruck. Tanz ist wie eine zusätzliche Stimme, die in dem Stück verkörpert ist.“
Parsons Engagement war entscheidend, nicht zuletzt, weil der Rest des Kreativteams männlich ist. „Es war wichtig, eine weibliche Perspektive einzubringen“, sagt sie. „Meine erste Frage war, ob wir eine rein weibliche/nicht-binäre Tanzgruppe haben könnten.“ Parsons zitiert Woolf, der vor fast einem Jahrhundert die Fluidität der Geschlechter untersuchte. Wie die Autorin in ihrem Roman Orlando von 1928 schrieb: „In jedem Menschen findet ein Schwanken von einem Geschlecht zum anderen statt, und oft ist es nur die Kleidung, die das männliche oder weibliche Ebenbild bewahrt, während das Geschlecht unten das genaue Gegenteil von dem ist, was es oben ist.“
Wasser, eine primäre Metapher und ein primäres Bild in der Produktion, wurde auch für die Bewegung zentral. „Die Tänzer zeigen, dass der Boden instabil ist“, sagt Parsons, „wie wenn man am Strand steht und der Sand sich mit der Flut unter den Füßen bewegt.“ Und natürlich bringt uns Wasser zu Woolfs Selbstmord zurück, auf den hier schräg Bezug genommen wird. „Woolfs Reise“, sagt DiDonato, „und ihr Kampf [with mental illness] ist in Buch und Film wunderbar eingefangen – aber auf andere Weise in der Oper, wo mehr Raum für diesen Atemzug in der Musik ist.“
Alle drei Sängerinnen sprechen über die „weibliche Energie“, die das Stück angetrieben hat. Es geht darum, „in Kontakt mit deinem emotionalen Leben zu sein“, sagt DiDonato, „mit Dingen, die nähren, die erschaffen, die herzzentriert sind. Es kann männlich oder weiblich sein. Ich liebe die Tatsache, dass Männer diese Geschichte erzählen wollten. Ich denke nicht, dass das tabu sein sollte, aber es muss mit Respekt getan werden.“
„Kevin hat dieses Stück für diese drei großartigen Sänger geschrieben“, sagt McDermott. „Es geht darum, wie Geschichten durch die Zeit getragen werden. Als es als Film gemacht wurde, bedeutete es eine bestimmte Sache. Aber die Oper kann Dinge sagen, die auf andere Weise nicht gesagt werden können. Es hat dieses Paradoxon, das ist das massive Orchester und die Stimme und was die Kombination bewirken kann – aber es kann auch auf den Klang der unverstärkten Stimme einer Person hinauslaufen.“