Steven Spielbergs ungewöhnlich persönliches Drama The Fabelmans ist eine Aneinanderreihung charakterprägender Erinnerungen, ein seltener Einblick in den berühmtesten Regisseur der Welt, der uns normalerweise auf Distanz gehalten hat. Während seine über 30 Filme hauptsächlich mit Wärme und großen Emotionen in IMAX-Größe gehandelt haben, gab es eine Andersartigkeit, erfolgreich synthetisch (er ist ein Filmemacher, der selten etwas vermisst), die uns aber nur eine vage Vorstellung davon zulässt, wer er als Profi ist eher als ein Mensch.
Seine prägenden Jahre werden hier zu etwas Halbfiktionalem geformt – das sind die Fabelmans, nicht die Spielbergs –, aber die vagen Details sind ungefähr die gleichen, die Geschichte eines Jungen, der seine Liebe zum Film entdeckt, während seine Familie um ihn herum zersplittert. Wir beginnen mit seiner ersten Erfahrung im Kino als Sammy, in entsetzter Ehrfurcht vor der größten Show der Welt und dann verfolgt von dem, was er gesehen hat. Entschlossen, das Zugunglück, das seine Alpträume erfüllt hat, nachzustellen, seine Angst zu kontrollieren und zu verstehen, beginnt er eine Reise mit Heimvideos, die beide von seinen Eltern ermutigt und daran erinnert werden, dass ein Hobby nur einen begrenzten Teil seiner Zeit einnehmen sollte. Während er heranwächst, verbringen wir den größten Teil des Films mit seinem Teenager-Ich, gespielt von einem exzellenten Gabriel LaBelle, während er mit seiner Leidenschaft ringt, während er sich mit dem langsamen Zerfall der Ehe seiner Eltern auseinandersetzt, gespielt von Paul Dano und Michelle Williams.
Post-Roma haben wir eine Flut von großen Autoren gesehen, die sich klein gemacht haben, um etwas aus ihrer eigenen, bisher unerforschten Vergangenheit zum Leben zu erwecken, und dabei einen schmalen Grat zwischen verletzlicher Untersuchung und prahlerischer Nachgiebigkeit gegangen sind. Trotz seiner oft zu Unrecht vereinfachten Assoziation mit vollmundiger Sentimentalität ist Spielbergs Versuch tatsächlich relativ zurückhaltend und in der Realität verwurzelt und vermeidet den offensichtlichen Trottel, der so leicht mit dem Territorium einhergehen könnte. Das Drehbuch von Spielberg und Tony Kushner rast an den einfachen Schlaglöchern vorbei und führt uns an einen weniger erwarteten Ort, wobei es sich eher auf kleinere, nicht so leicht zu erklärende Emotionen konzentriert als auf die Woge der Großen. Es bleibt jedoch immer noch eine Entfernung, Spielberg gibt uns eine etwas zu inszenierte Version von sich und seiner Familie, wobei in den dunkelsten Momenten etwas Knorpel fehlt.
Während sein erfinderisches jüngeres Ich lernt, wie man die Knöpfe des Publikums innerhalb der Low-Budget-Beschränkungen drückt, mit denen er in einen Topf geworfen wird (es gibt wirkliche Freude in den Szenen, in denen er raffinierte Wege findet, um seine bescheidenen Filme massiv erscheinen zu lassen, auch wenn es an Mut und Kampf mangelt scheint, als wäre er von Anfang an ein Genie gewesen), daheim sind seine Eltern in einer Notlage. Der berufliche Aufstieg seines Vaters führt dazu, dass sie von Bundesstaat zu Bundesstaat ziehen, was ihre Freundschaft mit „Onkel“ Benny, gespielt von Seth Rogen, zusätzlich belastet, von dem Sammy allmählich erkennt, dass er mehr als nur ein Freund seiner Mutter ist.
Während Spielberg die einfachen, seifigen Konflikte vermeidet, zu denen eine solche Situation führen könnte (es gibt kaum Momente, in denen Charaktere ihre Stimme erheben), vermeidet er es auch, uns das größere, unordentlichere Bild zu zeigen. Das Trauma von Depression, Mobbing, Antisemitismus, Scheidung und Untreue scheint hier nie so traumatisch zu sein, da es so aussieht, als wären sie alle Teil eines gestochen scharfen, hübschen Postkartensets von Kameramann Janusz Kaminski. Es ist ungewöhnlich, Spielberg mit einem Drehbuch arbeiten zu sehen, das auf einer strengen Struktur basiert, sein Film springt von Moment zu Moment, anstatt etwas geschlossener und konventioneller zu sein, und obwohl es dem Film ein echtes Gefühl der Erinnerung verleiht – wir erinnern uns selten an die Teile dazwischen – es macht das Drama auch ein wenig zu schwach, sein jüngeres Ich wird vollständig verwirklicht, während seinen Eltern etwas mehr Details fehlen. Es ist bereits davon die Rede, dass Williams endlich den Oscar verlieren wird (sie war bereits viermal nominiert) und es ist sicherlich eine Leistung, die dafür spricht, ungewöhnlich und spezifisch, angetrieben von einer undefinierbar seltsamen Energie, die wir von Vorstadtmüttern nicht gewohnt sind aus den 50er und 60er Jahren (in einer aufschlussreichen Szene fährt sie eher auf einen Tornado zu als davon weg). Ich bin mir nicht sicher, ob es bei mir immer funktioniert hat, manchmal fühlte es sich ein wenig zu aufgesetzt und künstlich an, aber es ist sicherlich schwer, den Blick von ihr abzuwenden. Dano, dessen Look und Vibe normalerweise für Gruseligkeit verwendet wurden, ist hier erfolgreich weicher, aber es ist ein kurzer Cameo-Auftritt von Judd Hirsch als seltsamer und entfremdeter Onkel, der hier das eigentliche Preisverleihungsspiel sein könnte, der ins Haus strömt, um eine denkwürdige Nacht zu geben Sammy eine unvergessliche Rede darüber, wie man mit der Notwendigkeit umgeht, Kunst zu schaffen. Es bringt einen Vorteil, von dem ich mehr wollte.
Bei 150 Minuten ist das Nachsichtigste an Spielbergs nostalgischer Wiederholung die Laufzeit, eine überlange Reise in die Vergangenheit, bei der einige Stopps entfernt werden könnten. Aber es ist eine süße, manchmal unglaublich liebenswerte Reise zurück.