ichWenn Sie an die kanonischen Gemälde von Kindern in der westlichen Kunst denken, sind ihre Motive überwiegend weiße, engelhafte Jesuskinder oder aristokratische Nachkommen, die in Pracht gekleidet sind, um den Status ihrer Eltern widerzuspiegeln. Das ist einer der Gründe, warum die spärlichen, traumhaften Gemälde des britischen Künstlers Matthew Krishanu von jungen braunen Jungen, die frei umherstreifen und Abenteuer in subtropischen Gefilden erleben – lose basierend auf sich selbst und seinem Bruder als Kinder – so frisch und überzeugend wirken. „Die Motivation, diese Figuren überhaupt darzustellen“, sagt Krishanu in seinem Londoner Studio, „und sie an den Wänden von Galerien auf der ganzen Welt zu haben, ist eine Reaktion auf die historische Entmachtung der braunen Figur und von Kindern in der westlichen Kunst. ”
Kindheit und die Geschichte des Imperiums sind zentrale Themen für den Künstler, der in Bradford als Sohn einer indischen Mutter und eines weißen britischen Vaters geboren wurde und im Alter von einem bis zwölf Jahren in Dhaka, Bangladesch, lebte, wo seine Eltern als Missionare arbeiteten. Diese Erfahrungen wurden in ätherische Ausblicke auf die Bootsfahrten der Brüder, die Erkundung von Landschaften mit rauschendem Wasser und lila Bergen sowie Innenszenen der Missionstätigkeit in Dhaka destilliert.
Seine bevorstehende Ausstellung Playground in der Galerie Niru Ratnam in London erweitert das Thema Kindheit in einem urbanen Umfeld. Gemälde von Kindern auf einem Klettergerüst, auf einer Wand balancierend oder auf einer Veranda stehend säumen seine Studiowände und locken den Betrachter in ihr außerzeitliches Universum wie verlockende Erinnerungen, die man nicht genau einordnen kann.
Im Mittelpunkt der Show steht die titelgebende Leinwand Playground aus dem Jahr 2020, die ein braunes und ein weißes Kind auf einer Wippe zeigt, die von einer stehenden Frau in einem Sari auf der einen Seite und einem weißen Mann auf der anderen Seite beaufsichtigt werden. Es mag ein Porträt kindlicher Unschuld sein, doch die Positionierung des weißen Kindes im Aszendenten über dem braunen ist beunruhigend und erinnert an die gewalttätige Geschichte imperialer Mächte, die Asien als ihre Spielarena nutzten.
Diese Unterströmungen sind subtil, aber implizit: Krishanu hält sich von Didaktik fern und ist mehr daran interessiert, gelebte Erfahrungen und Empfindungen in seinen atmosphärischen Arbeiten zu beschwören. Die Figuren werden flüssig und mit Sparsamkeit im Detail erfasst. „Ich möchte, dass die Gesichter offen genug sind, um die Kinder vieler verschiedener Menschen zu sein, im Gegensatz zum absolut Besonderen“, sagt er. Lokale und zeitliche Besonderheiten wurden zurückgenommen, was den Gemälden das verleiht, was er „Gegenwart“ nennt.
Krishanu baut seine Welten aus mehreren Quellen auf. „Für mich“, erklärt er, „geht es darum, etwas zwischen Vorstellungskraft, Kunstgeschichte und dann möglicherweise einem Ausgangsmaterial wie einem Foto zu konstruieren.“ Eine Wand seines Ateliers ist mit Ausdrucken von Bildern aus seinem umfangreichen Archiv beklebt, Zeugnis seines fortwährenden Dialogs mit der Kunstgeschichte. Sie umfassen derzeit ein ägyptisches Fayum-Mumienporträt, ein Fragment aus den Ajanta-Höhlenmalereien in Indien, Gainsboroughs The Blue Boy, Rembrandts The Polish Rider und einen Christus am Kreuz von El Greco.
Der Künstler weist auf zwei Gemälde von Edvard Munch mit vier Jungen und vier Mädchen hin, die in seine jüngste Arbeit Four Children (Verandah, 2022) einflossen, aber er hat die Dynamik der Gruppe verkompliziert, indem er sie als zwei europäische Mädchen und zwei braune Jungen neu konfiguriert hat. In all seinen Leinwänden werden die Kinder mit Ernst behandelt, nicht sentimentalisiert. „Ihr Spiel hat eine gewisse Authentizität, die ich darstellen möchte“, sagt er. „Die Kinder haben ein Innenleben und eine Kraft.“ In Boy on a Climbing Frame steht das Motiv aufrecht, verankert nur durch den geschwungenen Rahmen, und trägt einen selbstbeherrschten, ernsten Ausdruck, während er auf den Betrachter herabblickt.
Dagegen strahlen die Erwachsenen eine gewisse Unbeholfenheit aus, vor allem die weißen Ausländer, etwa der Mann in Playground mit grünem Lungi. „In gewisser Weise“, sagt Krishanu, „spielt jeder Weiße in Indien oder Bangladesch sofort etwas von der Rolle des Ausländers oder des Europäers, wie auch immer er sich positioniert.“ Diese Vorstellung von Erwachsenen, die kulturell konstruierte Rollen spielen, wird noch deutlicher in der jüngsten Serie Mission, in der sein eigener Vater als Außenseiter dargestellt wird, theatralisch in geistliche Gewänder gekleidet, der einer bengalischen Gemeinde predigt.
Mit charakteristischer Zurückhaltung vermitteln die Missionsbilder Krishanus Ambivalenz gegenüber dem Christentum, insbesondere dessen Art und Weise, wie es von europäischen Mächten als Werkzeug des Imperialismus entführt und in der westlichen Kunst repräsentiert wurde. „Was ich wirklich verinnerlicht habe, war die Darstellung europäischer Persönlichkeiten in der Bibel“, sagt er und erinnert sich an die Flugblätter mit blonden, blauäugigen Kindern und die westlichen Darstellungen der Jünger, die bei einem Abendmahlsgottesdienst an Kinder aus Bangladesch verteilt wurden. „Die Kunstgeschichte hat so viel von unserem kollektiven Unbewussten konstruiert“, fügt er hinzu.
Ideen über Rasse, Geschichte und Religion untermauern Krishanus Praxis, aber was seine Bilder letztendlich so betörend macht, ist ihre Atmosphäre kindlicher Verwunderung. Indem er reale Elemente wie Klettergerüste und Wippen mit Flächen aus hauchdünnen Pastellwaschungen gegenüberstellt, verleiht er seinen Leinwänden eine schwer fassbare Jenseitigkeit. Wir sprechen über die ähnliche Verlockung von Narnia und den „schönen, numinosen heidnischen Herzschlag“ von CS Lewis’ Chronicles, einem Grundnahrungsmittel aus Krishanus Kindheit. „Beim Numinosen und der Landschaft“, sagt er, „geht es in erster Linie darum, den Betrachter zu transportieren, während sie gleichzeitig in den organischen Qualitäten der Farbe verankert sind – was ein Tropfen ist, was ein transparenter Farbschleier über Weiß ist. Das ist die wunderbare Dualität eines Gemäldes.“