MAdama Butterfly, eine böse Geschichte über die Verführung eines amerikanischen Marineoffiziers und die anschließende Aufgabe einer 15-jährigen japanischen Geisha, ist trotz ihrer immensen und anhaltenden Popularität heute ein Problem für Opernhäuser. Puccini tat in seinem Werk, das 1904 uraufgeführt wurde, das, was die besten Opernkomponisten tun: Er schuf die stärksten dramatischen Situationen und Kollisionen, um dem Publikum die maximalen Emotionen abzuringen, während er Musik von unerträglicher Emotion und dramatischer Wirkung schrieb.
Aber im Jahr 2022 sind die Opernhäuser nervös, wenn es darum geht, das Werk zu programmieren, und einige stornieren sogar Produktionen davon. Besorgt darüber, dass die Darstellung von schlechtem Benehmen irgendwie als Bestätigung angesehen werden könnte (ein Trugschluss, der insbesondere Opern heute betrifft), fühlt sich Butterflys rassische Dimension, was noch wichtiger ist, einfach zu heiß an, um damit umzugehen. Doch viele andere Opern enthalten zum Beispiel Inhalte, die für moderne Empfindsamkeiten beunruhigend sind Cosi Fan Tutte und seine offene Frauenfeindlichkeit, der Inzest des Ringzyklus und Toscas beunruhigende Darstellung sexueller Übergriffe. Ungeachtet ihres Themas sind diese Opern Meisterwerke. Anstatt sie abzubrechen, sollten wir kreative Wege finden, mit ihnen zu leben – ihre unzerstörbare Offenheit für Interpretationen ist der Schlüssel zu ihrer Zukunft.
Bis in die letzten Jahrzehnte lag der historische Schwerpunkt der Oper immer in Westeuropa, und ihre beliebtesten Werke wurden ausschließlich von weißen Männern geschrieben. Die meisten wurden auch in einer Zeit des europäischen Imperialismus geschrieben und zeigen Einstellungen gegenüber Frauen (unterlegen) und der weißen Rasse (überlegen), die wir heute als anstößig empfinden. Es war ein seltener Künstler, der keine Ansichten vertrat, die wir abstoßend finden würden: Wagners Antisemitismus ist nur eines der berüchtigteren Beispiele; Verdis lässiger Rassismus (er nannte seine Othello-Oper „das Schokoladenprojekt“) oder Händels Investitionen in den Sklavenhandel sind vielleicht weniger bekannt. Wie vorherzusehen war, wurden nicht-weiße Charaktere oder Gesellschaften in der Oper ausnahmslos stereotypisiert, dämonisiert oder lächerlich gemacht. Währenddessen fetischisierten männliche Komponisten das Leiden von Frauen, deren Ohnmacht ihr unvermeidlicher Tod durch Mord, Selbstmord oder qualvolle Krankheit signalisiert.
Aus moderner Perspektive und trotz seiner vorausschauenden Anprangerung des amerikanischen Kolonialismus scheint Madama Butterfly diese Bedenken zu verkörpern. Ein Italiener, der über ein Land schreibt, das er nie gesehen hat, während die Aufnahme japanischer (und sogar chinesischer) musikalischer Motive in seine Partitur als kulturelle Aneignung angesehen wird – nichts weniger als eine unterstützende Anstrengung bei den Versuchen des Westens, Asien politisch zu dominieren.
Der physische Diebstahl und die gewaltsame Zerstörung kultureller Artefakte durch den Westen ist eine Tatsache der Geschichte des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Das gleiche gilt für die gleichzeitig angenommene rassische Überlegenheit und ihre Folge: bestenfalls ungenaue und schlimmstenfalls unangenehm karikierte Darstellungen nichtweißer Charaktere. Diese Einstellungen blieben in der Populärkultur bis weit ins 20. Jahrhundert hinein bestehen: siehe zum Beispiel Mickey Rooneys groteske Verkörperung mit dem gelben Gesicht in Breakfast at Tiffany’s. Und in der Oper hielt sich das Schwärzen oder „Vergilben“ bis vor kurzem auch in Inszenierungen von Otello, Madama Butterfly oder dem in Peking vertonten Turandot. Mit ihren offensiven Anklängen an die Black and White Minstrel Show und den „Superschurken“ Fu Manchu musste die Oper weiterziehen. Zumindest in Großbritannien oder den USA würde heute kein verantwortungsvolles Opernhaus – einschließlich Covent Garden – davon träumen, zu versuchen, die ethnische Zugehörigkeit mit Make-up zu ändern.
Ebenso wichtig ist, dass die Argumente für eine stärkere Repräsentation in der Kunst noch nie so stark waren. Kunst gedeiht, wenn Kreativität demokratisiert wird – erleben Sie die von der Arbeiterklasse angetriebene Renaissance der britischen Popmusik und des britischen Films in den 1960er Jahren. Und obwohl Farbkünstler seit den 1950er Jahren in Covent Garden stark vertreten sind, können nur wenige das Erbe der strukturellen Ausgrenzung von den sogenannten hohen Künsten bestreiten.
Ebenfalls unumstritten sollte unser Wiederaufgreifen von Werken im Kanon sein, die den Stimmen derer, die sie repräsentieren wollen, traditionell wenig Aufmerksamkeit geschenkt haben. Für unsere aktuelle Wiederaufnahme von Madama Butterfly, einer Produktion, die ursprünglich 2003 entstand, Wir verbrachten ein Jahr damit, die Produktion im Detail zu befragen, uns mit asiatischen Kollegen und Praktikern zu beraten und japanische Experten für Bewegung, Kostüme und Make-up einzuladen, um die Inszenierung zu überprüfen und diskrete Änderungen im Namen größerer Authentizität vorzunehmen. Das Ergebnis ist eine Inszenierung, die sich echter und respektvoller anfühlt und aussieht – und dadurch emotional gewichtiger ist.
Die Besetzung ist komplizierter, nicht zuletzt, weil die Oper über einen begrenzteren Talentpool verfügt als beispielsweise der Film oder das Theater. Sollte man das Casting wörtlich angehen? Butterfly nur mit japanischen oder asiatischen Sängern besetzt, Turandot mit chinesischen Sängern, Otello nur mit einem schwarzen Sänger in der Hauptrolle besetzt? Und wenn ja, wie wäre es mit Opern oder Oratorien in rein jüdischer Besetzung (Jephtha, Fiddler on the Roof, Samson et Dalila …)? Die Risiken des Schubladendenkens liegen auf der Hand, aber besser als ein pauschaler Ansatz ist einer, der jeden Fall mit Sensibilität und Offenheit bewertet: farbenbewusst, nicht farbenblind. Nach dem raschen Meinungswandel in den letzten zwei oder drei Jahren würde es sich gelinde gesagt bizarr anfühlen, Otello mit einem weißen Sänger aufzuführen – besonders in London. Weshalb die historischen Erstaufführungen von Otello in Covent Garden durch eine Schwarzer Sänger in diesem Sommer fühlen sich wie ein bedeutender Moment in unserer Geschichte an.
Aber Madama Butterfly mit einer rein japanischen oder rein asiatischen Besetzung und einem Chor – selbst einer Mehrheitsbesetzung und einem Chor – aufzuführen, ist ein völlig unrealistisches Ziel. Und wäre es überhaupt wünschenswert? Asiatische Sänger sprechen offen über ihre Abneigung, in asiatische Rollen typisiert zu werden. Es ist viel besser, die Repräsentation in jeder Oper, die wir aufführen, zu erhöhen. Beispielsweise war die jüngste Produktion von Samson et Dalila der Royal Opera die erste, in der weiße Hauptsänger auf der Bühne in der Minderheit waren, wobei der südkoreanische Tenor SeokJong Baek – triumphierend – einen der Helden des Judentums spielte. Eine energische Diversifizierung auf ganzer Linie, anstatt bestimmte Sänger in bestimmten totemistischen Opern zu ghettoisieren, scheint bei weitem der beste Weg nach vorne für die Kunstform zu sein.
Und zum Schluss noch ein Punkt, der im Kontext fieberhafter Social-Media-Kulturkriege (oft für Klicks ausgeheckt) zu wenig gehört wird. Das Theater war schon immer ein Zuhause für progressive Einstellungen, sollte aber auch ein Raum für Fantasie und Fantasie sein. Für alle Rollen auf „erlebte Erfahrung“ zu pochen, kann nur zu künstlerischer Verarmung führen. Theater ist ein fantasievoller Vertrag zwischen dem Publikum und den Darstellern: dass jemand auf der Bühne nicht der ist, für den er sich ausgibt. Und dieser Vertrag muss auch auf Talent basieren. Es ist die kompromisslose Anerkennung und der Schutz von Talenten – ob historischer Kompositionen oder zeitgenössischer Sänger jeder Hautfarbe – kombiniert mit einem modernen und sensiblen Interpretationsansatz, der die Kunstform befähigt, selbstbewusst und ohne Abbruch durch die Zukunft zu navigieren.