EDinburghs Kollektiv ist die am schönsten gelegene Galerie in Großbritannien, die auf dem Calton Hill thront und einen herrlichen Blick auf Arthur’s Seat und das Meer hinter Leith bietet. Leider ist die Kunst jedes Mal, wenn ich dorthin gehe, Müll. Ruth Ewans marxistischer Cartoon The Beast lebt von den schlampigen Standards dieser Galerie. Andrew Carnegie, der in Schottland geborene Industrielle, der zu einem der reichsten Philanthropen der USA wurde, wird von seinem eigenen Dinosaurier „Dippy“ beschimpft, dem berühmten Diplodocus, dessen Skelett er in Pittsburgh ausstellte, während er Abgüsse an Museen auf der ganzen Welt schickte, einschließlich Britain’s Natural History Museum, als Botschafter des Weltfriedens.
In Ewans Film züchtigt Dippy einen im Kilt gekleideten Carnegie dafür, dass er seinen rücksichtslosen Kapitalismus hinter einer Großzügigkeit verbirgt, die die Gründung von 2.509 Bibliotheken weltweit einschließt. Das wäscht sich nicht mit Dippy. „Zerfall zu Staub, Andrew Carnegie!“ sie drängt. Die Animation ist so beschissen, wie die Argumentation einseitig ist.
Doch das Thema der schottischen Philanthropie wird von der besten Show des Edinburgh Art Festival geteilt, Eine Vorliebe für den Impressionismus in der Scottish National Gallery, unten auf dem Hügel. Diese Ausstellung feiert wohlhabende schottische Kunstsammler, insbesondere Alexander und Rosalind Maitland, die Meisterwerke der modernen französischen Kunst gekauft und der Öffentlichkeit vermacht haben. Dies mag nicht nach einem Rezept für Aufregung klingen, selbst mit der viel berichteten Enthüllung eines versteckten Van-Gogh-Selbstporträts auf der Rückseite einer Studie für The Potato Eaters. Aber es ist eine unwiderstehliche Schachtel Bonbons für die Augen mit ein paar Schuss Absinth.
Monets Heuhaufen: Schneeeffekt ist ein schillerndes Traumgemälde aus dem Jahr 1891, in dem silbernes und blaues Licht, das vom Schnee reflektiert wird, zwei laibartige Heuhaufen in ätherische Abstraktionen vor einem rosa Himmel verwandelt. Gauguins Martinique-Landschaft gleicht ihr in der abstrakten Intensität ihrer Rot- und Grüntöne und kocht eine tropische Hitze auf, die die Realität auflöst. In dieser Kavalkade der Wahrnehmungsrevolutionen sind auch Courbet, Millet, Pissarro und Cézanne zu sehen, sowie eine Degas-Bronze einer Frau, die in der Badewanne alles entblößt, deren Offenheit heute ihresgleichen sucht, außer Tracey Emin, deren Akte zum Vergleich im Jupiter Artland in Edinburgh stehen. Es kulminiert mit Matisse’s Jazz. Sie sehen mit neuer Klarheit, wie Matisse in diesen Drucken der 1940er Jahre, die sich mit afroamerikanischer Musik identifizieren, seinen Hass auf den Nazismus und seinen Glauben an die Freiheit zum Ausdruck brachte: Seine sich ständig verändernden zerschnittenen Farben formen und verändern Eindrücke so spontan wie ein Bebop-Solo.
Wie folgst du dem? Plattform am Französischen Institut wird als Bühne für „aufstrebende“ schottische Künstler in Rechnung gestellt, aber Sie fragen sich, wie sie zu beurteilen sind – als Studenten oder vollwertige Praktiker? Hier hat man das Gefühl, dass Künstler zu gemütlich verwöhnt werden und mit Dingen davonkommen, die unbedeutend sind. Vielleicht braucht Schottland fiesere Kunstkritiker. Ich mag Lynsey MacKenzies Zimmer mit rosa, orange und gelben abstrakten Gemälden, windgepeitscht und reinigend – doch sie braucht eine andere Dimension, etwas härteres Denken, um sie großartig zu machen.
Andererseits ist dieser Sinn- und Energieverlust in der Kunst vielleicht ein weltweites Phänomen. Bei der Talbot-Reis, die Art von seltsam willkürlichem Raum, bei dem man sich fragt, warum irgendjemand dachte, er würde eine gute Kunstgalerie abgeben, gibt eine Umfrage der in London ansässigen Céline Condorelli Anlass zur Sorge, ob irgendjemand jetzt irgendwo Qualitätskontrollen durchsetzt. Condorellis Installationen umfassen Pflanzen und feiern Spielplätze sowie Brasiliens modernistische Architektur. Das habe ich anscheinend schon hundertmal gesehen. Vage, halbwegs nachvollziehbare utopische Rhetorik mischt sich mit Sammlungen von Fundstücken und Farbcocktails, die keine emotionale Resonanz haben. Das ist Kunst, die es nur gibt, damit jemand eine Abschlussarbeit darüber schreibt.
Sie können Kunst sehen, die lebt und atmet Standbilder, ein von Touristencafés umgebenes Fotozentrum in einer Straße, die von der Royal Mile abfällt, wo die Japanerin Ishiuchi Miyako eine kleine, aber erschütternde Retrospektive ihrer erschreckend intimen Fotografien hat. Wenn Sie durch den Ladeneingang der Galerie gehen, finden Sie sich umgeben von ausgefransten und zerrissenen, aber exquisit farbenfrohen Kleidern: ein blau-weißer Anzug, der brutal zerrissen wurde, Spitzenkleider, die sowohl verkohlt als auch von riesigen Motten angenagt aussehen. Was diese Fotos so unheimlich macht, ist Ishiuchis perfekte Beleuchtung und Farbe, für die Sie das Gefühl haben, dass sie Monate damit verbracht haben muss, genau das zu erreichen. Und dann merkst du, was sie sind.
Dies sind die Kleider von Opfern der Atombombe, die 1945 auf Hiroshima abgeworfen wurde. Es braucht einen ernsthaften Künstler, um eine wirklich frische Perspektive auf eine solche Tragödie zu zeigen, aber diese unheimlich schönen Bilder lassen Sie den Horror wie zum ersten Mal sehen – die in Kleiderschränken zerfetzte Kleider oder zerrissene und verbrannte Körper, deren zerbrechliche, zarte Mode noch immer Zeugnis von der ganzen Vielfalt des Lebens ablegt, die in einem Moment zum Erliegen kam. Ishiuchi bringt die gleiche beunruhigende Intimität in Bilder der Besitztümer ihrer verstorbenen Mutter und Frida Kahlos medizinischem Korsett, die scheinbar in der Lage ist, ihre Kamera in die Objekte zu bringen, um Geister zu berühren.
Den Hügel hinunter an der Obstmarkt-Galerie Es gibt einen weiteren Beweis dafür, dass Kunst dem Korsett des ideologischen Kuratierens entkommen kann, um etwas über das Leben auszudrücken. Daniel Silver hat eine verrückte Welt aus Keramikmenschen geschaffen, die mit wilder, urkomischer Schlamperei zusammengeworfen und dann in atemberaubenden Farben bemalt wurden. Kleine Figuren sind auf Tischen mit riesigen Menschenbeinen aus Ton ausgebreitet, und ein „Publikum“ aus verzerrten Gesichtern starrt Sie an, während zufällige Riesenbeine einen eigenen dritten Platz einnehmen. Silvers Leute sollten absurd sein, wie Carnegie und sein Dinosaurier. Aber der Unterschied ist Empathie. Seine Tongesichter und -körper mögen lächerlich sein – aber hast du in letzter Zeit in den Spiegel geschaut? Wir sind sie. Jedes dieser verletzlichen, isolierten Wesen ist eine expressionistische Darstellung der menschlichen Existenz. Silver erinnert an Auerbach und Baselitz, und sie gehören zu den besten Künstlern, die es gibt.
Bei diesem Kunstfestival gibt es echte Tiefe, und selbst die alberneren Sachen sind schließlich ein Vorwand, um eine der bemerkenswertesten Städte Europas zu erkunden. Nicht verpassen Dovecot-Studios, in der Nähe der South Bridge, wo Sie Webern bei der Arbeit zusehen und eine Retrospektive des verstorbenen schottischen Modernisten Alan Davie sehen können. Zum Zeitpunkt seines Todes im Jahr 2014 hätte der Neunzigjährige Davie nicht weniger relevant erscheinen können. Doch diese Ausstellung bestätigt ihn als einen Künstler von bissiger Kraft, den Schotten Jackson Pollock, der die Flamme der abstrakten Kunst in einem Großbritannien entzündet hat, das wenig Zeit dafür hatte. Kunst hat entweder Mut und Vision oder nicht, und die rauen, spritzigen Gemälde von Davie haben es in sich.