TEin Blick auf eine Keramik von Lucie Rie bedeutet, einen Neuanfang zu sehen; in jeder Glasur, Form und Schnitt ist die Suche nach einer neuen Perspektive. Rie hat einmal gesagt: „Töpfern ist für mich ein Abenteuer, jede neue Arbeit ist ein Neuanfang.“ In ihrer 60-jährigen Karriere fand Rie immer wieder neue Wege, um mit Ästhetik und Form zu experimentieren. Dieses Zitat ist die Inspiration für den Titel von Lucie Rie: the Adventure of Pottery, at Kettle’s Yard, und mit mehr als 100 von Ries Stücken veranschaulicht es vollständig, wie ihr Engagement für Anfänge dafür sorgte, dass sich ihr Werk immer weiterentwickelte.
Ein Neuanfang war nicht nur ein kreatives Unterfangen, sondern ein persönliches. Rie musste neu anfangen, als sie 1938 auf der Flucht vor der nationalsozialistischen Judenverfolgung aus Wien nach London kam. Obwohl die 36-Jährige in Österreich eine erfolgreiche Keramikerin war, war sie in Großbritannien unbekannt und ihr Stil unterschied sich von dem von Bernhard Lausch, der damalige Hauptgeschmacksmacher der Töpferei. Rie war jedoch kein Künstler, der durch die Anwesenheit anderer Handwerker mit anderen Ansätzen beunruhigt wurde. Sie positionierte sich als Studentin und absorbierte ihre Stile, um zu sehen, wie sie unter ihrer eigenen Hand gediehen.
Die früheste Arbeit in der Ausstellung ist eine kleine, kannelierte Kanne in kräftigen Farben aus dem Jahr 1926 – hergestellt etwa zu der Zeit, als Rie ihren Abschluss an der Wiener Kunstgewerbeschule machte – und spiegelt die Formen ihres Mentors wider Josef Hofmann. Der Einfluss von Leach findet sich in einem klobigen braunen Teeservice von 1948 mit Wurfringen und dicken Griffen, während die Zartheit und der blaue Farbton von Wedgwoods Jasperware passt perfekt zu Ries akribischem Liniendekor in einem Set von Prototypen von Tassen und Untertassen, die sie für das Unternehmen hergestellt hat.
Diese Fähigkeit, sich zu verändern und gleichzeitig ihren eigenen charakteristischen Stil beizubehalten, war von entscheidender Bedeutung, nicht nur für ihr Überleben als Töpferin, sondern für ihr Überleben, Punkt. Bei ihrer Ankunft in London konnte Rie keine Lizenz zur Herstellung von Töpfen erwerben, also stellte sie, um über die Runden zu kommen, Knöpfe für Modehäuser her. Beim Lesen des Ausstellungskatalogs auf dem Sofa schaut mein zweijähriger Sohn auf die Knöpfe und sagt „Bits“. Nachdem ich ihn korrigiert habe (nein, das sind Tasten), ist mir klar, dass es sich tatsächlich um „Teile“ oder vielleicht Fragmente von Ries Prozess handelt, von denen jedes ein neues Experiment und ihre Fähigkeit verkörpert, intuitiv auf die Arbeit einer anderen Designerin zu reagieren.
Bei Kettle’s Yard hatte der Kurator Spaß daran, diese winzigen Artefakte in perfektem Abstand und nach Größe organisiert auszulegen. Jeder Knopf schimmert meliert; Metallics schimmern an den Kanten und faszinierende Formen ziehen die Blicke auf sich. Viele dieser Ansätze erweitern sich in Ries Töpfen, die um 1960 noch experimenteller wurden. Der letzte Teil ihrer Karriere wird in der zweiten Galerie gefeiert und die Werke explodieren mit einer lebenslangen Sammlung von Neuanfängen. Glasuren mit „Nadellöchern“ sickern über Schalen, Spiralschatten wickeln sich um hohe Flaschen, Intarsien und Sgraffito-Linien schmücken Vasen, goldenes Manganoxid blendet Kurven und Gelb-, Blaugrün- und Rosatöne leuchten mit üppiger Freude.
Das neueste Werk ist eine rosafarbene Porzellanschale aus dem Jahr 1990. Es ist eine fesselnde, klassische Rie mit perfekt verteilten Linien und geschmolzenen Bronzerändern, aber sie leidet unter dem gleichen Problem wie jedes Werk in dieser Ausstellung: Sie befindet sich in einer Vitrine. Ich gehe davon aus, dass diese Entscheidung auf der Notwendigkeit basiert, die Keramik zu schützen, da die Einführung von Glashüllen sofort die Farbe trübt, die Textur dämpft und den Ausstellungsraum mit Kästen füllt.
Rie selbst war unglaublich sensibel für die Schaffung einer Umgebung, an die sie glaubte Wiener Werkstätte‘s Prinzip, eine vereinheitlichende Ästhetik über Architektur, Innenräume und Objekte hinweg zu etablieren. Als sie nach London zog, unternahm sie extreme Anstrengungen, um die Einrichtung ihrer Wiener Wohnung, die von einem Architekten entworfen wurde, zu transportieren Ernst Plischke. Besucher und ausgewählte Kunden wären in Ries Studio und Zuhause in Albion Mews angekommen, um Regale voller ihrer Kreationen zu öffnen, was eine Wirkung und Konversation erzeugt hätte, die in Schrankreihen verloren gehen.
Es ist möglich, einen kleinen Vorgeschmack davon zu bekommen, indem einige Keramiken von Rie’s rund um das Haus von Jim und Helen Ede, den Gründern von Kettle’s Yard, verstreut sind, das auch für die Öffentlichkeit zugänglich ist. In der häuslichen Umgebung singen Ries Arbeiten – die Ausgewogenheit einer kleinen runden Schale wird durch den runden Tisch betont, auf dem sie steht, und die sprudelnde Glasur einer mintgrünen Schale wird unter einem Schiffsbaugemälde ozeanisch.
Obwohl die Ausstellung dies kaum erwähnte, liebten die Edes Ries Arbeit und sie verstanden die Kraft, die sie in ihrem Zuhause hatte. In den 1970er Jahren wurden in Kettle’s Yard mehrere Keramikausstellungen eröffnet, und jede Nacht – nachdem die Galerie geschlossen war – trug Jim Ries als „The Wave“ bekanntes Werk in sein Haus, um zu beobachten, wie Licht mit seiner gesprenkelten Oberfläche interagierte. Diese konische Schale steht jetzt dauerhaft dort, wo Jim sie platziert hat, auf einem Schiefertisch vor dem Triptychon by Italo Valentinwas uns ermöglicht, die Art und Weise zu schätzen, in der Ries bescheidene Kreationen eine ganze Szene beleben konnten.
Dieser Artikel wurde am 15. März 2023 geändert, um die Schreibweise des Keramikunternehmens Wedgwood zu korrigieren.