FLorian Zellers Art des psychologischen Theaters, in dem gebrochene innere Zustände durch Form ausgedrückt werden, ist unbestreitbar raffiniert. Wie sein Oscar-gekrönter Film „Der Vater“ (nach seinem Theaterstück) bringt diese Geschichte der Untreue die Chronologie durcheinander und vermischt Erinnerung mit Fantasie, um die schlüpfrige Natur der Realität zu beweisen. Ein Teil seines Charmes liegt in der Entschlüsselung, obwohl es strittig bleibt, ob Stil hier über Substanz gewinnt.
Die Geschichte ist eine moralische – von Untreue und ihren Folgen – in Form eines Krimis präsentiert. Es dreht sich um Pierre, einen angesehenen Chirurgen, dessen Affäre ihn aus dem Gleichgewicht bringt, möglicherweise mörderisch.
Auf der Bühne ist er ein gespaltenes Ich, gespalten durch Schuldgefühle und Ausflüchte, und seine dominante Hälfte, Mann 1, wird von Toby Stephens neben Mann 2 (Paul McGann) hervorragend dargestellt. „Im Kopf spielen sich Szenen immer wieder ab“, sagt er, und das tun sie auch auf der Bühne, jedes Mal mit kleinen Variationen, damit sich keine Wahrheit festmachen lässt. Stephens hat einen beiläufigen Anspruch, aber auch Nuancen von Dostojewskis Raskolnikov in seinem geheimen Wunsch, gefasst zu werden, zu gestehen und bestraft zu werden.
Übersetzt von Zellers langjährigem Mitarbeiter Christopher Hampton ist The Forest meisterhaft ausgeführt und fesselnd anzusehen, aber ohne die gleiche emotionale Tiefe und Kraft wie The Father. Die Geschichte ist ein Puzzle mit einem fehlenden Teil und erlaubt es uns, unsere eigene Bedeutung in ihre Lücken zu projizieren, aber selbst dann fühlt sie sich manchmal etwas flach an und ist zu sehr in Zellers charakteristischem Stil gebunden, der sich wie ein sich ähnlich wiederholendes Spiel abspielt.
Es trägt die Intrigen eines Thrillers, greift aber auch auf Klischees des Genres zurück: die anonymen Telefonanrufe, die lockere Kanone eines Liebhabers, die leise misstrauische Ehefrau. Jede Frau auf der Bühne wird nicht nur betrogen, sondern wirkt platt, besonders der Liebhaber (Angel Coulby), dessen obsessive Impulse in das Stereotyp des „Bunny Boiler“ abdriften. Auch die Frau (hervorragend gespielt von Gina McKee) wirkt bewusst wie eine Chiffre. Dies mag durchaus die reduzierte Art und Weise widerspiegeln, in der Mann 1 sie sieht, aber ihnen fehlt es infolgedessen an Glaubwürdigkeit.
Was auch immer seine Mängel sein mögen, wir können nicht anders, als uns von dieser Produktion verführen zu lassen. McKee jagt in den letzten Momenten des Stücks Schauer über den Rücken, und der Rest der Besetzung ist durchweg stark, insbesondere ein surrealer Verhörer mit Molkegesicht, der von Finbar Lynch mit kontrollierter Bedrohung gespielt wird.
Unter der eleganten Regie von Jonathan Kent glänzt und erfreut jedes Element der Bühnenkunst. Aus der Dunkelheit erstrahlen Räume mit prickelnder Überraschung: das Schlafzimmer des Liebhabers über dem Salon der Familie, ein Büroraum, in dem Träume gelüftet und schmuddelige Schnäppchen gemacht werden. Eine einzelne, monotone Angst in Isobel Waller-Bridges Sounddesign schwirrt durch das Drama. Hugh Vanstones Beleuchtung ist auffällig, und Anna Fleischles naturalistisches Bühnenbild ist ein guter Gegenpol zur verzerrten Realität des Stücks.
Die drei Räume beginnen sich allmählich zu verbinden und fangen am wirkungsvollsten die Gleichzeitigkeit des Moments ein, die Zeller so oft anzustreben scheint.
Das Ende kommt nicht in die Katharsis eines Krimis, sondern wirkt gespenstisch in der Pause – als würde es seine innere Zerrissenheit auch noch nach Verlassen des Zuschauerraums wiederholen.
Wenn das alles eine aufwendige Schulderforschung ist, wird sie garantiert eine fieberhafte Diskussion entfachen, nachdem die Lichter angegangen sind, selbst wenn sie am nächsten Morgen verflogen sind.