Race sei „ein brisantes Thema“, sagt ein Theaterregisseur zu Schauspielern, die sich für eine „bunte Show“ am Broadway vorbereiten. Aber Al Manners hofft, dieses Thema für ein New Yorker Publikum von 1955 weniger „anstößig“ zu machen, was auch immer seine schwarzen Schauspieler kosten mögen.
So wird der Proberaum zu einem Schlachtfeld in Alice Childress’ Stück, da sich einige der Rolle von Mammen, Dienern und gelynchten Opfern hingeben, während andere – nämlich die erfahrene Schauspielerin Wiletta (Tanya Moodie) – sich nach einem Leben von Manners (Rory Keenan) erhebt, um sich herauszufordern ruhige Einhaltung.
Das Kinderstück wurde im selben Jahr, in dem es spielt, off-Broadway inszeniert, als Amerika in die Bürgerrechtsbewegung eintauchte, und sie fing die sehr lebendige Wut ihrer Zeit ein, wie sie erlebt wurde.
Dieser Mikrokosmos hinter den Kulissen zeichnet das Bild einer Nation, die sich immer noch an den Druck und die Anziehungskraft der Rassenintegration akklimatisiert. Seine vier schwarzen Charaktere Wiletta, John (Daniel Adeosun), Millie (Naana Agyei-Ampadu) und Sheldon (Cyril Nri) sind Schauspieler, die in einer Branche voller offener Rassenvorurteile ums Überleben kämpfen und sich gegenseitig daran erinnern, zu lächeln und zu nicken und spielen die ihnen zugewiesenen reduktiven Rollen zu Beginn klaglos aus. Es ist daher ironisch, dass echte Broadway-Produzenten das Stück 1957 von seiner geplanten Premiere zurückzogen, weil der Dramatiker sich weigerte, es für seine Produzenten schmackhafter zu machen.
Unter Nancy Medinas dynamischer Regie in einer Preview-Performance der Show ist die Spannung noch heute spürbar, insbesondere zwischen Wiletta und den pompösen Manners, die seine Mikro-Aggressionen ihr gegenüber mit seichter Schmeichelei und Flirt verschleiern. In anderen Momenten fühlt sich die Reibung ein wenig verwässert an, und nicht ganz genug Stachel, vielleicht wegen unserer Distanz zu dieser Zeit oder vielleicht, weil das Stück ein kniffliges Geflecht aus Wut und Satire erfordert.
Diese Satire entsteht hauptsächlich dadurch, dass das Stück auf Rajha Shakirys schäbiger, halbverdeckter Bühne in Bühne geprobt wird. Das Stück spielt im tiefen Süden und fixiert alle schwarzen Schauspieler auf unverschämt karikierte Rollen: Sheldon ist ein Vater, der nur auf einem Schaukelstuhl schnitzt; Millie ist eine Dienerin in einem Baumwollkleid, dessen Linien aus kurzen Ausrufen wie „Herr erbarme dich“ bestehen; Wiletta ist eine Mutter, die ihren Sohn effektiv zum Lynchen schickt.
Etwas Satire ist um die weißen Charaktere im Proberaum herum aufgebaut, insbesondere um die strahlende Yale-Absolventin Judy (Emma Canning), die schnell weiße Schuldgefühle vorführt, aber eine beleidigende Naivität offenbart – in einem Moment fordert sie ihre schwarzen Schauspielerkollegen auf, „ habe niemals Grenzen in deinem Horizont“.
Wilettas Standpunkt löst keine Zugeständnisse oder Schuldgefühle aus, sondern eine abschreckende Wut. „Die Leute finden es wunderbar, weiß zu sein“, bellt er mit einer Liste von allem, was er in seiner Karriere zu bewältigen hatte. Das Drama – und die Wut – bauen sich vielversprechend auf, aber eine explosive Auflösung kommt nie. Die Schlussmomente sind stattdessen eher zu schräg. „Morgen ist ein neuer Tag“, sagt Millie, und es klingt wie ein Spiel mit Scarlett O’Haras Gefühl in Vom Winde verweht.
Es ist faszinierend, eine Besetzung von Schauspielern zu sehen, die selbst Schauspieler spielen, aber manchmal wirkt es zu extravagant und schauspielerisch, da ihre komischen Übertreibungen die Spannung eher untergraben als verstärken.
In den ruhigeren Fragen des Stücks rund um die Repräsentation liegt seine wahre Kraft. Es gibt eine Diskussion über Sprache und ob es jemals legitim ist, auf der Bühne eine rassistische Beleidigung zu sprechen – aus dem Mund eines rassistischen Charakters – oder ob ihre Äußerung immer grundlos und beleidigend ist.
Besonders interessant ist die Auseinandersetzung zwischen den Akteuren darüber, ob Compliance – ein „Onkel Tom“, wie Wiletta es nennt – die einzige Möglichkeit ist, in der Branche zu bestehen oder gegen ihre Vorurteile zu protestieren. Anstatt dies als einfaches binäres Argument darzustellen, zeigt Childress Drehbuch die persönlichen Kosten des Protests und auch die finanzielle Notwendigkeit von „Tom-ing“. Wie Sheldon sagt, braucht er diesen Job, um seine Rechnungen zu bezahlen, und kann es sich nicht leisten, zu protestieren. Und während die Typisierung im Theater heute vielleicht nicht mehr so auffällig ist, fühlen sich die Themen von Childress nicht annähernd so distanziert an, wie sie sollten.