Berlin ist vielleicht nicht so glanzvoll wie die anderen großen europäischen Festivals, Cannes und Venedig, aber es weiß, wie man das Beste aus dem macht, was man „ethische Starpower“ nennen könnte. Daher Steven Spielberg, der in diesem Jahr zu präsentieren Nimm den Goldenen Bären an für sein Lebenswerk, der eine eloquente und imposante Rede über Langlebigkeit, Heilung und – wie es sich für den Ort gehört – das Gewicht der Geschichte hielt. Und so leitet die seriöse Hollywood-Schauspielerin Kristen Stewart eine Jury, zu der der iranisch-französische Star Golshifteh Farahani und die früheren Berlinale-Preisträger Carla Simón und Radu Jude gehören – eine Besetzung, die höchstwahrscheinlich einige gewagte Preisentscheidungen treffen wird.
Aber es gibt auch die langjährige Berlinale-Tradition, das Prestige des roten Teppichs mit einer gewissen Ernsthaftigkeit zu verbinden, die auf der Leinwand nicht immer gedeiht. Ein Paradebeispiel war in diesem Jahr Golda, ein feierliches, schleppendes Drama über die israelische Ministerpräsidentin Golda Meir und den Jom-Kippur-Krieg, mit Helen Mirren, die eine solide, nachdenkliche Darbietung abliefert, nur um von ihrem unheimlichen prothetischen Make-up in den Schatten gestellt zu werden. Und dann war da Sean Penns Dokumentarfilm über die Ukraine, Supermacht, gemeinsam mit Aaron Kaufman, in dem eine verständlicherweise von den Stars beeindruckte Lobrede auf Wolodymyr Zelenskiy von viel narzisstischem Hyperventilieren überschattet wurde, was für eine erstaunliche Sache es sei, Sean Penn im Wirbelwind der Geschichte zu sein. Es war ein phänomenal unbedachtes, schlecht beratenes Stück; im Gegensatz, Ostfrontaus der Ukraine selbst, war der eigentliche Deal, ein nüchterner, dringender, zutiefst beunruhigender Dokumentarfilm von Vitaly Mansky und Yevhen Titarenko, der im Wesentlichen auf dem Filmmaterial des Letzteren basiert und im Dienst mit einem freiwilligen medizinischen Team gedreht wurde.
In der Zwischenzeit begann das Festival mit einer publikumsfreundlichen Note, sogar einer scherzhaften. Rebecca Millers Eröffnungsfilm Sie kam zu mir war ein Soufflé einer Komödie über einen blockierten Opernkomponisten (Peter Dinklage), der dank eines romantiksüchtigen Schlepperkapitäns (Marisa Tomei) sein Mojo zurückerlangt. Es mischte unbeholfen urbane Kultiviertheit mit eigenwilliger Albernheit, wurde aber – nicht zuletzt von Anne Hathaway als unterdrückter Seelenklempner – scharf gespielt und kaum unsympathisch.
Berlin wurde oft als zu ernsthafter Programmierer gesehen, seine Achtung vor der Filmkunst wurde oft von seinem politischen Verantwortungsbewusstsein überschattet. Heutzutage steht das Festival unter der Leitung von Carlo Chatrian und Mariette Rissenbeek jedoch furchtlos davor, das Kino mit einem großen C in den Vordergrund zu stellen, mit einem Auge für Abenteuer. Der diesjährige Wettbewerb umfasste einige Filme, die so herausfordernd waren, wie wir sie hier seit einiger Zeit gesehen haben, sowie andere, die äußerst zugänglich waren. Es gab einen absoluten Publikumsmagneten in Form von Suzume, vom japanischen Anime-Maestro Makoto Shinkai (Ihren Namen, Verwitterung mit Ihnen). Es existiert an einem bizarren Knotenpunkt von YA-Romantik und Wettlauf-gegen-Zeit-Apokalypsedrama und erfordert eine gewisse Toleranz für visuellen Kitsch und kawaii Niedlichkeit, aber es ist nicht zu leugnen, dass die Abenteuer eines Teenager-Mädchens, einer dämonischen Katze und eines sprechenden Stuhls eine verrückte Erfindung übrig hatten.
Ein gedämpfteres Wettbewerbs-Highlight kam direkt von seiner Sundance-Premiere: Vergangene Leben, ein Debütfilm der koreanisch-kanadischen Dramatikerin Celine Song. Es geht um zwei koreanische Kinder, die getrennte Wege gehen, sich aber Jahre später wiedervereinen, als der Junge (gespielt als Erwachsener von Teo Yoo) nach New York reist, um das Mädchen zu besuchen, das jetzt Schriftstellerin ist (Greta Lee, die einen großen Durchbruch erlebt). Dieser wunderschön gespielte, nuancierte Film sinniert über Zeit, Identität und ein koreanisches Konzept namens in-yunüber das Schicksal und die Ebenen der Verbindung zwischen Menschen. Vergangene Leben bewiesen, dass ein kommerziell ansprechendes Drama heutzutage immer noch erwachsene Intelligenz und emotionale Zartheit vereinen kann. Es war wahrscheinlich Berlins am meisten bewunderter, ja sogar verehrter Film – und ob er hier Preise gewinnt oder nicht, er wird sicher in einem Jahr die Preisverleihung erobern.
Es war sicherlich der emotional direkteste Film im Wettbewerb, zusammen mit Tótemein Familiendrama der mexikanischen Regisseurin Lila Avilés, nach ihrem Debüt Das Zimmermädchen. Dieses lebhafte Ensemblestück behandelt einen Tag im Leben einer Künstlerfamilie in Mexiko-Stadt, die den Geburtstag ihres todkranken Bruders feiert; es ist alles größtenteils durch die Augen seiner siebenjährigen Tochter zu sehen, wunderschön gespielt von der Newcomerin Naíma Sentiés, und wieder einmal mit echter emotionaler Ladung, ohne in Sentimentalität überzugehen.
Im Allgemeinen zeichnete sich der Wettbewerb jedoch durch seinen konfrontativen Vorsprung aus. Disco-Junge, ein in Frankreich entstandenes Debüt von Giacomo Abbruzzese, mit dem deutschen Schauspieler Franz Rogowski in der Hauptrolle, zeigte das parallele Leben eines afrikanischen Aktivisten und eines Rekruten der französischen Fremdenlegion; Es ist ein Film von stählerner Intelligenz und scharfkantigem, verrenktem Stil, der viel versprach, aber keine zufriedenstellende Ziellinie erreichte. Und Manodrom, des südafrikanischen Regisseurs John Trengove, ist der jüngste in einem sicherlich langen Zyklus von Filmen über „toxische Männer in der Krise“. Jesse Eisenberg zittert vor kaum unterdrückter Wut als Taxifahrer, der unter den Einfluss eines frauenfeindlichen Männerkults gerät, angeführt von einem glatt finsteren Adrien Brody. Es ist höllisch intensiv, aber wieder weiß er nicht so recht, wohin er gehen soll.
Andere Filme hingegen wussten genau, wohin sie wollten, hatten aber das zusätzliche Selbstvertrauen, das Publikum im Unklaren zu lassen. Einer, der seine eigene Welt und seine eigenen Regeln geschaffen hat, war Das Überleben der Freundlichkeit des australischen Veteranen Rolf de Heer. Dies ist ein mehr als dystopisches Drama ohne Dialog – oder besser gesagt, mit Sprache, die nur in kaum identifizierbaren Sprachen gemurmelt wird. Eine Heldin mittleren Alters, die im Abspann als „BlackWoman“ aufgeführt und von der Newcomerin Mwajemi Hussein gespielt wird, befreit sich aus der Gefangenschaft in einem Metallkäfig, wandert dann durch eine Wildnis, bevor sie an einem höllischen Industriestandort ankommt, der von einem herrschenden Volk mit Gasmasken regiert wird die sie menschlichen Erdferkeln ähneln lassen. Teils eine Parabel über Rasse, Kolonialismus und Widerstand, teils eine Traumvision mit einem Hauch von Jorge Luis Borges, war es einer der originellsten und imposantesten Filme hier, wenn auch nicht gerade der einfachste.
Es war einer von zwei kühnen australischen Filmen im Wettbewerb: der andere war Limbo des indigenen Regisseurs Ivan Sen, der sicher kein Problem damit haben wird, ein breiteres Publikum zu finden. In den Mondlandschaften eines Opalminengebiets in Queensland angesiedelt und vom Regisseur selbst blendend in Schwarzweiß gedreht, ist es ein bis auf die Knochen gebleichter Existenzthriller über einen heroinsüchtigen Polizisten (einen schweigsamen Simon Baker), der eine Rezension gibt der kalte Fall einer vermissten Aborigine-Frau. Es funktioniert ganz nach seinen eigenen Bedingungen und in seinem eigenen gemächlichen Tempo und höhlt das Detektiv-Genre zu einem coolen, spannenden Effekt aus.
Aber kein Wettbewerbstitel war so radikal SUI generis als Musik, von deutscher Hardcore-Experimentatorin Angela Schanelec. Sie war 2019 hier, mit ihrem hypnotisierend unergründlichen Ich war zu Hause, aber, die sehr seltsame Dinge mit Chunks von tat Weiler. Ihr neuer Film ist eine fast wortlose moderne Variation des Ödipus-Mythos, der zunächst in Griechenland spielt, bevor er abrupt und unerklärlicherweise nach Berlin springt (einschließlich Szenen, die nur einen Steinwurf vom Festivalzentrum Palast entfernt spielen). Ein junger Mann, der während eines Sturms in den griechischen Bergen geboren wurde, wächst mit chronisch wunden Knöcheln auf und wird wegen Totschlags inhaftiert. Er bildet ein Paar mit einer der Gefängniswärterinnen (französische Arthouse-Stammgast Agathe Bonitzer) und wird später Sängerin in Berlin – mittlerweile ist jede offensichtliche Übereinstimmung mit dem ursprünglichen Mythos durch ein dichtes Netzwerk von Symbolen, Echos und Rätseln verdeckt . Musik ist weniger narratives Kino – selbst der künstlerischsten, Godardianischsten – als vielmehr Konzeptkunst oder eine filmische Form undurchsichtiger modernistischer Poesie. Es mag fast hermetisch sein, aber es ist absolut fesselnd. Das beweist, dass die Berliner Auswahl nicht davor zurückschreckt, und wenn die Jury von Kristen Stewart mitzieht, könnte Schanelecs Film der kühnste Goldene Bär seit Jahren werden.
Das Beste aus Berlin
Beste Spielfilme Musik (Angela Schanelec); Limbo (Iwan Sen); Vergangene Leben (Celine-Song).
Beste Dokumentationen Ostfront (Witaly Mansky, Yevhen Titarenko); Und Auf dem AdamantNicolas Philiberts Film über eine Pariser Tagesstätte für Psychiatriepatienten, die den Menschen, die sie nutzen, einen sozialen – und zum Teil auch künstlerischen – Zufluchtsort bietet.
Beste Leistungen Der kongolesisch-australische Newcomer Mwajemi Hussein im Rolf de Heer’s Das Überleben der Freundlichkeit; Greta Lee ein Vergangene Leben; Mia Goth als verwöhnte Hedonistin aus der Hölle in Brandon Cronenbergs Alptraum-Fantasie frisch aus Sundance Infinity-Pool.
Beste Musik Chris Taylor und Daniel Rossen von der US-Band Grizzly Bear, z Vergangene Leben; Doug Tielli (plus Händel, Vivaldi und Co) ein Musik
Seltsamste Rede Bonos Hommage auf der Bühne an Steven Spielberg, als der Regisseur mit dem Goldenen Ehrenbären ausgezeichnet wurde. Der U2-Sänger offenbarte seine Bewunderung für Spielbergs Film von 1974 Der Sugarland-Express: „Die Mutter wird von der großartigen Goldie Hawn gespielt, aber ich sehe nur meine eigene Mutter, wie ich sie als Kind gesehen habe, gigantisch, unvollkommen. Ich weine, obwohl mein Herz voller Freude ist, weil ich weiß, dass meine eigene Mutter immer nach mir suchen wird. Das ist Kino pur. Nein, das ist Spielberg pur.“ Bitte Gott, niemand bringt ihn zum Laufen ET.