valerie Solanas ist für zwei Dinge berühmt: Andy Warhol zu fotografieren und den Film zu schreiben SCUM (Society for Cutting Up Men) Manifest, vielleicht die vorsätzlich unverschämteste radikalfeministische Polemik. Ursprünglich selbst veröffentlicht und 1967 von ihr auf den Straßen von New York verkauft, forderte es „verantwortungsbewusste, aufregende Frauen auf, die Regierung zu stürzen … eine vollständige Automatisierung einzuführen und das männliche Geschlecht zu eliminieren“.
Das Buch erlangte seine anfängliche Berühmtheit nach Solanas’ versuchtem Attentat auf Warhol in seinem Studio, der Factory, am 3. Juni 1968. Nachdem sie sich Stunden nach der Schießerei der Polizei gestellt hatte, wurde sie wegen versuchten Mordes angeklagt und später zu drei Jahren Haft verurteilt „rücksichtsloser Angriff mit der Absicht, Schaden anzurichten“, nachdem bei ihm paranoide Schizophrenie diagnostiziert worden war. Nach ihrer Verhaftung soll sie einem Reporter gesagt haben: „Lesen Sie mein Manifest und es wird Ihnen sagen, wer ich bin.“
Seitdem hat Solanas, die 1988 starb, einen einzigartigen und komplexen Platz in der Kulturlandschaft eingenommen, ihr Manifest wurde von einigen feministischen Wissenschaftlerinnen als visionärer Text gefeiert und ihre Geschichte inspirierte mehrere Theaterstücke und einen gefeierten Kunstfilm. Ich habe Andy Warhol erschossen. Jetzt erscheint ein neues Buch der 52-jährigen amerikanischen Fotografin Justine Kurland, die vor allem für ihre Serie 2020 bekannt ist. Mädchenbilder, porträtiert junge Frauen in der amerikanischen Wildnis. Ihr faszinierender Titel SCUMB-Manifest ist eine Hommage an den wild transgressiven Geist von Solanas, den sie in dem Buch als „einen Revolutionär, einen Bettler, eine Prostituierte und einen Vagabunden, verrückt, brillant und sehr lustig“ beschreibt.
SCUMB steht für Society for Cutting Up Men’s Books, und genau das hat Kurland getan, indem er Bilder aus rund 150 Fotobüchern weißer, männlicher Fotografen zerlegt und neu konfiguriert. Alle Bücher stammten aus Kurlands eigenen Regalen. Dazu gehört Stephen Shores Amerikanische OberflächenWilliam Egglestons Los AlamosLarry Clarks TulsaMartin Parrs Denken Sie an EnglandAlec Soths Schlafen am Mississippi, Brassaïs Paris bei Nacht und, am berühmtesten von allen, Robert Franks Die Amerikaner.
Jede Collage ist nach dem Buch benannt, das ihr das Ausgangsmaterial lieferte, ohne jedoch auf den jeweiligen Fotografen hinzuweisen. Vor der Ausstellung von 65 der SCUMB-Collagen letztes Jahr in einer Galerie in Brooklyn, bot Kurland sie jeweils den einzelnen Fotografen an, deren Arbeiten sie zerschnitten und neu zusammengesetzt hatte. „Ich habe E-Mails verschickt, in denen stand: ‚Ich habe Collagen aus Fotobüchern gemacht, und hier ist deines’“, sagt sie lachend am Telefon in ihrem Studio in New York. Die meisten von ihnen antworteten nicht. Von denen, die es taten, erzählte sie mir, sagte Tod Papageorge, er fühle sich geschmeichelt, Stephen Shore bot an, einen Druck gegen ihn einzutauschen, und Jim Goldberg schickte ihr ein Exemplar seines Buches Von Wölfen aufgezogenals Rohmaterial zu verwenden, aber, sagt sie, „einige andere hatten weniger Humor und waren von der Arbeit gekränkt“.
Dies ist kaum verwunderlich, da ihre Collagen nicht nur das Patriarchat herausfordern, sondern auch Fragen zu Autorschaft und Respekt aufwerfen. „Ich ziele auf niemanden ab“, sagt sie. „Es geht um ein System und Strukturen der Macht, nicht um Einzelpersonen, obwohl ich sagen muss, dass einige dieser Typen zu lange zu viel Raum eingenommen haben.“
Am Ende verkaufte sie die frühen Collagen für jeweils 900 Dollar (690 Pfund), hauptsächlich an ihre Schüler, obwohl das Museum of Modern Art in New York auch mehrere schnappte. Eine Auswahl, erstellt aus Lee Friedlanders Serie Akte sind derzeit im Rahmen von in der Herald Gallery in London zu sehen eine Gruppenausstellung, Say Less.
Ob SCUMB-Manifest ist ein fröhlich provokativer Angriff auf die patriarchalische Geschichte der Fotografie, aber auch ein Akt wunderbar verschachtelter Kreativität: Die Collagen besitzen ein lebendiges, oft viszeral kraftvolles Eigenleben. Kurlands Stil reicht vom spielerischen Surrealen – Parrs charakteristische englische Charakterstudien, neu konfiguriert als eine Mischung aus kunstvoll arrangierten Gliedmaßen, Gemüse, Blumen und Gesichtern – bis hin zum kühlen Minimalen – Friedlanders Amerika mit dem Auto gerendert als ballardianischer Wirbel von Lenkrädern.
Oft wurden die Originalfotos so verändert, dass Sie, wie ich, Schwierigkeiten haben, den Fotografen zu identifizieren, dessen Bilder sie überarbeitet hat. Sie kehrt die rigorose formale Distanziertheit von Robert Adams um und macht Brassaïs nächtliches Paris unkenntlich, indem sie Details seiner Fotografien – eine gepflasterte Straße, eine Tischplatte in einem Café, Stoffe – als ominöse monochrome geometrische Formen zerschneidet und neu anordnet.
An anderer Stelle ist ihre Subversion deutlicher politisch. Der weibliche Körper, wie er von Fotografen wie Helmut Newton und Guy Bourdin fetischisiert wurde, wird abwechselnd skulptural, traumhaft und verstörend in Werken wiedergegeben, die frei von dem voyeuristischen männlichen Blick schweben und gleichzeitig die Aufmerksamkeit auf seine unersättliche Gier lenken. Die Einbeziehung renommierter Fotografen wie Brassaï und Frank wird von manchen sicherlich als kultureller Vandalismus angesehen werden, aber auch das ist Teil von Kurlands Provokation.
Das wütendste Element des Buches ist das Titelblatt, in dem Kurland auf Solanas’ wilden kämpferischen und anklagenden Prosastil zurückgreift, um es am Patriarchat festzuhalten. Über einer blutroten Collage sich windender weiblicher Akte sagt sie: „Ich, Justine Kurland, bin SCUMB. Ich gedeihe in der stagnierenden Verschwendung Ihrer langweiligen Fotografie. Ich sprudele auf, eine rohe Lebenskraft, die sich aus den nutzlosen Exkrementen Ihrer frauenfeindlichen Bücher vermehrt.“ Ihr Estrich endet mit der spöttisch drohenden Zeile: „Ich komme mit meiner Klinge für dich.“ In seinem konfrontativen Ton verspricht es mehr, als es hält, da ihr Skalpell durchweg eher ein Werkzeug komplizierter Rekonfiguration als gewaltsame Zerstückelung ist.
„Am Anfang dachte ich, es wäre ein reiner Punk-Akt der Zerstörung, aber es ist wirklich das feinste, pingeligste Medium“, sagt Kurland, „ich verbrachte Stunden um Stunden damit, diese akribischen Spitzenschnitte zu machen und sie dann sorgfältig zusammenzusetzen. Es geht sowohl um den Kleber als auch um die Schere. Für mich ist es eher ein reparativer als ein destruktiver Akt.“
Kurland fotografiert seit ihrem 15. Lebensjahr. Sie studierte Ende der 1990er Jahre in Yale bei Gregory Crewdson, einem Fotografen, der für seine aufwändig inszenierten filmischen Tableaus bekannt ist, von denen sie eines in ihrem Buch überarbeitet. Die Collagen sind eine dramatische Veränderung in Ton und Herangehensweise gegenüber ihren früheren Arbeiten, die eine bestimmte Art von amerikanischer Grenzromantik erforschten und unterwanderten. Ihr Buch Autobahn Art (2016) entstand auf einer Reihe von epischen Roadtrips, die sie in einem verbeulten Wohnmobil quer durchs Land unternahm, oft mit ihren kleinen Kindern im Schlepptau. Mädchenbilder (2020) umfasst Bilder, die sie zwischen 1997 und 2002 gemacht hat, in der ihre jungen, rebellischen weiblichen Subjekte eine fast utopische Welt der Freiheit in der Natur zu bewohnen scheinen.
Kurlands Wechsel von der Fotografie zur Collage wurde durch ein Zusammentreffen persönlicher und kultureller Ereignisse beschleunigt: der Tod ihres Vaters, die seismischen politischen und sozialen Umwälzungen der letzten Jahre und eine Art moralische Abrechnung mit ihrer eigenen Arbeitsweise. „In gewisser Weise haben meine Roadtrips zu einer dauerhaften Idee in der amerikanischen Fotografie beigetragen, nämlich dass man in die Welt hinausgeht und die Nachrichten nach Hause bringt“, sagt sie. „Es fühlte sich wie ein Überbleibsel des kolonialen Impulses an und ich begann mich dabei ein wenig unwohl zu fühlen. Ich denke, das war, als ich anfing, mich bezüglich meiner Arbeitsweise wirklich ambivalent zu fühlen.“
Obwohl nicht so grenzüberschreitend wie andere Akte kreativer Verunstaltung – die Chapman-Brüder, die Clownsköpfe auf eine seltene Ausgabe von Goya-Radierungen zeichnen, kommen einem sofort in den Sinn – SCUMB-Manifest ist sicherlich ein gezieltes Schreiben an das, was Kurland „den männlichen Fotografie-Kanon und sein Monopol auf Bedeutung und Wert“ nennt.
Die Fotografie ist bis zu einem gewissen Grad immer noch ein von Männern dominiertes Medium, insbesondere in Bezug auf die oft nerdige, obsessive Welt des Fotobuchsammelns, aber kreativ wird dieses Monopol an vielen Fronten herausgefordert, nicht zuletzt durch eine Fülle zeitgenössischer Fotografinnen, Kuratorinnen und Künstler-Aktivisten. Es besteht kein Zweifel, dass es zu lange geherrscht hat, mit bahnbrechenden Fotografen wie Berenice Abbott, Gerda Taro und Germaine Krull, um nur drei bahnbrechende Frauen zu nennen, die immer noch nicht so gefeiert werden wie ihre männlichen Kollegen.
„Die Geschichte der Fotografie ist voll von Frauen“, wie Kurland es ausdrückt, „es gibt also keine Entschuldigung oder Rechtfertigung für ihren Ausschluss.“
Im Moment, sagt sie mir, ist Collage eine Möglichkeit, „die Ambivalenz zu erforschen“, die sie gegenüber dem Medium empfindet, in dem sie ihren Ruf begründet hat. Wird sie zur Fotografie zurückkehren? „Man weiß nie“, sagt sie. „Es ist ein großes, heißes Durcheinander in meinem Kopf und ich habe es noch nicht wirklich formuliert. Ich liebe Fotografie und Fotobücher waren ein Weg zu dem, was ich in meiner Arbeit mache, aber als ich feststellte, dass 99 % der Bücher in meiner Sammlung von heterosexuellen, weißen Männern stammen, hat mich das verstört. SCUMB-Manifest sage ich nicht: ‘Scheiß auf all diese Fotografen, sie sind scheiße und sie sollten nicht existieren’. Es ist eher ambivalent. Es ist wütend und ernst, aber auch lustig.“ Ich vermute, nicht alle lachen.