WWenn man die Geschichte der Frauen im Hip-Hop betrachtet, werden einige wegweisende Namen immer auffallen. Da ist Debbie D, ein Mitglied der Juice Crew von DJ Marley Marl; Pebblee Poo, der DJ Kool Hercs Herculoids beitrat; und Lisa Lee, die in Afrika Bambaataas Universal Zulu Nation war. Dann gibt es da noch Sha-Rock, der als der erste prominente weibliche MC gilt; Mercedes Ladies, die erste rein weibliche Gruppe im Hip-Hop; Roxanne Shanté, die beeindruckende Battle-Rapper. Aber wie in vielen Teilen der Musikindustrie wurde diesen Frauen gesagt, dass sie gut sind für ein Mädchen: ein bevormundender Rahmen, der einer der Hauptgründe dafür ist, dass Frauen in der Geschichte der Genres, die sie revolutioniert haben, ausgelassen werden.
Im Vereinigten Königreich wurden 1983 zwei weitere junge Frauen ebenfalls unterschätzt. MC Remedee (Debbie Pryce) und Susie Q (Susan Banfield) begannen gerade als Cookie Crew, inspiriert von dem, was in der New Yorker Musikszene passierte. Cookie Crew war mit anderen prominenten Frauen des britischen Hip-Hop wie She Rockers und Wee Papa Girl Rappers zusammen, ganz zu schweigen von Monie Love, die sich 1988 mit großem Erfolg in New York niederließ. Als eine der ersten weiblichen Hip-Hop-Gruppen in Großbritannien gehörten sie auch zu den ersten, die die Hürden bekämpften, denen Frauen in diesem Genre gegenüberstanden; ständig verglichen mit benachbarten männlichen Rappern, gezwungen, sich trotz ihres offensichtlichen Erfolgs zu beweisen, und ständig in verschiedene und oft widersprüchliche Richtungen getrieben.
„Wir haben angefangen, Hip-Hop zu hören, weil Debbie Anfang der 80er Jahre mit ihrer Familie nach New York ging, das Radio auf eine Kassette aufnahm und uns zum Anhören mitbrachte“, erklärt Banfield. “Wir haben es uns zu Hause angehört, und es war unglaublich für uns.”
Die beiden verbrachten Zeit im Park, in der Nähe ihres Aufgewachsenen, mit ihrer Freundescrew, rollten Skaten und spielten Double Dutch – sobald sie mit dem Schreiben begannen, war dies der ideale Ort, um die Gewässer mit ihren Reimen zu testen. „Malcolm McLaren hat diesen Dokumentarfilm an einem Ort in Covent Garden gedreht, wo Brecher“ [breakdancers] früher rumgehangen“, erinnert sie sich. „Wir haben angefangen, die Punkte mit allem zu verbinden, was in der Hip-Hop-Szene passiert. Da unten waren Graffiti-Künstler, es gab Breaker, und es gab Rapper – jeder fing an, eine Kleinigkeit auszuprobieren.“
Dazu gehörten Banfield und Pryce, die Raps schrieben, ohne zu wissen, dass es nicht wirklich andere Mädchen gab, die vor Ort dasselbe machten. „Wir hatten keine Ahnung, weil wir amerikanische Mädchen dabei gesehen haben. Wir hörten Rapperinnen wie Sha-Rock, Lisa Lee und Debbie D und wurden von ihnen beeinflusst. Es gab viele Rapper da draußen [in the UK] zu der Zeit alle männlich, aber wir sahen Michelle Devitt, auch bekannt als Mystery MC von Family Quest. Wir sahen sie auf der Bühne rappen; Sie war Freestyler und hat uns umgehauen – die erste Rapperin, die wir aus England gesehen haben.“
Zu diesem Zeitpunkt im Jahr 1985 hörten sie von einem Rap-Wettbewerb, der von einem jungen Tim Westwood veranstaltet wurde, bei dem ein Preisgeld und ein Plattenvertrag zu vergeben waren. „Die Jungs, mit denen wir zusammen waren, sagten: ‚Du könntest das gewinnen!’ Und so zwangen uns unsere Freunde, dorthin zu gehen, und wir schrieben die erste Woche unseren Namen ein. Wir haben alle Rapper gesehen, die mitgemacht haben und dachten uns: Okay, wir werden nächstes Wochenende wiederkommen und unseren Namen von der Liste streichen, denn das sieht wirklich hart aus und wir sind uns nicht sicher. Aber die Nacht kam und wir dachten: Wir gehen einfach raus und machen es, weil es egal ist. Ich erinnere mich, dass die Bühne so groß war, dass sie Debbie darauf heben mussten! Wir haben über Afrika Bambaataa und Planet Rock von Soul Sonic Force gerappt, und es war schnell. Es war so schnell!“
„Im Grunde haben wir es getötet“, fügt Pryce grinsend hinzu. „Wir konnten alle Jungs von Battersea sehen, die mit uns kamen, die unser Support-Netzwerk waren. Die Menge drehte einfach durch. Als sie in der Nacht, in der wir gewonnen haben, die Bekanntgabe machten, war es, als hätten unsere Füße den Boden nicht berührt. Es war völlig verschwommen, aber es war pure Aufregung. Wir gingen weg und fühlten uns wie Champions und danach war die Welt unser Hummer.“
Sie nahmen das Preisgeld, aber nicht den Vertrag. „Es ist gut, dass wir es nicht gemacht haben, denn es wäre wahrscheinlich ein Durcheinander gewesen“, bemerkt Pryce. „Wir gingen zu einem Meeting und ich erinnere mich, dass ich unsicher herauskam. Wir wussten nichts über das Geschäft. Wir wollten einfach nur abhängen und unseren Ruf in der Szene aufbauen. Gott sei Dank haben wir nicht unterschrieben – aber wir haben einen Pokal bekommen!“
Cookie Crew wurde gebeten, eine Show mit Afrika Bambaataa zu machen, die mit DJ Red Alert und Lisa Lee auf Tour war, jemand, zu dem Pryce und Banfield von Anfang an aufschauten. „Wir müssen mit anderen Leuten aus Covent Garden in dieser Show sein. Das für mich, von allem, was wir gemacht haben – und wir sind in Wembley aufgetreten, wir haben Bobby Brown unterstützt, wir haben in New York gelebt, wir haben mit vielen verschiedenen Rappern gearbeitet – haben diese Show gemacht und Lisa Lee im Publikum zu sein, war meiner Meinung nach das nervenaufreibendste, was ich je gemacht habe“, erinnert sich Banfield. „Wir haben eine Probe gemacht, bei der sie im Auditorium saß und uns zusah, und sie sagte uns für eine, nervös aussehend; zwei, stillstehen; und drittens, nicht genug zu geben. Also gingen wir wirklich genervt von uns weg, gingen nach Hause, übten, kamen zurück und kamen richtig zurück.“
1988 hatte Cookie Crew mit Rok Da House einen unerwarteten UK Nr. 5 Hit, der vom Produktionsteam Beatmasters kreiert wurde, mit dem sie auf Empfehlung von Westwood zusammenarbeiteten. Dies führte zwar dazu, dass das Duo bei London Records unterschrieb und international wurde, aber es ist Teil ihrer Geschichte, bei der sie komplizierte Gefühle haben.
„Rok Da House war wie ein Unfall“, erklärt Debbie. „Beatmaster haben diesen Backingtrack zusammengestellt, wir sind weggegangen und haben einen Rap dazu geschrieben. Der Track hatte eher eine Hip-Hop-Basis, aber nachdem sie ihn gemischt und damit gespielt hatten, wurde er irgendwie zu diesem House-klingenden Track.“
„Ich glaube, sie haben angefangen, es in den Clubs zu spielen“, grübelt Susie. „Wir waren sehr darauf bedacht, dass sie uns nicht mit der Strecke in Verbindung bringen. Sie hatten das Eigentum daran und wir sagten: Was immer du damit machen willst, es gehört dir. Es ist nicht unseres.“
Nach einigen Erfolgen auf den Tanzflächen Londons fand der Track seinen Weg zu Mark Moore von S’Express. Er brachte es zu Rhythm King Records, sie liebten es und von dort aus nahm ihre Karriere neue und unerwartete Wege.
„Es ist einfach eskaliert und eskaliert“, sagt Pryce. „Radio 1 hat jede Woche den Chart-Rundown gemacht und sie riefen die Künstler live an, führten ein Gespräch und sprachen über die Platte. Wir gingen live auf Sendung und sagten im Grunde: Wir mögen die Platte nicht, wir sind es nicht. Wir waren ehrlich. Aber die Platte hat trotzdem ihr Ding gemacht und es wurde dieser Track, den wir einfach nicht loswerden konnten. Es ist kein Rekord, auf den wir stolz sind, aber ich bin dankbar dafür. Rückblickend hätten wir wahrscheinlich etwas strategischer damit umgehen können, aber wir waren nur ein paar Mädchen aus Südlondon – wir liebten Hip-Hop.“
Nachdem sie bei London Records unterschrieben hatten, nahm Cookie Crew es mit den USA auf, und bald arbeiteten sie mit Leuten wie Stetsasonic und Gang Starr zusammen. Aber bei all dem blieben sie ihrer Wahrheit und ihrer britischen Identität treu und taten alles, um die aufkeimende Szene zu Hause zu repräsentieren. Songs aus ihrem Debütalbum Born This Way beziehen sich direkt auf ihre Heimatstadt und auf ihre Reise („Wir haben eine Nachricht an alle, die gesagt haben, dass wir es nicht schaffen können / schaut uns jetzt an, nehmt eure Worte und kaut“ es”); Black is the Word fängt ihren Stolz auf ihre schwarze britische Identität ein und From the South ist eine Hommage an ihre Heimat.
„Wir sind unseren Wurzeln immer treu geblieben, weil wir London und insbesondere Südlondon sehr patriotisch gegenüberstanden“, sagt Pryce. „Alle Erzählungen auf den Tracks basieren auf unseren Erfahrungen, auch wenn die Darbietung diesen amerikanischen Ton hatte, denn das war unser Bezugspunkt. Unsere Themen waren sehr, sehr britisch. Als wir in New York waren, waren wir sehr stolz darauf, Briten zu sein. Wir hatten auch das Gefühl, dass wir sie darüber aufklärten, was außerhalb der USA vor sich ging. Viele der Leute, die wir trafen, wussten nicht, dass es in England tatsächlich Schwarze gibt, weil damals nicht viele Leute einen Pass hatten und nicht reisten. Wir haben ihnen beigebracht, wer wir sind, Briten, aber auch Britische Karibik.“
„Unsere Referenzen kamen von unseren Eltern, und unsere Eltern stammten aus der Windrush-Ära“, erklärt Banfield. „Hip-Hop hat uns in gewisser Weise in die Geschehnisse in Amerika eingeführt, aber nicht in größere Probleme, mit denen wir als Schwarze konfrontiert waren. Zum Beispiel haben wir viel Zeit damit verbracht, Anti-Apartheid-Gigs zu spielen. Wir haben viel Zeit damit verbracht, sicherzustellen, dass wir bei jedem Gig dabei waren, Nelson Mandela so gut wie möglich zu befreien. Wir boykottierten bestimmte Dinge, wir waren in alles Mögliche verwickelt, was gegen Margaret Thatcher sein könnte. Wir hatten immer diese Seite von uns.“
Die Musikindustrie in den USA unterstützte solche ernsthaften Botschaften nicht gerade, insbesondere von Frauen, also mussten sie sich in der Öffentlichkeit leichter äußern. Auf ihrem nächsten Album Fade to Black legten Tracks wie The Powers of Positive Thinking und A Word to the Conscious ihre Gedanken und Gefühle zu wichtigen Themen des Tages offen, darunter die Inhaftierung von Mandela, die Ursachen von Rassismus und Unterdrückung sowie Waffenkontrolle . „Solche Tracks wären nicht als Singles ausgewählt worden – wir haben sie gemacht, um uns zufrieden zu stellen“, sagt Pryce.
Zu Hause lag der Fokus immer auf lyrischem Geschick und Flow, aber in den USA überholte das Image die Bedeutung. „Immer wenn sie versuchten, mit uns über Songs zu sprechen“, merkt Banfield an, „glauben sie, dass sie respektiert haben, was wir zu tun versuchten, aber im Grunde wollten sie, dass wir etwas anderes sind. Wir sind nicht davon gekommen; wir kamen von einem sehr burschikosen Image und so dass wir versuchten, wie Salt-N-Pepa zu sein, es würde nicht funktionieren und ich denke, dass es am Ende unser Untergang war. Rapperinnen wurden immer sexueller und wir gingen immer mehr in die andere Richtung – wir konnten nie mithalten.“
„Und wir waren nicht bereit, Kompromisse einzugehen“, fügt Pryce hinzu. “Wir liebten Lil’ Kim und wir liebten Salt-N-Pepa, aber das war nicht unsere Art.”
„Bei Rapperinnen dreht sich alles um die Texte und darum, zu zeigen und zu zeigen, dass sie besser sind als die Jungs“, sagt Banfield über die britische Szene. „Als wir 1985 anfingen, hatten wir das Gefühl, dass es uns darum ging, besser zu sein als die Jungs. Denn sie waren diejenigen, die beliebt waren. Warum waren sie beliebter als wir? Wir wollten uns nicht aufmotzen und ein bisschen Dekolleté auf der Bühne zeigen; wir wollten textlich zeigen, dass wir neben dir stehen und uns behaupten können. Ich denke, dass Rapperinnen in Großbritannien immer noch dieselbe Mentalität haben und es ist definitiv eine britische Sache: Vergiss, was du hier siehst, hör zuerst zu, was aus meinem Mund kommt.“
Ich frage Pryce und Banfield, wie es wäre, wenn Cookie Crew heute arbeiten würde. Sie lachen beide und bemerken, dass es einfach wäre, etwas herauszubringen, aber das Schwierige daran wäre, dass sie es tatsächlich tun würden. Hip-Hop ist an einem gesunden Ort, sind sich beide einig, und gerade die Frauen in der Szene machen sie und andere Pioniere stolz. „Es ist einfach kostenlos, es sieht gut aus und ist authentisch“, sagt Banfield über die heutige Landschaft. „Das gefällt mir daran – ich sehe, dass es immer besser wird.“