MAlle Filme haben Songs als Titel verwendet, aber die Veröffentlichung eines Dokumentarfilms, der einem einzigen gewidmet ist – Leonard Cohens Hallelujah – ist eine Seltenheit, was die Frage aufwirft, warum manche Musik ein Eigenleben entwickelt. Ein Grund dafür ist in diesem Zeitalter des endlosen Recyclings, wie oft ein Track von späteren Künstlern gecovert oder gesampelt wird. Im ein aktuelles Diagramm, Hallelujah belegte den 48. Platz mit 112 aufgenommenen Coverversionen von Bob Dylan bis Bono. Wenn der Schauspieler Rita Tushingham hat es ausgesucht Als einen ihrer Schiffbrüchigen-Tracks auf den Desert Island Discs von Radio 4 war es nicht Cohens Original von 1984, das sie nominierte, sondern Jeff Buckleys Version, die 1994 veröffentlicht wurde – selbst inspiriert von John Cales Neuinterpretation. Andere Fans werden letzteres aus dem Film Shrek wiedererkennen. An diesem Punkt in seinem Nachleben ist es durchaus möglich, das Lied zu kennen, ohne eine Ahnung zu haben, wer es geschrieben hat.
Hallelujah ist eine Hymne – eine Musikform, die ursprünglich als eine Call-and-Response-Art liturgischer Musik entstand und zu einem Vehikel für die Inspiration von Gemeinden wurde. Ein Teil seiner Kraft liegt in seinem Sinn für Ehrfurcht – der Anbetung – obwohl das Objekt dieser Anbetung überhaupt kein Gott ist, sondern seine eigene schelmische Kreativität angesichts des menschlichen Daseins.
Man denke nur an My Way – ein weiterer Song dafür zu einem eigenen Biopic inspiriert – zu erkennen, dass die moderne säkulare Hymne niederen Göttern nicht fremd ist, in diesem Fall die solipsistische Idolisierung des persönlichen Schicksals Mitte des 20. Jahrhunderts. Es wurde zum Ausruf der Wahl für das Ende langer, betrunkener Abende, oder des Lebens von Menschen. Letztes Jahr war es die Abschlussnummer bei der Beerdigung des Helden der Covid-Ära, Captain Sir Tom Moore. Frank Sinatra, der es populär machte, betrachtete es als etwas Banales und Unappetitliches, das an der Unterseite seines Schuhs kleben geblieben war. Cohen hasste es auch, außer in einer Coverversion von Sid Vicious die er fühlte explodierte „die Gewissheit, die Selbstbeweihräucherung“.
Doch die Klebrigkeit, die Sinatra so verabscheute, ist der Schlüssel zu einer musikalischen Form, die oft auch einer Agentin des Gewissens gedient hat: Nina Simone reframed Kurt Weills Pirate Jenny in den frühen 1960er Jahren als Racheschrei in Amerikas Südstaaten. Sheryl Crow schrieb eine der großen Hymnen für den Frieden, Redemption Day, nachdem sie 1995 das vom Krieg zerrissene Bosnien besucht hatte, und sie wurde von Johnny Cash nach Ausbruch des Irakkriegs aufgegriffen. Krähe später eine Version veröffentlicht in dem sie Jahre nach seinem Tod mit Cash duettierte.
Ob hoch oder tief, der Schlüssel zu einer Hymne ist ein einfacher und oft wiederholter Refrain, den man sich leicht merken und mitsingen kann. Es hilft, eine große Portion Sentimentalität zu haben, wie Rodgers und Hammersteins Fußballhymne You’ll Never Walk Alone, die ihren unwahrscheinlichen Weg vom 1940er-Musical Carousel zum Liverpool Kop fand, nachdem Manager Bill Shankly eine Coverversion von Gerry and the ausgewählt hatte Pacemakers als seine achte Desert Island Disc am Vorabend des FA Cup-Finales 1965. Es kürzlich abgesetzt My Way als beliebteste Begräbnishymne Großbritanniens. Wie so viele Hymnen ist es Teil der Kultur geworden, ein Ventil für große gemeinsame Emotionen, die sonst vielleicht unaussprechlich wären. Großartige Hymnen sind vielleicht nicht immer bewundernswert, aber sie sind notwendig.