EINJeder, der Ruben Östlunds großartiges alpines Missgeschick 2014 gesehen hat, kann sehen, wie schwierig es sein kann, von der Leinwand auf die Bühne zu übertragen, insbesondere bei einer bescheidenen Größe. Schließlich ist sein MacGuffin eine donnernde Lawine über die französischen Alpen, die während eines Familienskiausflugs eheliches Misstrauen und Zusammenbruch entfacht.
Michael Longhurst hat sich der steilen Herausforderung gestellt, aber trotz all der komischen Ergänzungen in Tim Price’s Adaption, der skurrilen Verkleinerung in Jon Bausors Bühnenbild und der heroischen Darbietungen fühlt sich dies wie die Verwirklichung einer unmöglichen Herausforderung an.
Das Set ist blendend weiß und so abgewinkelt, dass es wie ein Hang aussieht; klugerweise versucht es nicht, die visuelle Weite von Östlunds Film nachzuahmen, fühlt sich aber dennoch ein wenig zu eng an. Die Produktion verstärkt die verrückten und komischen Einfälle, die der Film so meisterhaft mit familiären Spannungen, Traumata und Vorwürfen von Egoismus und Verrat kombiniert, die die Lawine auslöst.
Die gequälte Mutter Ebba (Lyndsey Marshal) beeilt sich, ihre Kinder (Florence Hunt und Henry Hunt in dieser Nacht, beide hervorragend schlampig) zu beschützen, während der gut verdienende Vater Tomas (Rory Kinnear) eilt, um sich selbst zu retten – so lautet die Argumentation. Aber das Gesamtergebnis ist weniger stachelige zweideutige Komödie als alberne Sitcom. Die größeren Fragen rund um das Überleben der Menschheit und die Möglichkeit, dass sich Männer und Frauen unterschiedlich verhalten, fühlt sich nach Darwinismus weitgehend verloren.
Vielleicht liegt es daran, dass diese Fragen und ihre emotionalen Wellen an den Auswirkungen der Lawine hängen, die in dieser Produktion einfach nicht erschreckend genug ist, obwohl es einen mutigen Versuch mit Trockeneisstößen und einem vibrierenden Soundcrescendo gibt. Während Touching the Void, eine weitere berggebundene Adaption, es geschafft hat, hohe Einsätze auf die Bühne zu zaubern, strahlt dieses Drama nie genug physische Gefahr aus.
Auch der schräge Humor scheint übertrieben: Skifahrer, die aussehen, als wären sie von einer Pepsi-Max-Werbung heruntergekommen, gleiten an dieser ungeschickt britisch aussehenden Familie vorbei (obwohl sie beim Original bleiben und angeben, aus Schweden zu kommen). Ein Mann mit einem Staubsauger, der im falschen Moment auftaucht, kommt sich vor wie ein übertriebener Witz. Vivaldis Four Seasons wird wie im Film als Bogenbegleitung verwendet, aber es gibt auch energiegeladene Clubmusik, die einen gewissen Eurobeat-Vibe heraufbeschwört, sich aber zusätzlich leicht eingeworfen anfühlt.
Es gibt einen raffinierten Skiweg über die Bühne und Nebenfiguren fegen ihn hinunter. Aber die zentrale Familie gestikuliert beim Skifahren komisch, während sie statisch bleibt, und klopfende Musik gibt ihnen den Anschein, als würden sie Bewegungen an einem trockenen Pistenzentrumssimulator ausführen.
Das Drehbuch ist am schwächsten, wenn es vom Originaldrehbuch abweicht. Eine hinzugefügte Szene zeigt einen Streit zwischen Tomas und dem Hotelmanager über einen verlorenen Türschlösser, der in seinem Humor zu schwach ist. Kinnear ist wie immer ansehnlich genug, aber sowohl seine als auch die von Marshal wirken abgeflacht und wir fragen uns, ob der dauerhaft verlorene Look Tomas oder Kinnears eigener ist, da er in der Rolle so wenig Spielraum hat. Er ist vielleicht auch ein wenig zu unglücklich, um sich als Alpha-Männchen auszugeben, der seine Angst, Feigheit oder seinen hochrangigen Egoismus nicht zugeben wird.
Die vorletzte Szene der Geschichte, in der er Ebba auf der Piste rettet – im Film so zweideutig, dass es fast surreal wirkt – buchstabiert hier ihren Sinn und fühlt sich dafür unglaublich ungeschickt an. Das Finale spielt sich eher um einen verklemmten Aufzug herum als um die abgebrochene Busfahrt des Films und es fühlt sich einfach nicht befriedigend genug an, was der Produktion ein Gefühl des Hinkens zu ihrem Ende verleiht.