TS. Eliot nannte Hamlet „die Mona Lisa der Literatur“. Wie Leonardos rätselhaftes Porträt haben Shakespeares Prinz und das Stück, in dem er auftritt, unzählige Dichter, Romanautoren und kreative Künstler angeregt. Der neueste auf diesem Gebiet ist Ken McMullen, der einen traumhaften Film geschrieben und Regie geführt hat, Hamlet Within, mit dem Untertitel Fünf Akte auf der Suche nach einem mörderischen Prinzen, der in Cannes gezeigt wurde. Es ist ein Versuch, den zaudernden Dänen zu entromantisieren, und ist entsprechend anregend, auch wenn ich manchmal das Gefühl hatte, es würde auf eine offene Tür drängen.
Sie bekommen die Idee im Prolog, als Claudius von John Shrapnel als „ein unglücklicher König, der von seinem Neffen wegen einer skurrilen Spekulation getötet wurde“ beschrieben wird. Später wird die Idee vorgebracht, dass der Geist Hamlets Unterbewusstsein darstellt: eine Vorstellung, die dadurch bestätigt wird, dass Ian McKellen, denkwürdig nachdenklich, die Rede des toten Königs in einem Aufnahmestudio liest, als wollte er andeuten, dass er eine Projektion der Vorstellungskraft seines Sohnes ist. Nach einem Abschnitt über Shakespeares Schuld gegenüber anderen Schriftstellern, einschließlich eines Interviews mit Jacques Derrida über Plagiate, gelangen wir dann zu einer entscheidenden Diskussion über Hamlets Charakter, in der der Shakespeare-Forscher Richard Wilson den Ton angibt.
„Nach dem 11. September“, sagt Professor Wilson, „können wir uns nicht wieder in Hamlet verlieben.“ Er fährt fort zu behaupten, Hamlet sei „ein Fanatiker“ und „ein Selbstmordattentäter“, basierend hauptsächlich auf den Zeilen, in denen Hamlet davon spricht, „die Waffen gegen ein Meer von Problemen zu ergreifen und sie zu beenden“.
Da dies eine Behauptung ist, die Hamlet ernsthaft in Frage stellt, erscheint es bizarr, ihn mit einem Massenmörder gleichzusetzen. Ich war auch verwirrt über Wilsons Behauptung, dass „Hamlet bis weit ins 18. Jahrhundert zum Lachen gespielt wurde“: Alle Beweise deuten darauf hin, dass Betterton, der Hamlet während der Restauration spielte, und Garricks Hamlet Mitte des 18. Jahrhunderts von polemischer Trauer geprägt waren ihr Vater. Wilson ist auf sichererem Boden, wenn er behauptet, Julius Caesar und Hamlet hätten „eine Innerlichkeit eingeführt, die in der Weltliteratur neu ist“.
McMullens Film fängt zu Recht ein, wie unsere Vorstellung von Hamlets Charakter historisch geprägt ist: Ein deutscher Wissenschaftler beschreibt, wie Hamlet während des Dritten Reichs für viele die Idee des inneren Exils verkörperte. Aber der Film ist am besten, wenn er sich von Hamlet zu Ophelia wendet. Ein dänischer Professor, Anne-Sophie Refskou, durchforstet den Text, um anzudeuten, dass alle Männer im Stück in Ophelias „psychischen Raum“ eindringen und argumentieren, dass „sie tragisch ist, weil wir nicht genug Fragen zu ihrem Tod gestellt haben“. Ein späterer Abschnitt über die Totengräber erinnert uns daran, dass Marx, der ihre Szene liebte, ständig von dem Stück verfolgt wurde.
Der Film ist intelligent und provokativ, aber ich war beeindruckt, wie sich die Theaterpraxis seit langem mit vielen der Ideen befasst, die sie vorantreibt. Die Vorstellung, dass der Geist ein Hirngespinst von Hamlet ist, war 1964 in einer italienischen Produktion von Franco Zeffirelli vorhanden, und in einer Royal Court-Version von 1980 sprach Jonathan Pryces Hamlet tatsächlich die Zeilen des Geistes aus. Nicholas Hytner hat enthüllt, dass er und Clare Higgins sich in seiner National Theatre-Produktion 2010 einig waren, dass Gertrude für Ophelias Tod verantwortlich war.
Auch wenn ich Hamlet noch nicht als Selbstmordattentäter gesehen habe, der romantisch-düstere Däne gehört der Vergangenheit an: David Warner, Nicol Williamson, Maxine Peake und der achtzigjährige McKellen haben uns auf ihre unterschiedliche Weise einen entfremdeten Hamlet geschenkt eher von den korrupten Werten des Gerichts als melancholisch oder unentschlossen. Und das beantwortet für mich die Frage, die der Film stellt, warum wir so besessen von dem Prinzen und dem Stück sind: Sicherlich, weil sie durch das Temperament des einzelnen Darstellers und das Temperament der Zeit, in der sich das Werk selbst befindet, bestimmt werden gesehen.