“PDie Leute haben oft die Vorstellung, dass ich versuche, grotesk oder schockierend zu sein, aber es könnte nicht weiter von dem entfernt sein, was ich versuche. Ich versuche nur, ehrlich zu sein“, sagt Holly Blakey. „Ich bin eine Choreografin und ich möchte diesen Raum besitzen und alles sein dürfen: dumm, schön, hysterisch, sexuell, hässlich, kompromisslos“, fügt sie zitternd in einem Proberaum im Norden Londons mit leiser Stimme hinzu aber ihrer selbst sicher.
Blakeys Tanz, ob in Musikvideos, Modekampagnen oder ihrer Live-Arbeit, ist nicht immer das, was man hübsch nennen würde. Es kann verzerrt und verschwommen, repetitiv und unerbittlich, unverblümt sexualisiert sein. „Ich möchte mit dem spielen, was auf der zeitgenössischen Tanzbühne akzeptabel ist“, sagt sie. Aber es soll nicht entfremdend sein; es soll erkennbar sein. „Ich versuche, ernst zu sein. Ich versuche, die Menschen zu respektieren und zu sagen: ‚Wir sind alle so.’“
Doch selbst der Titel ihrer neuesten Performance, Cowpuncher My Ass, hat eine Widersprüchlichkeit. Cowpuncher ist ein alter Begriff für einen Cowboy, und dieses Stück ist eine Überarbeitung ihrer Fortsetzung des Stücks Cowpuncher aus dem Jahr 2018. Als sie beauftragt wurde, dieses erste Werk mit dem Komponisten Mica Levi zu machen, kamen sie auf die Idee von Western, nicht weil Blakey ein besonderer Fan der Filme war, sondern weil sie vom Archetyp des Cowboys fasziniert war – „hypermaskulin und doch so camp“ – und fanden in diesem Genre viel zu entdecken in Bezug auf Sexualpolitik, Geschlecht und Macht. Sie wirbelt die Stereotypen auf und präsentiert eine bunte Schar „chaotischer“ Charaktere (alle gekleidet in Andreas Kronthaler für Vivienne Westwood), deren Körper sich winden und beben und tanzen. Oder, wie es die Observer-Rezension beschrieb, „ein brodelnder Eintopf aus 100 verschiedenen Tanzsprachen“, der sich „in eine schmutzige Raserei verwandelt“.
Blakey sagt gerne, dass sie sich in ihrer Arbeit nicht auf Popkultur bezieht, sondern dass ihre Arbeit Popkultur ist und dass sie sich mehr mit der Sprache von Musik, Filmen und Fernsehen beschäftigt als mit Tanz. „Wenn ich bei meiner Live-Arbeit nach irgendetwas streben könnte, dann danach, dass es sich wie eine Serie von The Sopranos anfühlt“, sagt sie. Wo Sie Blakeys Choreografie am ehesten gesehen haben, ist in Musikvideos: dasjenige, in dem sich Coldplay in tanzende Schimpansen verwandeln, oder die preisgekrönte Delilah von Florence + the Machine, sowie Promos für Jorja Smith, Lianne La Havas und , zuletzt der spanische Pop-Superstar Rosalía. („Eine unglaubliche Person und Darstellerin: robust, ernsthaft, unerschrocken“, sagt Blakey.) Sie wird mit Sängern im Studio arbeiten und ihnen nicht so sehr das Tanzen beibringen, sondern „versuchen, das Interessante an ihnen zu nutzen. Manchmal wissen wir nicht, was an uns interessant ist, oder? Es braucht andere Leute, um es zu bemerken.“
Dies ist ein goldenes Zeitalter für Musikvideo-Choreographie, meint Blakey. „Die alte Vorstellung, dass man eine Erzählung hat, auf der man einen Tanz choreografiert, hat sich geändert“, sagt sie. „Jetzt ist der Tanz die Idee, der Tanz ist die Geschichte.“ Sie arbeitet auch mit Modelabels (Dior, Burberry, Gucci) und in der Werbung. Dieses Eintauchen in die Mode- und Musikwelt hat dazu geführt, dass sie außerhalb des Tanz-Establishments sitzt und keinem offensichtlichen Weg gefolgt ist. Blakey wurde in Harrogate geboren und begann schon als Kind zu tanzen. Zuerst wollte sie nur Ballerina werden, entdeckte aber den zeitgenössischen Tanz, nachdem sie als Teenager mit Magersucht zu kämpfen hatte und einige Zeit im Krankenhaus verbracht hatte. („Ich sage, bei mir wurde Magersucht diagnostiziert, aber ich habe das Gefühl, dass das nicht wirklich das Hauptproblem war. Aber wann ist es, denke ich?“)
Sie kam nicht in die besten Tanzschulen, für die sie vorgesprochen hatte, und landete schließlich an der Roehampton University im Süden Londons, wo sie zum Unterrichten geleitet wurde. „Das ist eine wunderbare Sache, aber es ist nicht das, was ich wollte. Ich war am Boden zerstört, um ehrlich zu sein“, sagt sie. Aber es war die Herstellung von ihr. „Es hat mich so angetrieben. Ich musste so viel beweisen.“ Sie verbrachte ihre gesamte Freizeit damit, außerhalb der Universität zu trainieren und ihre eigenen Arbeiten zu machen. „Ich habe lange Zeit damit verbracht, mich wirklich mürrisch zu fühlen“, sagt sie, „und jetzt bin ich wirklich dankbar, weil es mir ermöglicht hat, meine eigene Neugier zu haben, weniger institutionell geleitet, und mich ziemlich wütend gemacht hat.“
Die andere Sache, die in Blakeys Arbeit einfloss, waren ihre Teenagertage, als sie mit ihrer Schwester zu illegalen Versammlungen auf dem Land ging und die ganze Nacht ohne Unterbrechung tanzte. Sie liebte es, „das gemeinsame Treiben, das Miteinander, die Euphorie, die Endlosschleife der Bewegung“. Seitdem hat sich das Leben verändert (mit 35 Jahren hat sie zwei kleine Kinder mit ihrem Partner, der Musikerin Gwilym Gold), aber der Instinkt ist immer noch da. „Mein Freund sagte zu mir: ‚Wie könnt ihr den ganzen Tag proben und dann die ganze Nacht ausgehen und tanzen wollen – was ist das?’ Aber Tänzer sind neugierige Bestien; Nichts stoppt diese Bewegungslust.“
In ihrer Bühnenarbeit möchte Blakey etwas von diesem Gemeinschaftsgefühl der Tanzfläche einfangen. Sie spricht von einem spirituellen Gefühl, einer „irdischen Stammesqualität“, „dem Clan-ähnlichen Verhalten, nach dem wir uns sehnen und für das wir existieren“. Und sie möchte, dass das Publikum Teil dieses Clans ist. Die Methoden dafür können unerwartet sein. In Cowpuncher My Ass zum Beispiel bleiben die Hauslichter in der ersten Hälfte der Show an. Die Tänzer waren mit dieser Entscheidung nicht zufrieden: „Sie sagten: ‚Wovon redest du, volle Lichter?!’ Plötzlich war es weit offen, es gab keine Stimmung mehr für sie“, lacht Blakey. “Aber [in the audience] Ich spüre mich im Raum, ich spüre, wer neben mir sitzt, was er denkt und wann er sich die Nase putzt. Die Idee war, das Publikum wirklich dabei sein zu lassen und nicht nur zuzusehen.“
Nicht jeder steht darauf. Blakey bekommt Hass-Liebesreaktionen auf ihre Arbeit und stellt oft fest, dass es das normale Tanzpublikum ist, das sie nicht mag. Sie ist es gewohnt, spalterisch zu sein, obwohl sie von der Reaktion auf Phantom überrascht war, einen Film, den sie für das Fact-Magazin mit Tänzern der London Contemporary Dance School gedreht hat. Der Job kam nur eine Woche, nachdem sie eine Fehlgeburt hatte, und das Stück wurde zu einer Art volkstümlichem Fruchtbarkeitsritual in fluoreszierendem Lycra, durchzogen von tiefer Wut. „Dieser Ruf nach etwas, das niemals kommen würde“, sagt sie. „Und es hat einen Gestank verursacht [online], dieser Film. So viel Drama, so viele Leute werden verrückt: „Das ist entsetzlich! Was für eine schreckliche Idee!’“ Aber Blakey ist stolz auf den Film und froh, dass sie ihn gemacht hat. „Lesen Sie niemals die Kommentare“, bedauert sie. “Aber das tue ich, und ich quäle mich immer damit.”
Blakey arbeitet jetzt seit fünf Jahren an der Cowpuncher-Serie, „und sie ist als Arbeit für mich fast tot“, sagt sie. Neu bei diesem letzten Hurra ist eine Zusammenarbeit mit dem London Contemporary Orchestra, dessen Streicher in einer neuen Sektion auf der Bühne stehen werden. Blakey beschreibt die Szene, beginnend mit dem harschen Kratzton von Levis Soundtrack und sich dann in einen wunderschönen, melodischen Song verwandelnd. „In gewisser Weise kommen die Saiten heraus und schieben einfach alles weg, sie töten es irgendwie, und ich möchte einfach das Scheitern davon annehmen … Und ich möchte, dass es eine Süße darin gibt, um das zu feiern und es sein Herz brechen zu lassen und lass es sterben.“ Weil Dinge scheitern und das Leben chaotisch ist und es keine ordentliche Lösung gibt? „Ja, und warum sollte man das nicht präsentieren, wenn es die Wahrheit ist“, sagt Blakey. „Gefühlen wir das nicht alle tief im Inneren oft so, und können wir nicht etwas daran teilhaben lassen?“
Blakeys exotische, exzentrische Charaktere sehen nicht wie die „reale Welt“ aus, aber irgendwie will sie sie widerspiegeln; mehr als das – um es zu sein. Als ich sie frage, worum es bei Cowpuncher geht, sagt sie: „Menschen und die Art, wie wir existieren und wie wir Dinge miteinander teilen und wie wir Dinge voneinander nehmen. Und die Gewalt, die in uns steckt, und unser tiefes Gefühl von Einsamkeit und Schönheit und Zusammengehörigkeit und die schreckliche Art und Weise, wie wir uns verhalten. Darum geht es in der Arbeit.“
Cowpuncher Mein Arsch ist bei der Königlicher FestsaalLondon, 15. Februar.