TAls der milliardenschwere norwegische Reeder und produktive Sammler zeitgenössischer Kunst Hans Rasmus Astrup diesen Monat vor dreißig Jahren ein Museum in Oslo eröffnete, um seine Sammlung unterzubringen, war die Reaktion kühl.
Skeptiker warfen dem 2021 verstorbenen Astrup die Gründung eines „Ego-Seums“ vor. Der norwegische Rundfunk fragte, ob es seine Absicht sei, „ein Denkmal für den Wohlstandskapitalismus zu errichten oder ein lebendiges Museum, das es wagt, Risiken einzugehen“.
Jetzt, da eine große neue Ausstellung eröffnet wird, um Astrups Leben zu feiern und das Jubiläum des Museums zu würdigen, wird ihm zugeschrieben, dass er „die norwegische Kunstszene verändert hat“, wie Sune Nordgren, die ehemalige Direktorin des Nationalmuseums in Norwegen, es in ihrer Geschichte ausdrückt das Astrup Fearnley Museum.
Am Mittwoch hallte der mitreißende Gesang eines einsamen Dudelsackspielers durch Tjuvholmen (Diebesinsel), ein erneuertes Hafenviertel, in dem sich das Museum befindet, als sich Gäste versammelten, um Astrup bei einem durch die Pandemie verzögerten Gedenkgottesdienst Tribut zu zollen.
Seine Freundin, Königin Sonja von Norwegen, erzählte den Gästen, dass Astrup ihr gesagt habe: „Es ist wichtig, dass Kunst nicht weggeräumt wird, sie muss gezeigt und erlebt werden und wir müssen daraus lernen.“
Die Werke reichen von Jeff Koons‘ greller lebensgroßer Porzellandarstellung von Michael Jackson und seinem Schimpansen Bubbles, die 2001 von Astrup für 5,6 Millionen Dollar (4,4 Millionen Pfund) versteigert wurde, bis zu My Private Sky des norwegischen Künstlers Børre Sæthre, einem ausgestopften Islandpferd verwandelte sich in ein Einhorn, eingehüllt in eine Raumschiffkapsel.
Die Sammlung wurde nach Astrups Tod vollständig an eine Stiftung in seinem Namen gespendet, die keinen Einzel- oder Firmeneigentümer, sondern einen Stiftungsfonds in Höhe von 2,6 Milliarden Kronen (188 Millionen Pfund) hat, um sie auf Dauer am Laufen zu halten. Das Modell sei für die Region ungewöhnlich, nicht zuletzt weil es keine steuerlichen Anreize für Kunstspenden gebe, so Solveig Øvstebø, die vor drei Jahren die fünfte und erste weibliche Direktorin des Museums übernahm. „Hier steht nur Ihr Name an der Tür“, sagte sie.
Øvstebø, der zuvor die Kunsthall in Bergen und die Renaissance Society in Chicago, eines der ältesten Institute für zeitgenössische Kunst in den USA, leitete, hat die jüngste Umgestaltung der Sammlung überwacht in eine gemeinnützige Einrichtung umgewandelt.
Ihre Aufgabe bestand darin, die Sammlung durch den Ankauf von 52 neuen Werken zu erweitern, um sie vielfältiger zu machen und die lebenden Künstler, deren Werke sie enthält, einzubeziehen.
Als sie die umfangreichen Archive durchstöberte, um herauszufinden, welche Schätze sie enthielten, sagte sie, ihr Team habe „viele faszinierende Entdeckungen gemacht“ und arbeite immer noch daran, den genauen Inhalt herauszufinden.
Eines ihrer persönlichen Ziele ist es, sicherzustellen, dass das Museum ein breiteres Spektrum an Kunst zeigt, das über das des am häufigsten mit Norwegen assoziierten Künstlers Edvard Munch hinausgeht.
„Das Paradoxe einer Institution besteht darin, Dinge voranzutreiben“, sagte sie in einem Interview im obersten Stockwerk des lichtdurchfluteten Museums, das von Renzo Piano entworfen wurde und einem gestrandeten Schiff ähnelt. „Die Leute wollen das, was sie bereits wissen, aber meine Aufgabe ist es, das herauszufordern.
„Wir sind sehr stolz auf Munch, einen wunderbaren Künstler, ein fantastisches Museum“, sagte sie und zeigte auf einen kippbaren grauen Turm am Wasser, der 2021 eröffnet wurde und auf 13 Etagen viele der 26.700 Werke des Künstlers beherbergt.
„Aber wir zeigen den Leuten auch gerne, dass es noch andere Dinge gibt. Wir sehen unsere Aufgabe darin, dafür zu sorgen, dass ein breiteres Spektrum an Kunst für immer mehr Menschen sichtbar wird. Hans Rasmus hat die Gespräche rund um die Kunst sehr genossen und wir möchten, dass diese vertieft und fortgesetzt werden.“
Zu diesem Ansatz gehört es, etablierten norwegischen Künstlern mehr Bedeutung zu verleihen. In der Ausstellung, mit der das Museum 1993 eröffnet wurde, wurden inländische Künstler vom damaligen Direktor „in einer bewussten Entscheidung“ bewusst ausgeschlossen, „um sein Profil als internationales Museum zu etablieren“, so Nordgren.
Da Øvstebø einen anderen Weg einschlagen möchte, umfassen die jüngsten Ankäufe zahlreiche Werke norwegischer Künstler, darunter Vanessa Baird.
Bairds bewegende Aquarellbilder, inspiriert von ihrer Rolle als Betreuerin ihrer Mutter, haben eines der Starwerke des Museums ersetzt, Damien Hirsts „Mother and Child Divided“, das derzeit ausgeliehen ist.
Øvstebø entdeckte Baird während ihres Aufenthalts in den USA. „Ich habe mich gefragt, warum sie nicht in unserer Sammlung war, und habe deshalb mehrere ihrer Werke gekauft“, sagte sie. Øvstebø beschrieb Baird als „leise gesprochen“ und sagte, sie sei eine von mehreren Künstlern, denen sie eine „größere Stimme“ geben wollte.
Der verstorbene norwegische Textilkünstler Synnøve Anker Aurdal sei ein weiterer stolzer Fund, sagte Øvstebø. „Viele junge norwegische Künstler beziehen sich in ihren Arbeiten auf sie, und zu meiner Überraschung und Freude stellte ich fest, dass wir viele ihrer Werke eingelagert hatten.“ Sie hat auch norwegische Künstler wie die Berliner Geruchsexpertin Sissel Tolaas nach Oslo zurückgebracht. „Wir haben sie nicht gefragt, was sie getan hat, sondern was sie gerne tun würde“, sagte Øvstebø. Tolaas‘ Antwort bestand darin, eine Ausstellung zu schaffen, bei der die äußere Holzvertäfelung des Museums mit verschiedenen Arten von Körpergerüchen imprägniert wurde.
Anselm Kiefers 30 Tonnen schwere „Lead Library“-Skulptur „Zweistromland“ wurde vorerst an einen Ort geschickt, der bewusst hinter einer speziell konstruierten Wand verborgen ist, um stattdessen Jennifer Allora und Guillermo Calzadillas bunkerartiger Klangskulptur „Clamour“ Platz zu machen.
„Der Kiefer ist grundsätzlich zu schwer, um ihn zu bewegen“, sagte Øvstebø. „Hans Rasmus hat das Museum praktisch darum herum errichten lassen.“
Sie rechnet mit Kritik an den Werken, die sie nicht zeigen möchte, hofft aber, dass das Publikum diejenigen annehmen wird, die sie „nach Hause gebracht“ hat, darunter Sæthres „My Private Sky“. Die Installation ist wohl das Starstück der Ausstellung und scheint die Besucher aus ihrem königsblauen, mit Teppichen ausgelegten Kokon kokett zu beäugen.
Bei der Ausstellungseröffnung hielt ein Fotograf des königlichen Hofes den Moment fest, als Sæthre von Königin Sonja – zufällig gekleidet in Hosen und einem Halsband, die zum Teppich passten – gebeten wurde, „einer alten Dame zu helfen“, durch die Schiebetür in die Installation zu klettern.
Am nächsten Tag gewährte Sæthre, der nach jahrelanger Arbeit in New York nach Oslo zurückgekehrt war, einen Einblick in sein Atelier in einem ehemaligen Kohlekraftwerk im Osten Oslos, im Schatten eines Bauprojekts für neue Luxusapartments. Er und 35 weitere Künstler können hier bei der Eigentümergemeinde Räume zu etwa einem Viertel der regulären Marktmieten mieten.
Viele Künstler haben nicht so viel Glück, und er und seine Kreativkollegen Camilla Løw und Eline Mugaas, die ebenfalls im Astrup Fearnley ausgestellt haben, beschrieben ihre anhaltenden Bemühungen, weniger etablierten Künstlern in der Stadt langfristig Platz zu sichern.
„Wir können froh sein, dass ein Institut wie das Astrup Fearnley einen so prominenten Platz einnimmt“, sagte Mugaas, die in ihrem Atelier stand, umgeben von ihren Skulpturen und Fotografien. „Aber da die gesamte Küste am Fjord in erstklassige Immobilien und Einzelhandelsflächen umgewandelt wurde, halten wir nichts für selbstverständlich.“