WBeim Gang durch die Galerie fällt einem die Lautstärke der Bilder auf. Ein Werk aus dem Jahr 1982, Anybody Speaking Words, ist in schreiendem Gelb und Schwarz gehalten, mit einem mit Tonsillen gefüllten Mund, der das Wort „OPERA, OPERA, OPERA“ singt, während der Körper des Darstellers mit Linien, Schnörkeln und Schnörkeln vibriert. König Zulu [pictured above] ist ein Feld aus lautem Himmelblau, das mit den Figuren legendärer Jazzkünstler bevölkert ist: Louis Armstrong mit seiner Trompete, Charlie Parker am Saxophon, eine All-Star-Band für alle Zeiten. Nicht weit entfernt begegnen Sie Armstrong und Parker wieder in einer Collage namens Plastic Sax aus dem Jahr 1984. In der Ecke des Rahmens ist ein einzelnes explosives Wort gekritzelt, umgeben von karikaturartigen Wolken: „KABOOM“
In den 34 Jahren seit seinem Tod im Alter von 27 Jahren gab es fast so viele Versuche, das komplexe, facettenreiche Werk von Jean-Michel Basquiat zu entschlüsseln, wie es Ausstellungen und Nachrichten über ihn gab. Zu seiner Zeit wurde er dafür gelobt, dass er die rauflustige, manische Energie der Straßenkunst in die Mainstream-Kunstwelt gebracht hat (zu rauflustig für viele Museen, die Angebote zum Erwerb seiner Gemälde abgelehnt haben und sich jetzt selbst in den Hintern treten müssen). Manche haben ihn als Archpostmodernisten, Afrofuturisten, ja sogar als Afrofuturisten interpretiert Wiedergeborener Beat-Poet. Andere waren von seiner komplexen Freundschaft mit Andy Warhol so fasziniert, dass das Thema ein Theaterstück hervorgebracht hat, nämlich The Collaboration bald ein Film werden. Während die Black Lives Matter-Bewegung aufgebaut und aufgebaut wurde, wurde Basquiat mit Verspätung als einer der am stärksten politisierten afroamerikanischen Künstler seiner Generation anerkannt, der konfrontierte Polizeigewalt und Amerikas giftiges Verhältnis zur Rasse.
Eine neue Ausstellung im Museum of Fine Arts in Montreal, Seeing Loud, bietet einen weiteren Schlüssel zu Basquiat: seine Besessenheit von Musik. Um zu verstehen, worum es bei diesen Stücken wirklich geht, müssen wir ihnen – und ihm – viel aufmerksamer zuhören, argumentiert Co-Kuratorin Mary-Dailey Desmarais. „Für Basquiat war Musik viel mehr als nur ein Soundtrack“, sagt sie. „Es war etwas, das er aufnahm und mit dem er kommunizierte.“
Die Verbindung wurde zuvor hergestellt. Die Retrospektive von The Barbican 2018 widmete Basquiats Aufbruch aus der New Yorker Nachtszene der späten 70er und frühen 80er Jahre, die von frühem Hip-Hop und Post-Punk geprägt war, einen bedeutenden Raum, während letztes Jahr ein Trio von Kurzfilmen, Time Decorated, dies erkundete Künstlerische Faszination für Rap, No Wave und Bebop. Aber die Ausstellung in Montreal, die mehr als 100 Gemälde, Notizbücher, Soundclips und Multimedia-Schnipsel zeigt – viele davon aus Privatsammlungen – ist der bisher gründlichste Versuch, zu zeigen, wie tief Musik nicht nur Basquiats Seele durchdrang, sondern fast alles, was er tat, berührte.
Als Kind, das in Brooklyn aufwuchs, war Basquiat von Musik umgeben, erinnert sich seine jüngere Schwester Jeanine Heriveaux, die heute gemeinsam mit ihrer Schwester Lisane sein Anwesen führt. „Es war immer an, besonders am Wochenende. Es war unser Vater [Gerard]’s Freizeit: Sonntagmorgens stand er früh auf, und man hörte diese Abfolge von Musik, angefangen bei Klassik bis hin zu Jazz – alle von Ella Fitzgerald und Miles Davis über Charlie Parker bis hin zu Louis Armstrong. Er liebte besonders den Jazz, und das färbte auf Jean-Michel ab.“
Wie Gerard selbst sich in einem Interview vor seinem Tod im Jahr 2013 erinnerte: „Für ihn würde das Ohr Musik hören und die Hand Kunst machen.“
Zeitgenossen beschreiben den erwachsenen Basquiat, der auf die gleiche Weise funktioniert. Betreten Sie sein Studio und während er Collagen zusammenfügt oder mit Ölstiften experimentiert, plärrt der Fernseher, während er Musik läuft oder eine Drum-Machine pumpt. Manchmal wäre es klassisch – Ravels Bolero war ein Favorit, vielleicht wegen seines beschwörenden, sich ständig steigernden Crescendo – aber häufiger hörte Basquiat den Bebop, den er zum ersten Mal am Knie seines Vaters hörte. Bei seinem Tod umfasste die Sammlung des Künstlers 3.000 Schallplatten aus einer beeindruckenden Bandbreite von Genres: Donna Summer, Bach, Hendrix, David Byrne. In den Spotify-Playlists, die Jeanine und Lisane für eine gleichzeitige Ausstellung in New York kuratiert haben, können Sie einen Vorgeschmack auf seinen vielseitigen Geschmack bekommen.
Haben Jeanine und ihr älterer Bruder Hörtipps ausgetauscht? „Oh, sicher“, lacht sie. „Ich war damals jung, vielleicht 13 oder 14, aber ich erinnere mich, dass er mich einmal vorgestellt hat [hip-hop artist] Jimmy Spicer. Er hatte es gerade auf einer Party aufgelegt.“
Andere musikalische Einflüsse kamen durch Basquiats enthusiastisches Engagement für die Underground-Szene in Downtown Manhattan, die sich auf den Mudd Club in Tribeca und CBGB im East Village konzentrierte. Dort mischte er sich mit Musikern wie Debbie Harry, John Lurie, Laurie Anderson, Fab Five Freddy und vielen mehr (ganz zu schweigen von seiner ein paar Jahre später andauernden Romanze mit einem aufstrebenden Tänzerin und Sängerin namens Madonna).
Obwohl Basquiat keine formale musikalische Ausbildung erhalten hatte – oder vielleicht gerade deswegen – gründete Basquiat 1979 zusammen mit dem Filmemacher Michael Holman die „Noise Band“ Grey, die schnell für ihre aggressiven, atonalen Darbietungen bekannt wurde (der Legende nach soll die Band wurde nach der medizinischen Enzyklopädie Gray’s Anatomy benannt, auf die in Basquiats Kunst oft verwiesen wird). Der Künstler schlug auf Percussion und vampierte auf der Klarinette. „Er hat nie eine erkennbare Melodie gespielt“, erinnerte sich ein Mitarbeiter. Glücklicherweise sind keine Grey-Aufnahmen mit Basquiat erhalten.
Stattdessen, wie die Ausstellung in Montreal deutlich macht, setzte Basquiat diese Einflüsse in den rauhen Leinwänden ein, die er in den frühen 1980er Jahren zu machen begann, und konstruierte sie wie musikalische Arrangements. Collagen wie seine Arbeit Toxic von 1984 lesen sich fast wie visueller Hip-Hop: eine Staccato-Assemblage aus gekritzelten Illustrationen und karikaturhaften Fundzitaten („Hase konditioniert“, „Suppe zu Nüssen“, „Eier hüpfen nicht“). Es wurde aus Basquiats eigenen Zeichnungen zusammengesetzt, die er dann fotokopierte und übereinander legte, ähnlich wie ein Produzent einen Track schichtet.
„Er hat buchstäblich seine eigene Arbeit gesampelt“, sagt Desmarais. „Er kopiert bereits vorhandene Zeichnungen und kreiert diese radikalen Gegenüberstellungen, ähnlich wie Hip-Hop-Künstler andere Sounds sampeln würden, um neue zu kreieren.“
Manchmal war Basquiat sogar direkt an der Produktion beteiligt: Im Jahr zuvor half er bei der Zusammenstellung Rammellzee und K-Robs Single Beat Bop und schuf sein krasses Schwarz-Weiß-Cover-Artwork.
Aber immer wieder, obsessiv wie bei keinem anderen Genre, war es der Jazz – und allen voran der Bebop – der Quelle und kreativer Nahrung des Künstlers. In gewisser Weise, so Vincent Bessières (Herausgeber des mit der Ausstellung in Montreal verbundenen Buches), ist dies ein Paradoxon: Dieser unerbittlich experimentierfreudige junge Künstler, der während einer seiner fruchtbarsten musikalischen Perioden in New York lebte, hatte das Gefühl, dass Musik 40 Jahre geschrieben wurde Früher war das Zeug, das ihn wirklich ansprach. Mehr als 30 Hauptwerke beziehen sich direkt auf den Jazz; Hinweise auf die Musik, oft verschlüsselt, ziehen sich durch endlose Notizbücher und Zeichnungen.
„Es gibt Aufnahmen von ihm, wie er in seinem Studio zu Ellington tanzt“, sagt Bessières. „Und wenn du Bilder von ihm als DJ siehst, siehst du genau hin und bemerkst, dass die LPs um ihn herum Charlie Parker, Ben Webster, Lester Young sind. Das hat er gehört.“
Insbesondere die gespenstische Figur von Parker huscht durch viele von Basquiats Leinwänden, von seinem bahnbrechenden Meisterwerk Karl der Erste (1982) bis zum Kokosolo des folgenden Jahres, das in Montreal einen Ehrenplatz einnimmt. Eine säuregelbe Leinwand, die mit Fotokopien überzogen ist, die sich auf alles von der Bibel bis hin zu Werbung beziehen, hat einen jubelnden Schwall schwarzer Acrylfarbe auf der Oberseite. Das Werk ist eine Hommage an eine von Parkers atemberaubendsten Aufnahmen, Koko (1945), Basquiats Versuch, die athletische Virtuosität seines musikalischen Idols einzufangen, die Art und Weise, wie Parker formale Strenge mit fröhlicher Freiheit in Einklang brachte.
„Es liest sich wie ein Notenblatt“, betont Bessières. „Es ist voll von Zitaten und Riffs, diese Motive hat er anderswo verwendet und immer wieder aufgegriffen, wie ein Jazzmusiker, der auf Standards zurückgreift.“
Musiker wie Parker und Billie Holiday waren Teil von Basquiats persönlichem Pantheon, sagt Heriveaux. „Er betrachtete sie als Könige, diese speziell schwarzen Helden. Es war ihm wichtig, sie zu ehren.“
Trotzdem war sich Basquiat, wie die Gemälde betonen, des Preises sehr bewusst, den viele seiner Vorfahren zahlten – insbesondere Parker, dessen Leben von Sorgen und Armut geprägt war und der im Alter von 34 Jahren nach einem Kampf gegen die Heroinsucht starb. Heroin wurde auch zu Basquiats bevorzugter Droge, und am Ende tötete es ihn. In der linken Ecke von Karl dem Ersten platzierte Basquiat den Text „MOST JUNG KÖNIGEN BEKOMMT DER KOPF AB.“
„Ich denke, es gibt eine Art persönliche Identifikation mit Parker“, sagt Bessières. „In gewisser Weise ist er wie Basquiats Double.“
Im letzten Raum der Ausstellung hängen zwei seiner allerletzten Arbeiten, entstanden 1988 nach dem plötzlichen Tod Warhols und als Basquiat selbst langsam von der Sucht erfasst wurde. Der Titel der Reihe, Eroica (Heroisch), ist eine Hommage an Beethovens Sinfonie Nr. 3, deren zweiter Satz ein trauriger Trauermarsch ist; die Musik selbst spielt auf einem Soundtrack in der Galerie.
Im Eroika I, Basquiat schreibt obsessiv einen Text, der aussieht, als wäre er auf die Wände einer Gefängniszelle gekritzelt – „MAN DIES MAN DIES MAN DIES“ – neben blutrote Löcher, die Schusswunden sein könnten. In der Nähe steht der Ausdruck „FIXINTODIEBLUES“, ein Hinweis auf ein Lied, das von den gesungen wurde Delta-Blues-Künstler Bukka White. Dieses Lied hallt auch durch die Galerie. Ein paar letzte Takte, dann Stille.