ÖAm Vorabend von David Bowies 75. Geburtstag erzählte mir Tilda Swinton, dass sie ihn immer als ihren spirituellen „Cousin“ betrachtet habe. Nirgendwo ist dieser Zusammenhang deutlicher als in Floria Sigismondis 2013er Video zu The Stars (Are Out Tonight), in dem Bowie und Swinton ein Vorstadtpaar spielen, das von seinen außerirdischen Alter Egos – den Geistern des Ruhms – heimgesucht wird. Bezeichnend ist auch, dass sie in einer von Swintons frühen Hauptrollen einen außerirdischen Besucher spielte Der Tod der Freundschaft (1987), ein Film, der leicht den Titel The Woman Who Fell to Earth hätte tragen können.
Wie Bowie besaß Swinton schon immer eine unheimliche Fähigkeit, das Natürliche und das Übernatürliche zu verschmelzen – das Bodenständige und das Außergewöhnliche. Eine Qualität, die im neuesten Film des thailändischen Meisters Apichatpong Weerasethakul perfekt zum Einsatz kommt. Der Gewinner des Preises der Cannes-Jury (der in diesem Jahr Kolumbiens Einreichung für die 94. Oscar-Verleihung wurde) ist undefinierbar in Bezug auf die Handlung und ein traumhafter Cocktail, der menschliche Sinneserfahrung, gestörte natürliche Ordnung, Hundeflüche, Exploding-Head-Syndrom, Viruswucherungen und uralte Knochen zusammenbringt , moderne Maschinen, improvisierter Jazz, geopolitische Umwälzungen und die „unsichtbaren Menschen“ des Amazonas, alles gefärbt vom „Duft des Verfalls … einer fermentierten Wunde“.
Swinton spielt Jessica, eine Blumenhändlerin, die wie Bowies Thomas Jerome Newton eine ängstliche Außenseiterin ist, deren Gesicht vom Schatten einsamer Verzweiflung und einem Hauch von Entsetzen berührt wird. Als Jessica ein seltsames dröhnendes Geräusch hört, nimmt sie an, dass es sich nur um Bauarbeiten handelt. Draußen auf der Straße deutet eine Kakophonie von Autoalarmanlagen auf einen unsichtbaren Besuch hin. Doch dieses besondere Geräusch („wie eine große Betonkugel, die in einen Metallbrunnen fällt, der von Meerwasser umgeben ist“) scheint nur für Jessicas Ohren zu sein.
Wir sind in Bogotá, wo Jessicas Schwester Karen (Agnes Brekke) im Krankenhaus liegt. Frühe Szenen stellen leise eine Verbindung und eine Distanz zwischen diesen beiden her – gemeinsame Erfahrung, die durch divergierende Perspektiven gebrochen wird. Als das „Grollen aus dem Kern der Erde“ Jessica weiter verunsichert, wendet sie sich an einen Tontechniker, den sie beauftragt, das Geräusch zu reproduzieren, der dann aber spurlos verschwindet, als wäre er nie da gewesen. War er, wie dieser rätselhafte Boom, ein Hirngespinst? Oder rutscht Jessica irgendwie zwischen geplünderten Welten hin und her, gefangen im Kreuzfeuer widersprüchlicher Erzählungen (ihr wird versichert, dass jemand, den sie für tot hielt, tatsächlich am Leben und wohlauf ist)?
Es sagt viel über die seltsam hypnotische Natur von aus Erinnerungen‘S „Slow Cinema“-Ästhetik, die wir bereit sind, mögliche Antworten einfach in der Luft hängen zu lassen. Von der verlängerten Eröffnungseinstellung, die lange vor dem Erwachen von Jessica verweilt, bis hin zu einer unheimlich gehaltenen Nahaufnahme eines starren Gesichts, das in einem todesähnlichen, traumlosen Schlaf gefangen ist, hat der Film es nicht eilig, seine Geheimnisse zu enthüllen. Wie bei seinem Palme d’Or-Gewinner von 2010 Onkel Boonmee, der sich an seine vergangenen Leben erinnern kann, Weerasethakul lässt uns am Rande der Ungewissheit zittern und bietet gerade genug Terra Firma, um den Zuschauer zu beschäftigen, während er ihn tiefer in die Bereiche des Unbekannten führt.
Manchmal, Erinnerungen fühlte sich für mich wie eine unironische Antwort auf Barbet Schroeders popkulturelle Kuriosität von 1972 an La Vallee (AKA Von Wolken verdeckt), in dem sich Bulle Ogier auf der Suche nach ekstatischer Wahrheit in die Berge Neuguineas begibt. Es gibt sicherlich ein starkes Element der Transzendenz in Jessicas Begegnung mit einer einsamen, zeitversetzten Seele, in deren Gesellschaft sie mit stillen, atemberaubenden Enthüllungen über das Leben, das Universum und alles konfrontiert wird. An diesem Punkt macht der Film einen fantastischen Sprung, den die Zuschauer entweder atemberaubend oder lächerlich finden werden – wahrscheinlich ein bisschen von beidem.
In den USA machte der Distributor Neon viel aus der Programmierung Erinnerungen „vor jeweils nur einem einzelnen Publikum“ zu spielen, wie eine reisende Roadshow-Ausstellung („Lasst uns die Dunkelheit umarmen und träumen, einer nach dem anderen“, sagte Weerasethakul). Diese Strategie wird hier nicht wiederholt, aber sie sagt uns etwas über die installative Natur des Films aus, eine Trance-Qualität, die durch eine Szene verkörpert wird, in der Jessica durch eine Galerie wandert, während die Lichter ausgehen, und die Erfahrung dieser Personen auf unheimliche Weise widerspiegelt hypnotisierte Kinobesucher, für die es so eindeutig bestimmt war.