As Technologie eine immer wichtigere Rolle dabei spielt, wie wir unsere Identitäten entwickeln und verkörpern, präsentiert The Whitney Refigured, eine Sammlung von fünf Installationen von Künstlern, die digitale Kunst verwenden, um die Schnittpunkte von uns selbst und unseren Maschinen zu untersuchen.
„Ich möchte eine Sprache für einen Kalibrierungspunkt dafür schaffen, wo wir uns in Bezug auf unseren Körper und unsere Technologie befinden“, sagte die Künstlerin Rachel Rossin und dachte über ihr Stück The Maw Of nach, eine transmediale Arbeit, die über einen Videobildschirm und einen QR ausgebreitet ist Code, der das Kunstwerk auf den Mobilgeräten der Besucher aktivieren kann. Wie Rossin es ausdrückte, versucht The Maw Of, „die Black Boxes unseres Körpers und unserer Technologie anzusprechen“.
Über einem Soundtrack aus New-Age-Musik vermischt Rossins Animation viszerale Bilder des menschlichen Nervensystems, demontierten Code von Whitneys eigener Website, Bilder, die aus einem Militärfeldzug stammen, und eine zentrale Manga-Figur. Der QR-Code des Stücks fügt Elemente aus der Animation in die Kamera eines Mobilgeräts ein, während andere künstlerische Effekte und rätselhafte Textteile wie „in die Leere“ und „warum vor Enttäuschung davonlaufen“ hinzugefügt werden.
Die Schichten von The Maw Of implizieren eine zentrale Idee von Rossins Werk – wie sich Technologie von einem bloßen Werkzeug der Menschheit zu etwas entwickelt hat, das sich direkt in unser Bewusstsein einfügt. „Die Vorstellung von Technologie, die wir geerbt haben, umrahmt sie als etwas, das wir uns selbst hinzufügen. Und was Technologie jetzt tatsächlich wird, ist, dass Sie anfangen, Peripheriegeräte für unsere Wahrnehmung, Peripheriegeräte für unsere Psychologie zu finden.“
In Anlehnung an Rossins Besorgnis darüber, wie Technologie immer stärker in das Herz unserer Identitäten vordringt, bezieht sich der Titel American Artist’s the Mother of all Demos III auf den epochalen Moment am 9. Dezember 1968, als Douglas Engelbart und William English die Computermaus und die grafische Benutzeroberfläche einführten , die den Weg dafür ebnen, dass Computer zu einem zentralen Bestandteil unserer Lebensweise werden. Anstatt die Maschine darzustellen, die Engelbart und English für ihre weltverändernde Demo verwendeten, bietet Artist stattdessen einen Apple II-Computer an, der 1977 debütierte und Teil einer Welle von Heimcomputern war, die eine Revolution auslöste.
In Mother of all Demos III zeigt Artist, die ihren Namen legal geändert hat, um ihre Anonymität zu schützen und ihre künstlerischen Ideen rund um Blackness, Arbeit und Sichtbarkeit voranzutreiben, einen dreckverkrusteten Apple II-Computer, der von schwarzem Asphalt entstellt ist, der die Tastatur unzugänglich macht. Derselbe Asphalt zeigt auch suggestive Handabdrücke auf beiden Seiten der Tastatur, wodurch die Installation wie ein Tatort aussieht.
In der Arbeit wird die gedämpfte Schwärze des Apple-II-Computerterminals – das mit der Veränderung der Computer langsam von weiß dominierten Monitoren abgelöst wurde – mit dem durchsickernden, klebrigen Asphalt konfrontiert, was darauf hinzudeuten scheint, dass die Schwärze nicht so leicht wird enthalten sein. Das ganze Stück hat etwas von einem archetypischen, prometheischen Moment, in dem sich die Dinge für immer verändert haben.
So wie Artist uralte Tropen durch modernste technologische Entwicklungen kanalisiert, tun dies auch die anderen hier ausgestellten Künstler, die eine große durchgehende Reihe von Refigured bilden. Zum Beispiel diskutierte Rossin, wie sie aus dem Golem-Mythos schöpfte, um sich vorzustellen, wie die digitale Welt etwas Unbelebtem Leben einhaucht. „Was ich machen wollte, ist etwas, das sich eher wie ein Golem-Mythos anfühlt, wobei das Nervensystem in diesen hyperrealen Raum projiziert wird, der auf illusorische Weise immer aktiv ist.“
Eine andere, die einen kulturellen Mythos mithilfe von Technologie neu erfunden hat, ist die iranisch-kurdische Künstlerin Morehshin Allahyari, die sich für ihre Arbeit von der Geschichte der lachenden Schlange inspirieren ließ, die sie als eine Geschichte über die Rückeroberung der Entscheidungsfreiheit von Frauen interpretierte. Der Mythos, der einem mittelalterlichen arabischen Buch mit dem Titel Das Buch der Wunder zugeschrieben wird, erzählt von einer marodierenden Schlange, die schließlich von Männern erobert wird, die einen Spiegel benutzen, um das Lachen der Schlange gegen sich selbst zu wenden.
Für ihr Projekt verwandelt Allahyari das Gleichnis von der Schlange in eine Hypertext-Erzählung, die Elemente des iranischen Feminismus, ihres persönlichen Erwachsenwerdens, ihrer Macht und Autonomie vermischt. “Ich drehe mich um [the snake’s] Lachen und Tod als Position der Macht, nicht als Position der Schwäche. Ihre Zerstörung ihres eigenen Körpers ist ihre Art, die Kontrolle über ihre Körperagentur zu übernehmen; ihre Zerstörung ihres Körpers ist ihre Art, sich ihr Bild zurückzuerobern. Ich verbinde diese Geschichte mit Belästigung auf der Straße, sexuellem Verlangen, der Beziehung zu Körper und Körpervermittlung, beginnend mit meinen persönlichen Erfahrungen des Aufwachsens im Iran und dann mehr mit den kollektiven Erfahrungen, und erweitere dies auf diese fantasievollen Geschichten, in denen ich mir alternative Zukünfte vorstelle unsere Beziehung zu unserem Körper.“
Die Zuschauer durchqueren Allahyaris Hypertext anhand hervorgehobener Wörter, während verschiedene eindrucksvolle Schwarz-Weiß-Animationen und ätherische Klänge eine mysteriöse Atmosphäre schaffen. Die Künstlerin teilt ihre eigenen Erfahrungen mit verschiedenen Formen von Sexismus und Frauenfeindlichkeit, von Belästigung auf der Straße über verschiedene Grade sexueller Übergriffe bis hin zu institutionalisierter Gewalt gegen Frauen. Der Hypertext ist gleichzeitig komplex und labyrinthartig, was es einem leicht macht, sich von der anhaltenden und viszeralen Kraft von Allahyaris Worten absorbiert zu fühlen. The Laughing Snake impliziert auch Fragen der begrenzten Reichweite des verwestlichten Feminismus, wenn er mit Fällen von sexuellem Missbrauch und systemischem Sexismus konfrontiert wird, die in einem Land wie dem Iran vorkommen.
Refigured ist eine überzeugende Ausstellung, die es schafft, mit nur fünf Exponaten eine Fülle von Identitäten, Ansätzen und Medien zu präsentieren. Die Tiefe und Komplexität jeder Arbeit in Refigured macht es zu einer Show, in der man verweilen kann, wobei sich jede dieser fünf Arbeiten auf ihre eigene Weise als fesselnd und zum Nachdenken anregend erweist. Es fühlt sich auch frisch an, ein Spiegelbild der Whitney, die ausgeht und Künstler findet, die neu in ihrem Raum sind, und Kunstarten mitbringt, die dort weniger häufig zu sehen sind. „Im Whitney aufzutreten ist ein Traum, den ich seit meiner Kindheit hatte“, sagte Rosin. „Ich bin außerhalb der Kunstwelt aufgewachsen, also betrachtete ich diese Räume als imposant. Es ist aufregend, dort auszustellen.“