WMit seinen dicken, hochgezogenen Augenbrauen und der stark mit Rouge gepuderten Nasenspitze war Dan Lenos Mother Goose eine Sensation. Als Varieté-Berühmtheit, Standup-Comic und meisterhafter Clog-Dancer war Leno der Star der spätviktorianischen Pantomime. Seine Karriere begann 1886 am Surrey Theatre, und seine Darbietungen – insbesondere seine Mother Goose im Jahr 1902, die er neben einer Schar lebender Tiere spielte – definierten die Rolle der Dame, wie wir sie heute kennen: die Over-the- Spitze, Pechvogel, Slapstick-Herz der Show.
Seit dem späten 19. Jahrhundert ist Panto ein fester Bestandteil der britischen Weihnachtszeit, bei der Prominente sechs Wochen lang auf die Bühne gehen, um alle, vom Kleinkind bis zu den Urgroßeltern, zum Kichern zu bringen. Ich war schon immer ein begeisterter Fan: 2021 habe ich drei an einem Tag gesehen. Aber in den letzten Saisons habe ich mich oft unwohl gefühlt, wenn manches Gelächter gegen Panto-Damen gerichtet war. Inmitten von Wortspielen und immer extravaganteren Outfits habe ich zunehmend das Gefühl, dass der Witz, der dem Publikum präsentiert wird, in schädlichen Stereotypen über das Geschlecht verwurzelt ist. Wenn die Wasserpistolen leer und die Glitzerkanonen abgefeuert sind, was ist dann so lustig an einem Kerl im Kittel?
„Wenn ich das wüsste, wäre ich Milliardär“, sagt Clive Rowe, der beim diesjährigen Panto im Hackney Empire in London die Rolle der Mother Goose übernimmt. Rowe ist eine der beliebtesten Damen der Welt, und Mother Goose – eine Rolle, für die er 2008 von Olivier nominiert wurde – ist sein 15. Panto am Veranstaltungsort. „Die Reaktion des Publikums, wenn Sie es richtig machen, ist berauschend“, sagt er über die Freude, die Dame aufzuführen. „Es ist Standup-Comedy mit Besetzung. Es ist Abwechslung mit einer Erzählung.“
Dies sind die Traditionen, aus denen das moderne Panto stammt: Music Hall und Varieté, Commedia dell’arte und die Regency-Ära des Clownings, angeführt vom großen Joseph Grimaldi. Als Produzent Augustus Harris Ende des 19. Jahrhunderts erkannte, wie beliebt Music Hall bei der Arbeiterklasse war, begann er, Stars wie Leno zu seinen riesigen Pantos im Theatre Royal Drury Lane zu holen, um ein breiteres Publikum anzusprechen. Panto wurde zu einer integrativeren, kakophoneren Familienangelegenheit, mit einem Mann im Drag im Mittelpunkt, um alle vor der Kälte willkommen zu heißen.
Das Theater hat schon immer Cross-Dressing angenommen. Von den Römern, die Frauen spielten, lange bevor es Frauen erlaubt war, sich selbst zu spielen, bis hin zu männlichen Imitatoren wie Vesta Tilley, der bestbezahlten weiblichen Darstellerin der Music-Hall-Ära, wurde das Geschlecht immer hinterfragt, hochgeschickt und mit ihm experimentiert. In den frühen Tagen des modernen Panto übernahmen Frauen die hauptsächlichen männlichen Rollen und erlaubten ihnen, dem Publikum ein kleines Bein zu zeigen. „Aber es war keine Zeit, in der einer Dame etwas Unwürdiges widerfahren konnte“, sagt Nigel Ellacott, die Dame in der Produktion von Goldilocks and the Three Bears im Richmond Theatre und begeisterter Panto-Historiker. „Sie konnte keinen Puddingkuchen im Gesicht haben. Sie konnte nicht umfallen. Also schauten sie sich die älteren männlichen Comedians an und steckten sie in weibliche Rollen, wo sie karikiert und lustig sein konnten.“ Und so, sagt er, haben wir unsere modernen Damen in Drag gebracht.
Viele Menschen trennen die beiden gerne. „Ich habe immer gesagt, dass ich keine Drag Queen bin“, sagt Rowe offen. „Ich versuche nicht, irgendeinen sozialen Kommentar zu Weiblichkeit oder Männlichkeit abzugeben. Ich versuche nur, lustig zu sein.“ Ellacott wiederholt diesen Punkt. „Wir versuchen nicht zu überzeugen. Es ist kein Drag-Act, bei dem du tatsächlich wie eine glamouröse Lady aussiehst.“ Diese Unterscheidung ist entscheidend. Bei Panto sollte es offensichtlich sein, dass die Dame wirklich ein Mann in Frauenkleidern ist. Oft ist die Inkongruenz der Witz. Es ist auf eine unbeschwerte Art und Weise getan, aber ist es trotzdem möglich, dass diese Darstellung und unsere Reaktionen darauf schädliche Vorstellungen von der Darstellung als das „andere“ Geschlecht aufrechterhalten?
„Ich kann nicht zu einem Panto gehen, ohne mich bei der Art des Gelächters unwohl zu fühlen“, sagt Sab Samuel, die auch als Drag Queen Aida H Dee bekannt ist. „Ich amüsiere mich und dann denke ich: ‚Worüber lachst du hier wirklich?’“ Samuel leitet Drag Queen Story Hour UK, ein Unternehmen, das organisiert, dass Drag Queens Kindern in Bibliotheken Geschichten vorlesen. „Panto-Damen sind Drag Queens“, sagt Samuel unerbittlich. „Es gibt kaum einen Unterschied. Wir sagen seit Jahren, dass Drag Queen Story Hour UK Panto in einer Bibliothek ist.“
Aber die beiden werden von der Öffentlichkeit sehr unterschiedlich behandelt. Wo Panto-Damen weithin als familienfreundliche Unterhaltung akzeptiert wurden, war und ist Drag in der Vergangenheit erheblicher Diskriminierung ausgesetzt. Dies trifft sicherlich auf Samuels Erfahrung zu. In den letzten Jahren hat die Drag Queen Story Hour UK einen Ansturm von Beschimpfungen und aggressiven Protesten erhalten.
„Ich musste umziehen, weil meine Adresse öffentlich wurde“, sagt Samuel. „In diesem Sommer wurde ich durch das ganze Land verfolgt, wobei mir Leute die Worte „Pädophiler“ und „Groomer“ zuschrien. Ich war in einer Bibliothek und las mein Kinderbuch über das Nicht-Mobbing, während außerhalb der Bibliothek homophobe Menschen die Eltern und Kinder schikanierten, die hereinkamen.“ Zu Beginn unseres Gesprächs erhält Samuel eine Benachrichtigung über einen Tweet. Sie halten das Telefon hoch, um mir das Meme zu zeigen. Die obere Hälfte ist ein Bild von Drag Queens. Die untere Hälfte ist ein Erschießungskommando.
Warum gibt es einen so deutlichen Unterschied in der öffentlichen Meinung gegenüber Panto-Damen und Drag Queens? „Das sind unterschiedliche Geschichten“, schlägt Samuel vor. „Drag Artists werden als Repräsentanten der queeren Community gesehen. Sie stehen immer an vorderster Front der LGBTQ+-Rechte und Panto-Damen sind es nicht. Bigots akzeptieren gerne eine Panto-Dame, aber keine Drag-Künstlerin.“ Da die Erforschung des Geschlechts in Panto ein Witz ist, eine einmalige Sache, sicher im Guckkasten, wird sie nicht als Bedrohung für jemanden mit voreingenommenen Vorstellungen von Queerness angesehen. Aber in einem alltäglichen Raum wie einer Bibliothek, mit einem Akt, der so in der queeren Geschichte und Erfahrung verwurzelt ist, ist es schwieriger, die LGBTQ+-Kultur vom Darsteller und der Performance zu trennen. Obwohl es bei Drag Queen Story Hour UK darum geht, Kinder zum Lachen zu bringen, erklärt Samuel, dass der Unterschied darin besteht, dass Kinder mit ihnen lachen und nicht über sie. Wie Samuel es ausdrückt: „Die Panto Dame ist der Witz. Die Dragqueen macht den Witz.“
In der Royal Vauxhall Tavern in London haben Tim Benzie und Paul Joseph in den letzten fünf Jahren queere Pantos für Erwachsene geschrieben. Das diesjährige ist Cracked, eine lärmende Nacherzählung von Schneewittchen. Ihr Hauptaugenmerk liegt – nachdem sie so viele Gags wie möglich eingepackt haben – darauf, sicherzustellen, dass die Panto-Traditionen auf eine Weise umgesetzt werden, die LGBTQ+-Erfahrungen in den Mittelpunkt stellt. „Bei vielen Pantos sind Kinder die Hauptzielgruppe“, sagt Joseph. „Unsere Verantwortung gilt queeren Erwachsenen. Wir sind für die Menschen da, die es schwer hatten, aufzuwachsen, um sicherzustellen, dass sie nicht durch den gleichen alten Mist retraumatisiert werden, den sie früher jahrelang gehört hätten.“
„Man kann den Menschen erlauben, die Elemente der Traditionen zu haben, die ihnen gefallen“, fügt Joseph hinzu, „und sich von dem Zeug trennen, das den Menschen Unbehagen bereiten wird. Es liegt in der Verantwortung der Autoren, besser, lustiger und klüger zu sein.“ Kleine Veränderungen verändern heute die Landschaft der Damen. Allmählich werden mehr Frauen als Dame gecastet, und Drag-Performer übernehmen andere Rollen in Shows, wie beispielsweise bei der All-Drag-Tour von Dick Whittington im letzten Jahr.
Die Idee, dass Pantomime sich dem Tag anpassen und verändern kann, ist nicht neu. Im Laufe der Jahre hat Rowe erhebliche Veränderungen an Witzen und Drehbüchern erlebt. „Es gibt Dinge, die wir vor 15, 20 Jahren vielleicht in aller Unschuld gesagt hätten“, sagt er, „die wir jetzt nicht sagen würden, die nicht als lustig empfunden würden.“ Diese Anpassungsfähigkeit ist ein zentraler Bestandteil der Form, sagt er und wiederholt, dass er hofft, dass sich jeder bei jedem Panto, an dem er teilnimmt, willkommen und einbezogen fühlt. „Pantomime verändert sich im besten Fall ständig. Es ist ein Kommentar zur Zeit, also ist es die Aufgabe der Pantomime, sich zu verwandeln.“
Hier geht es nicht darum, Comedy zum Schweigen zu bringen oder Damen zu verdammen. Aber wenn die Rechte von LGBTQ+ ausgehöhlt werden und Trans-Menschen Hassverbrechen und Medienverhetzung ausgesetzt sind, ist die Überlegung wichtig, wie sich unsere Wahrnehmung von Geschlecht auf unsere Einstellung dazu außerhalb der Bühne auswirkt. Ob wir uns lustig machen oder feiern, macht einen Unterschied, und bei einem so enormen und begeisterten Publikum haben Pantos die Macht, die Vorurteile der Menschen zu beeinflussen. Aber die neue Art von Damen scheint mehr darauf bedacht zu sein, uns mit ihren Charakteren zum Lachen zu bringen, nicht mit ihren negativen Stereotypen, was alles dazu beiträgt, die Panto-Saison zur schönsten Zeit des Jahres zu machen.