ichEs ist 17 Jahre her Michael Tippett‘s erste und beste Oper wurde zuletzt auf einer britischen Bühne gezeigt, und mehr als ein halbes Jahrhundert seit der einzigen vorherigen kommerziellen Aufnahme von The Midsummer Marriage. Dirigiert von Colin Davis, die auf der Covent-Garden-Produktion von 1967 basierte, während diese neue Version, die mir insgesamt zumindest ebenbürtig erscheint, von der konzertanten Aufführung in der Royal Festival Hall in London vor einem Jahr übernommen wurde mit dem Edward Gardner seine Amtszeit als Chefdirigent der London Philharmonic antrat.
Mit der möglichen Ausnahme von King Priam, das 1962 uraufgeführt wurde, verlangen alle fünf Opern von Tippett eine gewisse Aufhebung des dramatischen Unglaubens. Aber die berauschende Mischung von The Midsummer Marriage aus Jungscher Symbolik, Fruchtbarkeitsritus-Erotik und Goldener Ast Mythologie, die einer Handlung auferlegt wird, die viel von der von Mozarts Zauberflöte verdankt, verlangt die meisten Zuwendungen. Was die unhandliche Dramaturgie und das aufwändige Libretto einlöst, ist die Musik, die einige von Tippetts besten Erfindungen enthält; Es ist ein Werk, das bei den Bewunderern des Komponisten enorme Zuneigung hervorruft, und für Gardner war das Dirigieren der fabelhaft schillernden Partitur eindeutig ein erfüllter Ehrgeiz.
Gewiss, diese Darbietung, angetrieben vom opulenten Spiel des LPO und den Beiträgen seines Chors, ist in jedem Takt mit einer besonderen Intensität aufgeladen. Gardners Bestreben, jeden Rhythmus beschwingt und jede orchestrale Textur so transparent wie möglich zu machen, sorgt dafür, dass die vier rituellen Tänze im zweiten und dritten Akt (die zu einem eigenständigen Konzertelement geworden sind) zu Recht zu den Dreh- und Angelpunkten des gesamten Dramas werden.
Die Solisten sind im Allgemeinen auch gut. Robert Murray als Markus u Rachel Nichols als Jenifer – die Tamino und Pamina der Situation, wenn Sie so wollen – gute Sängerinnen sind, wenn auch hier vielleicht fehlbesetzt: Murrays Rolle braucht idealerweise einen etwas kräftigeren Tenor, Nicholls Rolle einen flexibleren, lyrischen Sopran (es wurde von gesungen Joan Sutherland bei der Premiere 1955). Aber als Jack und Bella, die Papageno- und Papagena-Äquivalente, Toby Spence und Jennifer Frankreich scheinen eine ideale Paarung zu sein, und mehr als fast jeder andere in der Besetzung projizieren ihre Charaktere als glaubwürdige, dreidimensionale Menschen. Ashley Riches verleiht dem polternden King Fisher, Jenifers Geschäftsmannvater, einen sardonischen Humor; Claire Barnett-Jones schafft es, aus Sosostris’ bedeutungsvoller Arie im dritten Akt etwas Sinnvolles zu machen. Und durch all das trägt der überfließende Überschwang von Tippetts Partitur alles vor sich her.