Die Einführung des Einzugs in die Olympischen Spiele für Paris 2024 mag viele überrascht haben, aber für Michael Holman – Schriftsteller, Produzent, Künstler, Unternehmer und selbsternannter Hip-Hop-Pionier – war es die Verwirklichung einer 40-jährigen Vision.
Die Website der Spiele beschreibt Breaking als einen „Hip-Hop“-Tanzstil, der sich durch „akrobatische Bewegungen und stilisierte Beinarbeit“ auszeichnet.
Das Format unterscheidet sich jedoch grundlegend von Eistanz oder Gymnastik. Athleten warten nicht, bis sie an der Reihe sind, um nacheinander aufzutreten und die Richter zu beeindrucken.
Stattdessen treten Breaker in Paris paarweise auf den Boden, „kämpfen“ Kopf an Kopf und verbessern ihre Bewegungen, um eine Medaille mit nach Hause zu nehmen.
In den frühen 1980er Jahren veranstaltete Holman in einem Club in der Innenstadt von Manhattan eine wöchentliche Hip-Hop-Revue, die Rap und Graffiti mit der neuen Form des Streetdance kombinierte.
Zunächst ging es um Leistung. Die Breaker würden tanzen, das Publikum würde applaudieren, der Abend würde weitergehen und der nächste Act würde erscheinen.
Aber Holman bestand darauf, seiner boomenden Clubnacht ein weiteres Element hinzuzufügen.
„In New York dreht sich alles um Wettbewerb und darum, zu versuchen, der Beste zu sein“, sagte er. „Und ich wollte eine andere Crew in den Kampf mitnehmen. Ich möchte, dass das Publikum einen Kampf sieht, nicht nur Bewegungen.“
Holman hatte es Monate zuvor auf den Straßen der Bronx gesehen. Dort hatte sich Breaking zu einer Form des Tanzkampfes entwickelt, der aus einer Verschiebung der Bandenspannungen hervorgegangen war, die das New York der 1970er Jahre verwüstet hatten.
„Da waren die Ghetto Brothers und die Black Spades, die Savage Nomads und die Savage Skulls. Und sie hatten jahrelang Blut vergossen: Köpfe eingeschlagen, getötet, sich gegenseitig mit Messern verletzt“, sagte er.
„1971 erzwang Yellow Benjy – der Anführer der Ghetto-Brüder – einen Waffenstillstand, der es den Jungs und Mädels rivalisierender Banden ermöglichte, zusammenzukommen und zu feiern.“
Auf diesen Partys, auf denen der Tanz die Gewalt als Ventil für die Prahlerei der Nachbarschaft ersetzte, kultivierten die vielen Kulturen der Stadt die Kreativität von Breaking.
Holman fuhr fort: „Breaker sahen anderen Breakern zu und sagten: ‚Wow, das ist wild. Die Art und Weise, wie Sie Kung-Fu-Moves aus der chinesischen Gemeinschaft einbringen. Ich werde Ihr Kung-Fu integrieren und es mit meinem afrikanischen Cakewalk-Tanz kombinieren, oder integrieren Sie es mit einer puertoricanischen Gymnastik-Ästhetik.’ Und das alles, während Sie zu alten James-Brown-Platten tanzen, die auf Soundsystemen im jamaikanischen Stil abgemischt wurden. Das ist die Kultur des B-Boy-Tanzes.”
Die erste Gruppe von Breakern, die in Holmans Nächten residierten, war eine Gruppe, die er informell leitete und die “Rock Steady Crew” hieß. Anfangs hassten sie es, eine Bühne mit einem rivalisierenden Outfit zu teilen, aber schließlich gaben sie Holmans Bitten nach.
“Ich habe eine Crew namens ‘Floor Masters’ zu Fall gebracht und boom, es war wie ein historischer Moment”, sagte Holman. „Bei den ‚Floor Masters‘ ging es viel mehr um Athletik, Geschwindigkeit und Kraft, und als ich sie kämpfen sah, ließ ich die ‚Rock Steady Crew‘ wie eine heiße Kartoffel fallen.“
Holman half dabei, eine neue Breaking-Crew zu bilden und dann zu leiten, die sich ausschließlich auf die „Power“-Moves konzentrierte, die er bei den „Floor Masters“ miterlebt hatte.
Sie rekrutierten die besten Tänzer aus den besten Crews der fünf Bezirke der Stadt und nannten die neue Gruppe „New York City Breakers“. Es zeigte einige der besten Vertreter der Kunstform: Noel „Kid Nice“ Manguel, Matthew „Glide Master“ Caban und Tony „Powerful Pexster“ Lopez.
Zusammen haben sie das Brechen auf ein völlig neues Niveau gebracht.
“Ich habe die schwachen Tänzer losgeworden und drei oder vier andere Crews aus der Stadt überfallen. Ich habe eine Super-Crew der Machtbrecher geschaffen”, sagte Holman.
„Die Breakers konnten Kreisel mögen. Sie begannen mit Beinarbeit und gingen dann zu Boden und ballten sich gleichzeitig auf eine bestimmte Weise zusammen oder ballten sich mit einer Art innerem Antrieb, gemischt mit der Reibung des Bodens, zusammen Auf eine bestimmte Weise verteilt, würden sie eine innere Energie erzeugen.
„Sie waren in der Lage, sich zu drehen und diese Fackeln zu machen. Sie fanden eine neue Art, sich zu bewegen, und es war pure Poesie.“
Holman kam 1978 aus San Francisco nach New York. Obwohl er bei einer Bank an der Wall Street arbeitete und „jeden Tag Anzüge von Brookes Brothers trug“, verliebte er sich schnell in die düsterere Kultur der Stadt, die er sein Zuhause nannte.
„Ich habe in einer Loftwohnung auf der Hudson gelebt [Street] und Kammern [Street]«, sagte er. »Ich würde morgen früh mit dem Aufzug nach unten fahren und Joey Ramone sehen [lead singer of iconic punk band The Ramones] – von einer nächtlichen Party mit einem Mädchen an jedem Arm. Es war verrückt.”
Holman wurde bald selbst Teil der Szene, freundete sich mit dem bahnbrechenden Graffiti-Künstler Fab Five Freddy an und besuchte Nachtclubs wie Max’s Kansas City, Mudd Club und CBGBs; Orte, an denen er sich mit Musikern, Dichtern und anderen aufstrebenden Künstlern treffen konnte.
„Ich habe in New York wie Eis gegessen“, sagte Holman wehmütig und erinnerte sich, dass er auf dem Rückweg von einer eigenen Late-Night-Party war, als er die ersten Anzeichen einer neuen Straßenkultur um sich herum entstehen sah.
„Ich habe im Halbschlaf auf eine U-Bahn gewartet. Und dann kommt dieser Zug in den Bahnhof und er ist von oben bis unten über alle Fenster mit Graffiti-Logos und Brennern bedeckt [large, elaborate designs in spray paint]. Und ich hatte so etwas noch nie zuvor gesehen, es war eine wahnsinnige Nachricht von der Straße. Es war Vandalismus, aber gleichzeitig schön.
„Junge Kinder sagen: ‚Schaut mich an. Schaut, was ich kann. Ich bin kein Niemand. Okay, diese Stadt beherbergt also die Vereinten Nationen, sie ist die Hauptstadt der Medien und Finanzen, aber ich bin ein Kind aus der Bronx. und ich habe auch Wild!‘“
Für Holman stand dieses Ethos auch hinter der Entstehung des Hip-Hop und dem Drang der Breaker, sich durch Tanz auszudrücken.
„Es geht darum, schau mich an, ich bin jemand“, sagte er. „Ich kann ein Mikrofon nehmen und meine eigenen Gedichte schreiben, ich kann einen Plattenteller schneiden und scratchen, ich kann den Boden rocken wie ein B-Boy, ich kann Headspins hinlegen, wie man es sich nicht einmal vorstellen kann.
„Kinder erschufen ihr eigenes Universum mit nicht mehr als zwei Plattenspielern, einem Mikrofon und einem Stück Linoleum.“
Während Holman Musik machte, Filme drehte und New Yorks Energie aufsaugte, fragte er sich, ob die kleine Hip-Hop- und Breaking-Szene der Stadt zu einem bahnbrechenden Trend werden könnte, genau wie Punk, der in den vergangenen zehn Jahren in London und New York aufgekommen war .
„Ein Freund von mir ging in den 1960er Jahren mit Malcolm McLaren zur Schule“, sagte Holman.
„Als McLaren New York besuchte, lud ich ihn mit Afrika Bambaataa und Jazzy Jay zu einer Blockparty in die Bronx ein. Ich nahm ihn mit zu einem Park-Jam, wo die DJs ihre Soundsysteme aufstellten und wo die B-Boys und B-Girls hingingen tanzen.
„Malcolm war hin und weg und deshalb bittet er mich, eine Rezension zusammenzustellen. Nun, das habe ich getan.“
McLaren hatte ein gutes Gespür für revolutionäre Kulturbewegungen. Er hatte die Sex Pistols gemanagt, die zu Punk-Aushängeschildern wurden, nachdem sie 1977 ihre antimonarchistische Single „God Save the Queen“ veröffentlicht hatten, die mit dem Silberjubiläum von Queen Elizabeth II zusammenfiel.
Er verband Holman mit einer in England geborenen Promoterin in der Stadt namens Ruza „Kool Lady“ Blue, die eine regelmäßige Nacht im jamaikanischen NeGril-Nachtclub verbrachte.
Und im November 1981 rockte der Nachtclub zu Holmans DJ-Freunden und den Brechern der Rock Steady Crew.
Als sich die Hip-Hop-Nächte herumgesprochen hatten, eine neu gegründete Supertruppe und ihre erstaunlichen Breaking-Shows bei Holman’s NeGril-Nächten, wurden auch die New Yorker Medien aufmerksam.
„Nun, was wir taten, wurde für diese internationalen Rundfunkunternehmen zum Geschmack des Monats“, sagte er. „Du hast Dokumentarteams aus der ganzen Welt in New York: die BBC, Canal Plus, NHK, Rai TV und das ZDF.
„Sie filmen The Breakers, verpacken es und schicken es dorthin zurück, woher sie kommen. Und es kommt an diesem Abend in den Nachrichten. So haben Sie Kinder in London, Tokio und Paris mit der Hip-Hop-Kultur vertraut gemacht, bevor sie überhaupt Kinder waren in Pittsburgh waren.”
Holman beschloss, eigene Inhalte zu erstellen. Er schuf und moderierte 1984 die TV-Show Graffiti Rock, eine Hip-Hop-Musikshow nach dem Vorbild des erfolgreichen Soul Train, in der Run-DMC, Kool Moe Dee und Special K zusammen mit den New York City Breakers auftraten.
„Es war die erste Hip-Hop-TV-Show der Welt“, sagte Holman.
Die New York City Breakers sind auch in den Mainstream Mittelamerikas übergegangen. Sie traten in der Merv Griffin Show – einer beliebten amerikanischen Talkshow –, den CBS Evening News, Good Morning America und Soul Train selbst auf. Sie waren in einem Musikvideo zu sehen, in dem sie Bewegungen machten, während die Soul-Legende Gladys Knight Save the Overtime (For Me) sang.
Die letzte große Veranstaltung, die Holman für die New York City Breakers buchte, fand 1987 beim London Contemporary Dance Trust statt.
„Bis dahin starben die Gigs aus. Es wurde als vorübergehende Modeerscheinung angesehen. Die Medien waren weitergezogen und die Breaker begannen, ihre eigenen Wege zu gehen“, sagte er.
Aber anderswo ging die Party weiter.
“Wie bei vielen kulturellen Bewegungen, die in Amerika beginnen, wie Jazz, Rock ‘n’ Roll und Blues; sie sterben hier aus, nur um im Ausland ein neues Leben und eine neue Identität zu finden. Dasselbe geschah mit dem Breaking”, fügte Holman hinzu.
In den späten 1990er Jahren erhielt Holman Einladungen zu Hip-Hop-Conventions auf der ganzen Welt, mit Interesse in Australien, Asien, Europa und Südamerika.
Er veranstaltete Panels und Vorträge über die Breaking-Bewegung, sah sich Breaking-Filme an und nahm an Tanzworkshops teil, bei denen die ursprünglichen Tänzer gebeten wurden, aufzutreten.
Eine junge polnische Tanzgruppe legte sogar Wert darauf, ihm zu zeigen, dass sie eine Routine von Graffiti Rock gelernt hatte, Bewegung für Bewegung. Aber nicht alle Brecher waren so einladend.
„Früher habe ich von einigen der Breaker viele verdrehte Blicke bekommen, wenn ich aufgetaucht bin“, sagte Holman.
“Sie würden sagen: ‘Oh, du bist derjenige, der versucht, dies als Sport voranzutreiben und versucht, die Kunstform zu töten.’
„Aber ich hatte immer das Gefühl, dass die Bewegung einen eigenen Geist und ein eigenes Leben hat. Die Kultur selbst ist empfindungsfähig. Hip-Hop ist heute insgesamt eine Multi-Milliarden-Dollar-Industrie, die die Welt beeinflusst hat.
„Es gab die gleichen Debatten über Skateboarding und Extremsport. Es gab einen Aufschrei bei dem Gedanken, dass eine Kunstform ‚bewertet‘ wird, mit Punkten und Punkten. Ich bin sicher, dass Eiskunstlauf in den 1930er Jahren dasselbe war.
„Aber bedenke nur die Tatsache, dass dies eine Bewegung ist, die in New York City gegründet wurde, der Hauptstadt des Handels, dem Bauch der kapitalistischen Bestie. Ihren Weg zu Wettbewerb und Kommerzialisierung in Frage zu stellen, ist bestenfalls naiv.“
Abgesehen von der Debatte ist der bemerkenswerte Kampf von Breaking von den Bürgersteigen der Bronx bis zur olympischen Bühne für Holman befriedigend, einer der wenigen, die das Potenzial seiner Power Moves und Poesie vor mehr als vier Jahrzehnten erkannt haben.