Ein einziger Song kann unsere aktuelle Stimmung verstärken oder uns in eine völlig neue Gefühlswelt entführen. Schwelgen Sie in Selbstmitleid auf Ihrem Schlafzimmerboden? Vertiefe deinen Blues mit etwas Blues. Sich aus seinem Elend befreien, um eine Nacht in der Stadt zu starten? Stoßen Sie die Top-40-Pop-Hits an. Ihre Sorgen wegtanzen? Loope abgefahrene EDM-Tracks bis zum Morgengrauen.
Das Gebiet der Musikpsychologie bietet einige Einblicke in die Gefühle, die bestimmte Musikstücke hervorrufen, erkennt aber auch an, dass diese Gefühle nicht immer in ordentliche Schubladen gesteckt werden können. „Unsere emotionale Erfahrung ist oft sehr reich und komplex und vielfältig und ändert sich von Moment zu Moment“, sagt Hauke Egermann, Professor an der Fakultät für Musik der Universität York und der Direktor der York Music Psychology Group, erzählt WebMD. “Es ist nicht [so] leicht und einfach zu sagen: “Nun, das ist ein fröhliches Lied, das ist ein trauriges Lied.” Oft liegt die Wahrheit irgendwo dazwischen, oder sie ist glücklich und traurig zugleich.“
Jedes Jahr sortiert die Recording Academy Songs in Kategorien und vergibt Grammys an die „Besten“ der Gruppe. Ein Grammy-würdiger Song kann den reichen Gesang des Sängers präsentieren, mit avantgardistischer Produktion neue Wege gehen oder diese meistern gewinnende Vier-Akkord-Folge. Aber vor den 64. jährlichen Grammy Awards am 3. April untersucht Egermann, warum fünf der diesjährigen Nominierten einen emotionalen Akkord treffen könnten.
“Kiss Me More” von Doja Cat ft. SZA (Song des Jahres)
„Kiss Me More“ von Doja Cat und SZA beginnt mit einem Gitarrenriff, das den Zuhörer sofort in Stimmung bringt, indem es eine „ruhige Atmosphäre“ schafft, so Egermann. „Es löst unsere Fähigkeit aus, mit diesen sehr grundlegenden Ausdrücken in der Musik in Resonanz zu treten“, sagt er über das sich wiederholende Riff, das sich durch den gesamten Song zieht. „Es ist, als würdest du dich in die hineinversetzen [artist]. Es bringt dich dorthin.“
Der Song emuliert den eingängigen Bubblegum-Pop-Refrain eines anderen Grammy-nominierten Hits, Olivia Newton-Johns „Physical“, modernisiert ihn jedoch mit selbstbewussten Rap-Strophen. „Interessant an diesem Stück ist, dass der Rap ein bisschen aggressiver ist und irgendwie einen Kontrast und ein bisschen Spannung erzeugt“, sagt Egermann. „Es ist eine interessante stilistische Mischung.“
„Genesis“ von Deftones (Beste Metal-Performance)
„Genesis“ von Deftones beginnt mit langsamen Synthesizern, die sich in einen schwereren, dunkleren Rocksound mit an Schreien angrenzenden Vocals verwandeln. “Diese sind [elements] die mit dem Ausdruck negativer Emotionen verbunden sind“, sagt Egermann. „Wenn du jemanden auf der Straße hörst, der Geräusche macht, die wirklich rau und dissonant und dunkel und laut sind, könntest du denken, dass er oder sie Schmerzen hat [screaming] vor Wut.”
Wenn es um Metal-Musik wie „Genesis“ geht, ist die Qual des einen Zuhörers die Therapie des anderen Zuhörers. „Wir haben die Fähigkeit, Dinge, die negativ wären, in positive Dinge zu verwandeln, indem wir sie als Kunst interpretieren“, sagt Egermann. „Es ist ein Prozess der Distanzierung oder Dissoziation. Wir treten zurück, und dann können wir uns das ansehen [emotion] von außen, anstatt es direkt zu fühlen … Es gibt die Idee der Katharsis, dass man eine Art Tragödie durchmacht [through the music] und das hilft einem in gewisser Weise dabei, seine eigene Tragödie zu überwinden.“
„All Eyes on Me“ von Bo Burnham (Bester Song für visuelle Medien)
Als Teil seines Lockdown-Comedy-Specials „Inside“ veröffentlicht, folgt Bo Burnhams „All Eyes on Me“ der Standardformel des Komikers, soziale Kommentare und Selbstreflexion durch gekünstelte – und sogar abgedroschene – Pop-Elemente zu liefern. Der Song nutzt die Kraft von Autotune, sich wiederholenden Hooks und Publikumsbefehlen von Y2K-Hip-Hop-gefärbtem Pop, verlangsamt und fast bis zum Punkt der Hypnose geloopt.
„Es ist sehr melodisch, es wiederholt sich sehr, es erzeugt eine Art Ohrwurm“, sagt Egermann. „Wenn es einige musikalische Merkmale gibt, an die sich die Leute eher erinnern, sind sie hier integriert. Die Struktur ist nicht zu komplex, aber auch nicht zu einfach – genau richtig, irgendwo dazwischen. Da kann man mitsingen, denn es ist diese klar formulierte Melodie. Es zieht dich hinein.“
„Family Ties“ von Baby Keem ft. Kendrick Lamar (Beste Rap-Performance)
Baby Keems „Family Ties“ beginnt mit einem viszeralen Beat, der ein bisschen wie eine Mischung aus einem Wrestling-Eingangsthema und einem Wolf klingt, der den Mond anheult. „Es stimuliert eine körperliche, direkte Reaktion“, sagt Egermann. „Es gibt diese Art von tiefer Unterlage, die direkt in uns mitschwingt … nicht einmal auf einer abstrakten Ebene; es ist auf einer körperlichen Ebene. Wenn Sie vor Ihren Lautsprechern stehen, wird Ihr Körper es tun [literally] stimme damit überein. Also erwischt es dich sofort.“
Rap basiert auf sich wiederholenden Reim- und Rhythmusmustern, aber es ist die Unvorhersehbarkeit des Flows, die beim Zuhörer eine Art „Flow-Zustand“ erzeugt. „Auf syntaktischer Ebene ist es sehr komplex“, sagt Egermann über „Family Ties“. „Durch Reime und Wiederholungen baut man Erwartungen auf, die dann auch mal verletzt werden. Das erzeugt Spannung und macht die Sache ästhetisch interessant.“
“MOVEMENT 11′” von Jon Batiste (Beste zeitgenössische klassische Komposition)
Jon Batiste ist dieses Jahr der König der Grammys mit 11 Nominierungen, die R&B, das breit gefächerte Genre „American Roots“, den Jazz-Soundtrack von Pixars „Soul“ und mehr abdecken. Auch sein Song „MOVEMENT 11’“ ist trotz seiner Einordnung als zeitgenössische klassische Komposition im Jazz verwurzelt.
„Es ist ein sehr jazziges Klavier [performance], und das passt auch sehr gut zu unseren Erwartungen“, sagt Egermann. „Während einer Jazzaufführung hat man ein originelles Motiv, das präsentiert wird, und dann wird es wiederholt, aber es wird variiert und bearbeitet. Die Variationen werden Ihre Erwartungen bestätigen und Ihre Erwartungen verletzen.“
Ein klischeebeladener Popsong oder eine romantische Komödie mögen uns mit ihrer Vorhersehbarkeit trösten, aber ein Jazzstück erregt uns, indem es wie ein Thriller im Zickzack fährt. „Das Spiel mit Erwartungen kann Anspannung, Überraschung, Erleichterung, Zufriedenheit, [and] Vorfreude“, sagt Egermann.
Was ist also der „Goldene Schnitt“, der all diese stilistisch unterschiedlichen Songs eines goldenen Grammophons für würdig hält? „Wissenschaft versucht seit vielen Jahren, diese Formel für einen Schlager zu finden, und das ist gar nicht so einfach“, sagt Egermann.
Hits können wie menschliche Emotionen nicht immer in Kategorien eingeteilt werden. „Ein Großteil der Popmusik ist heute nicht mehr in diesen Kisten wie vor vielleicht dreißig Jahren“, sagt Egermann. „Jetzt ist alles irgendwie miteinander verschmolzen, miteinander vermischt. Ich denke, das macht Musik interessant. Vielleicht ist es auch das, was die Jury hier für besonders wertvoll hielt.“
Popmusik ist notorisch formelhaft, aber nach den diesjährigen Grammy-Nominierten zu urteilen, folgt die „Beste“ davon einer Formel, nur um sie zu stören. Wiederholung und Erwartung mögen ins Ohr fallen, aber das Überraschungsmoment ist es, was die Leute dazu bringt, zuzuhören.