Im Spektrum der Emotionen, die mit dem Horror-Genre verbunden sind, baut nichts Angst und Unbehagen so sehr auf wie das Gefühl echter Sympathie. Während viele Bösewichte, die sich an Verdorbenheit erfreuen, des Mitgefühls nicht würdig sind, gibt es die glücklosen und bemitleidenswerten Antagonisten, deren widerliche Taten gepaart mit ihren einigermaßen verständlichen Motivationen ein äußerst beunruhigendes Gebräu ergeben.
In der Tradition des neusten Thrillers von A24, X, von Horrorautor Ti West, der ein sündhaft aus den Fugen geratenes Paar zeigt, dessen Lebensfreude dahinschwindet, bieten die folgenden Horrorfilme tragische Bösewichte, die die Wahrnehmung des Publikums von Übeltätern herausfordern.
Seit seiner Veröffentlichung im Jahr 2009 Jennifers Körper hat Kultstatus erlangt, weil er seine Comedy- und Horrorelemente ausbalanciert und gleichzeitig die Trope des “gemeinen Mädchens” mit überraschender Tiefe seziert. Der von Diablo Cody geschriebene Film untergräbt seine ausbeuterische Fassade mit einer ermächtigenden Herangehensweise an Sexualität und Anatomie.
Sicher, die titelgebende Jennifer Check ist ein geschmackloses, beliebtes Mädchen, noch vor der Besessenheit, aber sie verdient es nicht, das Gefäß für einen Dämon zu sein, im Austausch dafür, dass ein Haufen lahmer Typen berühmt wird. Megan Fox ist bemerkenswert als perfekt besetzte Hauptdarstellerin, die zu Unrecht eher für ihr Aussehen als für ihre schauspielerischen Fähigkeiten angesehen wurde. Im Gegenzug, Jennifers Körper bewaffnet die Objektivierung von Frauen und sorgt für eine höllische Coming-of-Age-Geschichte.
Als es 1980 erstmals veröffentlicht wurde, Freitag der 13 wurde mit negativer Kritik aufgenommen, da viele es mit dem eines armen Mannes verglichen Halloween. Es brachte jedoch eine Menge Fortsetzungen hervor und wurde zu einer der beliebtesten Slasher-Serien aller Zeiten, teilweise aufgrund der tragischen Umstände, die im ersten Teil festgestellt wurden.
Nichts ist mächtiger als die Liebe einer Mutter, und ein überfürsorglicher Helikopter-Elternteil ist ein verstörend realistischer Antagonist. Es ist jedoch leicht zu erkennen, woher Pamela Vorhees kommt, wenn sie sich an sexbesessenen Camp-Betreuern rächen will, nachdem ihr Kind aufgrund ihrer sorglosen Inkompetenz in Crystal Lake ertrunken ist. Noch katastrophaler ist das wahre Schicksal ihres gemobbten, wasserkopfkranken Sohnes Jason, der ständig von Gewalt korrumpiert aufwächst.
Bedrohliche Doppelgänger terrorisieren eine Familie im Jordan Peele’s Uns, doch unter den Nähten ist nichts, wie es scheint. In passende rote Overalls gekleidet, entpuppen sich die gruseligen Nachahmer, die als „die Angebundenen“ bekannt sind, als mehr als nur böse Gegenstücke.
In einer Wendung, die sich dreht Uns In das Gebiet der sozialen Science-Fiction, in dem sich Peele entschieden vergnügt, sind die Tethered Klone, die im Rahmen eines gescheiterten Regierungsexperiments gezwungen wurden, im Untergrund zu leben, um ihre anderen Hälften zu kontrollieren, und anschließend verlassen wurden. Angeführt von Red (Lupita Nyong’o), einem Klon, von dem sich später herausstellt, dass sie von ihrem Original ausgetauscht wurde, bilden die Tethered einen Widerstand gegen die Gesellschaft. In ihren unheimlichen Versuchen, menschliches Verhalten nachzuahmen, entsteht ein unheimliches, aber mutloses Pathos, das unter die Haut geht.
Der provokative Filmemacher Lucky McKee gab mit dem Kultfavoriten sein abendfüllendes Regiedebüt. Dürfeneine moderne Version einer der melancholischsten Horrorgeschichten aller Zeiten, Mary Shelleys Frankenstein. Dürfen ist keine angenehme Erfahrung und wird wahrscheinlich dazu führen, dass sich die Zuschauer auf ihren Sitzen winden, aber es ist die faszinierende Leistung von Angela Bettis, die sie davon abhalten wird, zu gehen.
May wird aufgrund ihres trägen Auges und ihrer allgemeinen sozialen Unfähigkeit von anderen geächtet. Verzweifelt bemüht, irgendeine Art von Verbindung herzustellen, beschließt sie schließlich, im wahrsten Sinne des Wortes Freunde zu finden, darunter eine alptraumhafte Puppe und eine „Chimäre“, die aus verschiedenen Körperteilen besteht. Alles gipfelt in einer letzten Einstellung, die gleichzeitig schön, nervig und herzzerreißend ist.
Ryan Reynolds hat ein Händchen dafür, wahnhafte Mörder zu spielen, aber Jerry ist eine seiner bisher komplexesten Rollen. An der Oberfläche, Die Stimmen scheint eine weitere alberne Horrorkomödie zu sein, aber sie ist viel dunkler und ergreifender, als ihr Marketing vermuten lässt.
Als Jerry, ein sozial unbeholfener Badewannenfabrikarbeiter, aufhört, seine verschreibungspflichtigen Medikamente einzunehmen, um sein wahres Selbst anzunehmen und inneres Glück zu erlangen, wird seine Realität von Halluzinationen verzerrt. Seine entzückenden Haustiere (von Reynolds geschickt geäußert) diskutieren darüber, ob er die Normalität bewahren oder seine animalischen Neigungen annehmen soll. Sobald jedoch die Vorhänge zurückgezogen werden, bleibt nur ein verstörter, wenn auch reuiger, individueller Kampf mit Impulsen, die außerhalb seiner Kontrolle liegen.
Lassen Sie den Richtigen rein schließt mit der mehrdeutig bittersüßen Note, dass der Weg vor Eli und Oskar Lichtschimmer bietet, aber leider sind die Implikationen viel dunkler. Die Bindung, die sie teilen, ist offensichtlich, aber die Wahrheit der Sache ist, dass Eli ein Vampir ist, der von menschlichem Blut abhängig und dazu verdammt ist, auf ewig zwölf Jahre alt zu sein.
Als Zeuge der Qual, der Oskar erliegt, ist es leicht, mit Eli zu sympathisieren, der Mitgefühl für den Ausgestoßenen zeigt. Eli entfesselt vampirische Verwüstung über Oskars Schläger in einer wunderschön aufgenommenen Szene, die sowohl ein Gefühl der Befriedigung als auch eine morbide Erinnerung daran hervorruft, dass Eli immer noch ein Monster ist. Obwohl Lassen Sie den Richtigen rein als einer der romantischsten Horrorfilme der letzten Jahre gilt, wird man das Gefühl nicht los, dass Oskar das gleiche Schicksal ereilen wird wie Elis bisheriger Vertrauter.
Komödie und Tragödie sind oft zwei Seiten derselben Medaille, und diese Dualität macht es aus Ein amerikanischer Werwolf in London das definitive Werwolf-Erlebnis. Nachdem David seinen Freund Jack während eines bösartigen “Tier”-Angriffs in Jolly Ol’ London im Stich gelassen hat, ereignet sich eine surreale Kette von Ereignissen, die zwischen absurdem Humor und Psychodrama schwankt.
Davids Welt verändert sich, als er mit Lykanthropie sowie Schuld und Trauer in Form einer eindringlichen (und urkomischen) Erscheinung kämpft. Jenseits des Grabes warnt Jack den armen David vor seinem unvermeidlichen Schicksal. Der unglückliche Rucksacktourist, der gleichzeitig in eine blühende Beziehung zu seiner Krankenschwester verwickelt ist, weigert sich, die Vorahnung seines verstorbenen Freundes zu beachten, und tatsächlich geht ein schlechter Mond auf.
Wie bei allen großen Boogeyman-Geschichten, Clive Barkers Süßigkeitenmann dient als gruseliges Gleichnis und predigt die Botschaft von Ungerechtigkeit durch Angst. Das hakenschwingende Phantom und sein „Bienenstock“ repräsentieren die Notlage der Unterdrückten, Hass, der Hass erzeugt, und das Trauma, das es Generationen später zufügt.
Ein junger Maler mit dem kanonischen Namen Daniel Robitaille wurde Ende des 19. Jahrhunderts von einem Lynchmob ermordet, weil er eine interrassische Beziehung hatte, und so als Geist der Rache wiedergeboren. Schauspieler Tony Todd mit seiner imposanten Statur und seiner bedrohlich tiefen Baritonstimme porträtiert das Gespenst Daniel mit zorngetriebener Kälte, doch seine gelassene Ausdrucksweise spielt auf etwas einst Menschliches an. Ob es sich um die Adaption von Bernard Rose aus dem Jahr 1992 oder ihre Fortsetzungen handelt, einschließlich eines sanften Neustarts mit demselben Namen, Süßigkeitenmann schöpft seinen Schrecken aus den dunkelsten Ecken gesellschaftlicher Relevanz.
Aus dem Kopf von Stephen King, Brian De Palmas Adaption von Carrie greift auf die peinlichen, angsterfüllten Momente zurück, die die Unschuld der Jugend zerstören. Von Beginn des Films an wird die namensgebende Carrie White von Kommilitonen gedemütigt, die ihre „glückselige“ Ignoranz gegenüber dem Erwachsensein lächerlich machen und mit einer harschen Portion Zugehörigkeit die Sympathie der Zuschauer gewinnen.
Carries Leben zu Hause ist wohl noch schlimmer als ihre Zeit in der Schule, denn sie wird ständig von ihrer überheblichen fundamentalistischen Mutter gerügt. Die Schauspielerin Sissy Spacek drückt solchen Schmerz und diese Reinheit mit ihren hypnotisierenden, mandelförmigen Augen auf eine Weise aus, die sowohl mitfühlend als auch erschreckend ist. Der Blick, den sie ihren Opfern zuwirft, ist eine kalte Erinnerung daran, dass der Blick, den sie sehen, bevor sie sterben, aus denselben Augen kommt, aus denen sie einst Tränen gezogen haben.
Abgesehen von den grotesken praktischen Effekten, mit denen die „Brundlefly“ erschaffen wurde, macht dieses tragische Monster so überzeugend, wie seine Bestrebungen ihn auf einen so völlig anderen Weg führen. Der Molekularphysiker Seth Brundle, der von seiner intensiven Reisekrankheit in der Kindheit herrührt, konstruiert ein Teleportationssystem als Alternative zum Reisen mit Fahrzeugen, nur um am Ende versehentlich in ein scheußliches humanoides Insekt zu mutieren.
Liebevoll gespielt von Jeff Goldblum mit seinem bekannten exzentrischen Witz, ist Seth Brundle in seinem alles verzehrenden Streben nach Innovationen jenseits der Grenzen menschlicher Fähigkeiten ziemlich fest verwurzelt, aber während sich sein Kurs ständig ändert, verschlechtert sich der Wissenschaftler buchstäblich an seinem eigenen Ehrgeiz. Unglücklicherweise stößt dies Ronnie (Geena Davis) weg, die einzige Person, die ihn jemals wirklich geliebt hat, und zwingt sie schließlich dazu, ihn von seinem Elend zu erlösen, in dem denkwürdig düsteren Schluss, der David Cronenbergs Update von zementiert hat Die Fliege als Body-Horror-Meisterwerk.