ichIn den kurzen Ausschnitten, die die Eröffnungsmontage von A Thousand and One bilden, ist klar, dass Autor und Regisseur AV Rockwell ein sicheres ästhetisches Gespür hat: Straßenecken voller Geschwätz und pulsierender 90er-Hip-Hop, Grüße und Handshakes, die Kakophonie von 1994 Brooklyn als es sich um Teyana Taylors sicheren Gang ohne Gefangene biegt. Wir treffen Taylors Inez zum ersten Mal ein Jahr zuvor in einer einzigen prächtigen Aufnahme auf Riker’s Island; Jetzt ist sie zurück, mit dem Piepser an der Hüfte, und sucht nach Terry (Aaron Kingsley Adetola), dem sechsjährigen Kind, das sie zurückgelassen hat.
Rockwells wunderschönes, aber wenig berauschendes Debüt, das über ein Jahrzehnt im sich schnell gentrifizierenden New York spielt, geht ohne Nachdruck vor sich, wie eine Sammlung kunstvoll inszenierter Vignetten, die lose aus einem einzigen impulsiven Akt herausgelöst wurden. Diese Tat – Inez, eine 22-jährige Friseurin, die unbedingt neu anfangen möchte, stiehlt Terry vor der Nase seiner Pflegefamilie – erscheint uns zunächst, wie es wahrscheinlich auch für die Charaktere der Fall wäre, weit weniger folgenreich und dramatisch, als sie ist. Trotz Inez’ Feuer und den Einsätzen ihrer misslichen Lage (keine Arbeit, kein Platz zum Leben, wenige Brücken ungebrannt, ein Verbrechen gegen den Staat) spielt sich die Flucht von Inez und Terry nach Harlem ab, durch die hinreißende Kinematographie von Kameramann Eric Yue und die Wärme von Gary Gunn Partitur, als fast träge und leicht.
Es ist bezeichnend für den verworrenen Ton des Films, der auf eine faszinierende, knifflige Mischung von Modi hindeutet – Wertschätzung für die Lebendigkeit von Harlem, eine Elegie für die vampirische Gentrifizierung des Viertels, die zurückhaltende Schönheit, es zu machen, eine klassische, düstere Underdog-Geschichte, direkt Melodrama – aber kämpft darum, sie zusammenzubringen. Wie Produzentin Lena Waithes ungekochtes, nicht autorisiertes frühes Whitney-Houston-Biopic „Beauty“ leidet „A Thousand and One“ unter einer Übertreibung von Stimmung und Ästhetik gegenüber Handlung, Tempo und, was am frustrierendsten ist, gelebten Dialogen.
Fast jede Aufnahme verkörpert kunstvoll ein Gefühl oder eine Eigenschaft: Hartnäckigkeit, wie Inez Terrys Zimmer malt, nachdem sie sich bemüht hat, einen Job und eine kleine Wohnung zu finden; Verlust, in der Art und Weise, wie sie ihren ehemals inhaftierten, gelegentlichen Liebhaber Lucky (William Catlett) betrachtet; Sehnsucht, die in der Familie ihre Hochzeit schafft; stählerne Verwundbarkeit, als Inez ihre Wohnung mit Eimern punktiert, nachdem der neue weiße Vermieter ihre Bitte ignoriert hat, kaputte Rohre zu reparieren. Aber abgesehen von Taylors brandaktueller Darbietung gibt es wenig Bindegewebe zwischen ihnen; Was ein Bauchschlag sein könnte, fühlt sich am Ende ziellos und oberflächlich an.
Der Film blüht mit der Zeit auf, so Terry. Die Verwirrung von 1994 verblasst bis 2001, als der 14-jährige Terry (Aven Courtney) in der Schule vielversprechend ist und Fragen zu seinem Hintergrund hat, dann bis 2005. Bis etwa zur Hälfte ist das Kind mehr Handlungsinstrument als Charakter (abgesehen von eine Montage des Sechsjährigen, der versucht, sich zu unterhalten, wenn er an einem Sommertag allein gelassen wird, während Inez arbeitet, der Moment mit dem größten Schmerz in einem Film, der an anderen Stellen viel stärker versucht, die Herzen zu erregen). Er sagt kaum etwas anderes als die ambosslastigen Zeilen, die nötig sind, um die Erwachsenen zu provozieren – warum verlässt du mich immer? Wo ist mein Vater? War ich ein Fehler? Je mehr Terry zu einer neugierigen, verwirrten, verletzten Person heranwächst, wie er es in den Händen von Josiah Cross tut, der ihn mit 17 spielt, desto treibender und emotional gewichtiger wird der Film. Und desto mehr sorgen Sie sich um seine Sicherheit vor den Kräften um ihn herum – Gentrifizierung, egozentrische und seelenlose Schulberater, New Yorks Stop-and-Frisk-Politik, unter anderem.
Taylor tut das Beste, um ein unterschriebenes Drehbuch zu kompensieren, das am Ende mit vagen Beweggründen in ein Melodrama übergeht. In ihrer ersten Hauptrolle auf der Leinwand verkörpert sie einen sengenden, schwierigen Charakter – kämpferisch und hart, schnell Liebe und mütterliche Zuneigung durch Wut und Schelte auszudrücken, äußerst loyal, aber verständlicherweise verbittert und einsam. Ihr Schauspiel kann sich manchmal zu langsam anfühlen, aber es ist schwer vorstellbar, dass der Film ohne ihre Gravitationskraft funktioniert.
A Thousand and One ist letztendlich am erfolgreichsten als Porträt des sich ständig verändernden, immer kriegerischen New York. Yues Kameraarbeit und Rockwells Auge für die Vitalität und Verwundbarkeit marginalisierter Gemeinschaften fügen Reichtum hinzu, wo einzelne Szenen dies nicht tun. Audiomontagen, die den Lauf der Zeit andeuten – ua Ausschnitte aus Reden der Bürgermeister Rudy Giuliani und Michael Bloomberg – vermitteln geschickt den Hintergrund von Inez und Terrys Handlungsbogen, ohne ihn zu vernebeln. Es ist bewegend genug und verheerend, die Gefahr zu verstehen, der Terry jedes Mal ausgesetzt ist, wenn er die Straße entlang geht, oder den Grund, warum Inez vor Stress fast vibriert, wenn er angehalten und durchsucht wird, ohne sich in eine völlige Tragödie zu verbiegen.
Das ist ein Fall, in dem die Hands-off-Qualität des Films zu seinen Gunsten wirkt. In vielen anderen ist es seine mäandrierende, stimmungsgeladene Art nicht. In Rockwells Debüt funktionieren viele Dinge gut, darunter auch Taylors Leistungschefin, aber das Endergebnis entspricht nicht der beeindruckenden Stärke ihres Charakters.