Tie Geschichte des japanischen Jazz handelt von Musik und Bewegung, aber auch von der Geisteshaltung einer Nation – eine gewagte Vision einer besseren Zukunft nach dem zweiten Weltkrieg, erklingt auf Klavier, Schlagzeug und Blechbläsern. Jazz ist eine ausgesprochen amerikanische Kunstform – neben Hip-Hop sogar die größte kulturelle Errungenschaft der USA – und eine gesunde Szene hatte sich in den 1920er und 30er Jahren gebildet, als amerikanische Musiker durch die Clubs von Tokio, Kobe und Osaka tourten. Aber Japan war historisch gesehen eine Inselnation – seine Politik der sakoku, das mehr als zwei Jahrhunderte lang den Kontakt zur Außenwelt stark eingeschränkt hatte, hatte erst in den 1850er Jahren ein Ende – und eine zunehmend nationalistische Regierung, die der Meinung war, dass der Jazz die japanische Kultur verwässerte, begann, hart durchzugreifen. Durch den zweiten Weltkrieg wurde „die Musik des Feindes“ geächtet.
Nach der Kapitulation des Landes führten die Besatzungstruppen umfassende Reformen durch. Amerikanische Truppen brachten Jazzplatten mit; Japanische Musiker nahmen Arbeit auf, um die Truppen zu unterhalten. Es gab eine Verbreitung des Jazz Kissa (Cafés), ein ausgesprochen japanisches Phänomen, bei dem die Einheimischen so lange sitzen und Platten hören konnten, wie sie wollten. Jazz war für manche der Sound der Moderne.
In diesen frühen Nachkriegsjahren kopierten japanische Musiker im Wesentlichen die Amerikaner, die sie bewunderten. „Das ist, was Sie tun“, sagt Mike Higgins, Co-Kurator der J Jazz Reissues-Reihe. „Man fängt an zu imitieren, dann assimiliert man und dann entwickelt man etwas.“
Higgins und sein Kuratorkollege Mike Peden, beide Briten, sind langjährige Sammler, die viel Zeit damit verbracht haben, Platten aufzuspüren, Labels zu recherchieren und über Obi-Streifen (einem Papierstreifen, der um japanische LPs gewickelt ist) zu grübeln. In den letzten Jahren haben die beiden für BBE Records an japanischen Jazz-Neuauflagen gearbeitet, typischerweise von Ende der 1960er bis Mitte der 1980er Jahre, einer Zeit fantastischer Innovationen, in der eine Generation von Musikern ihre eigene Stimme fand. Diese Veröffentlichungen waren Teil einer breiteren Welle des japanischen Jazz der Ära, die auf Labels wie Light in the Attic, Impex und We Release Jazz für westliche Ohren neu aufgelegt wurde.
„Es ist demütigend, dass es weltweit viele Leute gibt, die von dieser Art von Musik besessen sind“, sagt der Saxophonist Koichi Matsukaze. Matsukazes 1976er Album At the Room 427 wird diesen Monat als Teil der J Jazz Masterclass-Reihe neu aufgelegt und folgt der Neuauflage seines Klassikers Earth Mother von 1978 aus dem Jahr 2018. in meiner Musik“, fügt er hinzu. “All das ist meine Herkunft.”
Um die Geburt des modernen japanischen Jazz zu diskutieren, bietet Toshiko Akiyoshi eine wichtige Grundlage. Der Pianist wurde 1952 von dem Tourneestar Oscar Peterson in einem Club entdeckt und hatte eine glanzvolle Karriere zu Hause und in den USA. Akiyoshi war der erste japanische Künstler, der sich vom einfachen Kopieren amerikanischer Künstler löste und einen unverwechselbaren Klang und eine eigene Identität entwickelte, die japanische Harmonien und Instrumente einbezog. Mit 92 Jahren ist sie heute noch aktiv.
In den späten 1960er Jahren spornte das Beispiel von Akiyoshi, dem vielseitigen Saxophonisten Sadao Watanabe und anderen junge Künstler an, sich von der Blue Note-Mimikry zu Free Jazz, Fusion Funk, Spiritual, Modal und Bebop zu entwickeln. Diese wagemutigen Virtuosen implantierten Rock- und Elektronik-Elemente oder nahmen Einflüsse von Afrobeat und Flamenco-Musik auf. Der Wechsel von manieriertem Spiel zu freizügigem Individualismus spiegelte sich in einer Abkehr von scharfen Anzügen zu einem ungepflegteren Look wider, und Zusammenarbeit wurde wichtig: Nehmen Sie den Pianisten Masabumi Kikuchi, der mit anderen Künstlern schrieb und aufnahm, fast wie ein Guru Figur in der Szene.
Die technische Kompetenz japanischer Aufnahmestudios stellte sicher, dass viele der LPs zu den am besten klingenden Jazzplatten gehören, die jemals aufgenommen wurden, und obwohl es falsch wäre, eine Binärformel „unabhängig gut, Majors schlecht“ anzuwenden (große Plattenfirmen produzierten viel abgefahrene Musik auch) sahen die 1970er Jahre auch den Aufstieg kleinerer privater Labels in Japan wie Three Blind Mice, die individualistischen Künstlern zusätzliche Aufnahmemöglichkeiten boten.
„Man spürte eine Abdrift weg von den Kurzform-Hard-Bop-Nummern hin zu offenerer, freier Musik – eigentlich ziemlich psychedelisch“, erklärt Higgins. „Sie haben die Anzüge abgelegt und sich einfach so angezogen, wie sie sich kleiden wollten. Sie sind beeinflusst von dem, was Miles [Davis] macht in seiner elektrischen Musik, aber sie schreiben mehr von ihrem eigenen Material und improvisieren mehr.“
Auf die Frage, ob es seine Absicht sei, die Grenzen des japanischen Jazz auf seinen klassischen Alben First und Mine – zwei 1970 veröffentlichte Projekte, die diesen neuen, hemmungslosen Zugang zum Genre projizierten – zu verschieben, sagt der Saxophonist Kohsuke Mine: „So habe ich nicht gedacht überhaupt. Ich glaube, wir haben nur aufgenommen, was damals ganz natürlich herausgekommen ist.“ Matsukaze sah seine Musik jedoch als aktive Rebellion gegen seine musikalischen Vorfahren.
„In Japan gibt es diese ältere und untergeordnete Kultur“, erklärt er. „In der Musikszene sagen deine Vorgesetzten: ‚Oh, du musst Charlie Parker spielen.’ Ich war damals noch sehr jung und wuchs noch [musically]; es gab Studentendemonstrationen und die Gesellschaft in Japan war sehr unbeständig. Diese Art von Geist war auch im japanischen Jazz vorhanden. Ich war sehr gegen das Establishment. Manche Leute sagten: ‘Du solltest Standards spielen’, aber ich hasste es, das zu tun. Dagegen würde ich rebellieren. Damals hielt ich mich für einen Außenseiter.“
Matsukazes Musik verkörpert die Kraft und Leidenschaft dieser Ära. Der Titeltrack von Earth Mother – voller melodischer Hooks, elastischer Grundlinien und Zickzack-Soli – startete die allererste J Jazz-Compilation, und At the Room 427 geht weiter in die Vergangenheit. Matsukazes Debütalbum wurde im November 1975 vor einem kleinen Publikum in einem Klassenzimmer der Chuo University live aufgenommen. Auf Little Drummer streiten Matsukaze und seine kleine Band intensiv mit ihren Instrumenten, so dass es fast so klingt, als würden sie sich duellieren. Es bildet eine spannende, improvisatorische Komposition, wie ein Autofahrer mit verbundenen Augen auf der Autobahn, der seinen Fuß auf den Boden setzt, aber nie stürzt. Er mag die Erwartungen, die Klassiker zu spielen, abgelehnt haben, aber Matsukaze hebt sich vom Billie Holiday-Klassiker Lover Man ab, da sein schleichendes, sinnliches Saxophongeheul die Band wie eine brennende Fackel leitet.
Die Mitte der 1980er Jahre markiert das Ende des Zeitraums, der in der J Jazz-Serie behandelt wird. „Für mich wird es weniger interessant [after that], sie spielen MOR-Sachen“, sagt Higgins. „Die ganze Sache mit der digitalen Technologie kommt ins Spiel. Der Klang von Schlagzeug ändert sich, Keyboards ändern sich. Es gibt einen allgemeinen Klangton, diesen Glanz, der mich weniger anspricht.“
In den Jahren danach haben sich Europa und die USA einer jahrzehntelangen Faszination für die japanische Kultur hingegeben, die nicht nachzulassen scheint. Die Popularität von Anime ist auf einem Allzeithoch, während es ein neues Interesse am japanischen City-Pop-Genre der späten 1970er und 80er Jahre gab. Jetzt ist es der japanische Jazz, der reif für Ausgrabungen ist.
„Viele dieser Alben waren damals außerhalb Japans kaum zugänglich“, erklärt Stephan Armleder von We Release Jazz, aber das Aufkommen des Internets „verschaffte uns diesen wahnsinnigen Zugang zu einer riesigen Archivdatenbank für Musik: Blogs, Message Boards, YouTube, Discogs“ “.
Die Zusammenstellung einer Neuauflage ist kein einfaches Geschäft, da Rechteinhaber jahrzehntealte Verträge aufspüren und entstauben müssen: Es dauerte zwei Jahre, bis Peden und Higgins die Lizenz für jeden Song des ersten Bandes von J Jazz erhielten. Aber es lohnt sich für die Erhaltungsmaßnahmen, wie das 2018 neu aufgelegte Album Tachibana des Tohru Aizawa Quartetts. Higgins glaubt, dass nur etwa 200 Exemplare jemals gepresst wurden und viele davon von dem Mann verwendet wurden, der das Projekt finanziert hat – der Tachibana des Titels – als eine Art Visitenkarte, um für seine Hotels zu werben. Man kann sich leicht vorstellen, dass ein solcher Rekord mit der Zeit verloren geht.
Ein weiterer Klassiker, der online ein neues Leben gefunden hat, ist Ryo Fukuis Album Scenery: Ein Posting der LP von 1976, die 2015 hochgeladen wurde, hat fast 12 Millionen YouTube-Plays. Das Spiel des Pianisten ist glatt und nuanciert, während er durch amerikanische Klassiker wie It Could Happen to You navigiert. „Jetzt muss ich nur noch die Art von Person werden, die anspruchsvolle Dinnerpartys veranstaltet“, schrieb ein Kommentator auf YouTube.
„Ich bin erstaunt, dass all diese jungen Jazzfans auf der ganzen Welt von Ryo Fukuis Musik erfahren und sie wirklich mochten“, sagt seine Witwe Yasuko Fukui im Gespräch mit mir aus ihrem Jazzclub Slowboat, den sie bis zu seinem Tod 2016 mit Ryo leitete „Ich freue mich aufrichtig, dass dies geschieht.“
In der nördlichen Stadt Sapporo lebend, konzentrierte sich Fukui darauf, sein Handwerk zu verbessern, als ein Regisseur von Trio Records auf einer Geschäftsreise zufällig eine Live-Performance des Ryo Fukui Trios sah. „Anfangs dachte Ryo, seine Fähigkeiten seien nicht gut genug, um aufgenommen zu werden, also sagte er nicht schnell zu“, sagt Yasuko. “Aber der Regisseur war hartnäckig.” Fukui legte ein Jahr später mit dem Album Mellow Dream nach, verbrachte den Rest seines Lebens jedoch nur sporadisch mit Aufnahmen. Er konzentrierte sich darauf, den Slowboat-Club in Sapporo zu leiten, wo er bis zu viermal pro Woche auftrat. Schließlich tauchten Fans im Club auf, die seine Arbeit von YouTube kannten.
Fukui starb 2016. Zwei Jahre später wurde Scenery von We Released Jazz auf Vinyl verdrängt. „Ryo Fukui verkörpert für uns die Magie des japanischen Jazz“, sagt Armleder. „Er verbindet wahren Respekt vor der Tradition und der Geschichte des Jazz mit der Hingabe, sein Können zu perfektionieren und bringt sein eigenes Flair und seine Leidenschaft ein.“
Die Popularität solcher Wiederentdeckungen führt dazu, dass der Preis für original japanische Jazzpressungen in die Höhe geschossen ist. Higgins, eine der Hauptfiguren, die dieses Interesse antreibt, sagt, dass er es sich heutzutage nicht leisten kann, seine persönliche Sammlung aufzubauen, obwohl ich darauf hinweisen möchte, dass der Wert seiner Sammlung in die Höhe geschossen ist. „Das ist einer der Gründe, warum wir sie neu auflegen wollen“, sagt er zu den steigenden Kosten. „Es ist schön, eine Originalkopie zu haben, aber ich habe nie die Idee abonniert, in einem Jazzbunker zu sitzen und meine Originale umklammert zu halten. Ich möchte, dass die Leute sie hören.“
Diese Neuauflagen mögen auf brandneuem Vinyl gepresst sein, aber zwischen den Grooves spürt man immer noch, dass sich etwas ändert. Es ist der Klang der Katharsis für diese Musiker, für die keine Grenze über dem Test stand.
Mit Dank an Kensuke Hidaka für seine Tätigkeit als Übersetzer.