ichIn diesem Sühnezeitalter – dem Zeitalter des skeptischen Blicks auf alte Annahmen – kommt das amerikanische Musical auf den Prüfstand. Es ist schwer vorstellbar, dass eine Show effektiver neu gedacht wird als die Broadway-Produktion von Daniel Fish und Jordan Fein Oklahoma!.
Rund um das von Laura Jellinek und Grace Laubacher gestaltete Bühnenbild aus hellem Holz hängen Gewehre über den Köpfen der Zuschauer, die sich auf beiden Seiten der Bühne gegenüberstehen, als seien sie bereit zum Hacken – oder Mähen. Daniel Klugers Neuorchestrierung hat der Musik, die von einer Streicherband auf der Bühne gespielt wird, die Üppigkeit genommen: Country-Twanging, in Rock brüllend, einen Refrain klingen lassen, der weniger wie ein Cowboy-Geschrei als wie ein Kriegsschrei klingt, aber dennoch in der Lage ist, mit Menschen intim zu werden Wird sagen, dass wir verliebt sind. Da es sich um eine Produktion ohne Verkleidung handelt, sind die Lichter des Hauses für einen Großteil des Abends eingeschaltet, aber Scott Zielinskis Beleuchtung taucht die Handlung für einige verstörende Begegnungen in völlige Dunkelheit und färbt die Luft zur Fantasiezeit in ein unheimliches Türkis. Das hoffnungsvolle junge Paar Curly und Laurey wurde zuletzt in blutbespritzter Hochzeitskleidung gesehen.
Das Töten, das dieses Ende auslöst, wurde verändert, noch unheimlicher gemacht, doch im Allgemeinen ist es nicht eine einfache Änderung, sondern eine Neubetonung, die dies ausmacht Oklahoma! sich so neu anfühlen, zusammen mit fein neu kalibrierten zentralen Darbietungen. Als Jud, der isolierte Handlanger, spukt Patrick Vaill die ganze Zeit auf der Bühne durch das Geschehen und wirft einen Außenstehenden auf alle Andeutungen traditioneller Dress-Wushing-, Chap-Slapping-, Pizzicato-Pony-Trab-Fröhlichkeit. Curly von Arthur Darvill und Laurey von Anoushka Lucas sind weniger gesund als sexy und spöttisch. Der Triumph besteht darin zu zeigen, dass der Auftrieb nicht von dunkleren Aspekten getrennt ist, sondern von ihnen abhängt.
Es gibt Subtilität von Liza Sadovy – frisch von Kabarett Erfolg – und feiner, düsterer Deadpan von James Davis. Und Köstlichkeiten. Marisha Wallaces glorreiche Stimme beschwört Bewunderer herauf wie eine Glocke und verwandelt I Cain’t Say No von einer Comic-Nebenshow in eine Hymne. Hin und wieder gibt es einen Hauch von Selbstbewusstsein, zu hart daran zu arbeiten, einen Punkt zu drücken, aber das Detail ist unermüdlich. Allein die Maiskolben sind eine These wert: Für ein Picknick präpariert, werden sie von einer Frau gierig auseinandergerissen, von einer anderen sorgfältig seziert. Oh, und wirbelten herum wie Phallusse.
Wiederaufbau ist das diesjährige Thema Brighton-Festivalgemeinsam kuratiert von der syrischen Architektin Marwa al-Sabouni und Tristan Sharps, dem künstlerischen Leiter des in Brighton ansässigen Site-Responsive-Unternehmens Traumdenken. Al-Sabouni hat an der Front einen Säulengang geschaffen – der Riwaq, ein Pop-up-Raum, der zwischen Innen und Außen schwebt. Inzwischen Sharps Entkette mich verwebt sich in und aus Stadtgebäuden und zielt darauf ab, die Notwendigkeit der Rekonstruktion des Innenlebens und der sozialen Strukturen zu untersuchen. Wenn nur das Ergebnis so dynamisch wäre wie die schillernde Neuinterpretation von Hamlet durch das Unternehmen vor 10 Jahren.
Entkette mich hebt von Dostojewski ab Die Besessenen, in dem eine revolutionäre Bande mit einem instabilen Anführer Chaos in einer Stadt anrichtet. Hier beinhaltet die Handlung einen Kampf um das Herz von Brighton. Eine böse Cheffigur, die Gouvernante, die die Stadt aus persönlichem Profit regiert, wird von einer Gruppe herausgefordert, die fest entschlossen ist, dass Entscheidungen von „dem Volk“ getroffen werden sollten; aber ist ihr eigener Anführer zuverlässig?
Das Publikum – behandelt als potenzielle Rekruten und anfällig für gefährliche Einflüsse – wird in Gruppen eingeteilt und auf verschiedene Routen mit demselben Ziel gebracht. Jeder folgt den Anweisungen auf iPads (mit Warnungen vor Eindringlingen) und der Anleitung von „Aktivisten“, die sie durch die Gärten des Pavillons führen, durch einen unterirdischen Tunnel (wo eine verschlossene Tür mit der Aufschrift „Fauler Wäscheladen“ gekennzeichnet ist) und an verschlossenen Museumsvitrinen vorbei (beschrieben als „geplünderte Artefakte“) und schließlich ins Gerichtsgebäude zu einer Abrechnung zwischen der Gouvernante und den Gegnern. Hin und wieder hält man für einen Vortrag an: von den Aktivisten über Regierungsversagen oder um von einem Undercover-Cop über die Unzuverlässigkeit der Aktivisten zu hören.
Die Bedrohungsstufe ist gering. Die Reden sind gestelzt. Die Geographie ist nicht überraschend genug: Manchmal fühlt es sich an, als würde man nur 10.000 Theaterschritte machen. Am schädlichsten ist, dass dem Publikum, das ständig gehetzt und angeredet wird, die Kraft zur Interaktion und Neugier ausgesaugt zu werden scheint. Die Absicht ist vermutlich, Fragen nach Fügsamkeit und Widerstand aufzuwerfen: Welchen Weg würden Sie einschlagen? Doch die Alternativen werden so hartnäckig und tendenziös gestellt, dass sie die Neugier vertreiben.
Nur die letzte Szene flackert mit den üblichen Beleuchtungen von dreamthinkspeak. In einem Raum versammelt, sieht sich das Publikum Videos von Schauspielern/Aktivisten an, die über Radikalisierung berichten. Hinter ihnen blicken Fenster auf die Straßen von Brighton und ahnungslose Zivilisten. Lautlos erscheinen Schauspieler in ihren Rahmen, wie zum Leben erweckte monochrome Gespenster. Alle werden beobachtet.
Beru Tessemas einfühlsames erstes Stück hat ein unruhiges Zentrum, hüpfende Dialoge, ein helles, realistisches Design (eingeklemmte Fenster in einer Sozialsiedlung) von Frankie Bradshaw und eine beeindruckende Leistung von Michael Workeye, der gerade seinen Abschluss gemacht hat und über die Bühne schlurft und seine Hosen hochzieht , der seinen Rap ausschüttet, auf halbem Weg zwischen Unbeholfenheit und Befehl. Die Handlung von Haus Ife – ausgelöst durch den Tod eines jungen Mannes, der seiner Familie teilweise entfremdet ist – entfaltet sich uneinheitlich, manchmal überdeutlich, aber es hat eine besondere neue Kante, die in Lynette Lintons lebhafter Inszenierung deutlich wird. Die Familie ist zwischen Addis Abeba und London aufgeteilt; jeder sucht nach einem Leben, das die Erfahrungen beider Länder beinhaltet. Und buchstäblich eine Sprache. Ist Amharisch, das so oft in Londoner Geschäften und Straßen zu hören ist, jemals zuvor auf der englischen Bühne zu hören gewesen? Es hat jetzt.
Sternebewertung (von fünf)
Oklahoma! ★★★★
Entfesseln Mir ★★
Haus Ife ★★★
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Oklahoma! ist am Young Vic, London, bis 25. Juni