A Die Geschichte von zerbrochenen Kindheitsbanden landet einen gewichtigen emotionalen Schlag in Autor und Regisseur Lukas Dhonts Oscar-nominiertem zweiten Film, einem herzzerreißenden Coming-of-Age-Film, der Belgien in der besten internationalen Spielfilmkategorie repräsentiert und der den Grand Prix in Cannes teilte letztes Jahr. Erstaunlich natürliche und einnehmende Darbietungen der jungen Newcomer Eden Dambrine und Gustav De Waele verleihen einem Film, der auf dem Versprechen von 2018 aufbaut, von Herzen kommende Authentizität Mädchen, Dhont als geschickten und einfühlsamen Chronisten der turbulenten Qual und Ekstase der Adoleszenz zu bestätigen.
Wir treffen Léo und Rémi an der Schwelle ihrer Teenagerjahre, kurz vor der Sekundarschule. Beste Freunde, sie sind wie zwei Seiten einer gespaltenen Seele, die in einer Blase der Schauspielerei zusammengeschlossen sind, die die Welt um sie herum in ein Feld der Träume verwandeln kann. Alles an ihnen ist perfekt synchron; körperlich, geistig, emotional. Eine frühe Einstellung der beiden Jungen, die Seite an Seite durch ein Feld bald geernteter Blumen rennen, platzt förmlich vor Freude und erinnert an die leuchtenden Maisfelder, in die unser junger Held in Lynne Ramsays flüchtet Rattenfänger.
Nichts kann zwischen dieses Paar kommen, bis Mitschüler beginnen, ihre Nähe zu bemerken und zu kommentieren. “Seid ihr zusammen?” fragt ein Mädchen, und als Léo „Nein!“ antwortet, lautet die Folgefrage: „Sind Sie sicher?“ Während Rémi schweigt, reagiert Léo entsetzt, zieht sich von seinem ständigen Begleiter zurück und richtet seine Aufmerksamkeit stattdessen auf die rauere Welt des Eishockeys, in der Jungs Jungs bleiben und Gesichter mit Schutzmasken bedeckt sind. Was Rémi betrifft, so bricht seine Unfähigkeit, Léos Ablehnung zu verstehen (vielleicht verbunden mit einem tieferen Verständnis dessen, was vor sich geht), in Wut, Isolation und dann in etwas noch Tragischeres aus.
Mit Mädchendie 2018 die Caméra d’Or und die Queer Palm in Cannes gewann, wurde Dhont in einigen Kreisen beschuldigt, die Geschichte einer jungen Transgender-Balletttänzerin mit Oliver Whitney in der Rolle ausgenutzt zu haben Hollywood-Reporter Nennen wir es „sadistisch … gemacht für ungebildetes Cisgender-Publikum fühlen wie sie es verstehen“. Es ist möglich, dass die selbstverletzenden Aspekte von Schließen kann in ähnlicher Weise Anschuldigungen wegen melodramatischer Erfindung oder tränenreicher Manipulation provozieren. Doch das Register des Films bleibt so entschieden zurückhaltend, dass selbst seine offenkundig dramatischsten Szenen durch ein Gefühl von Distanz und Untertreibung gemildert werden. Es ist ihr großes Verdienst, dass die Drehbuchautoren Dhont und Angelo Tijssens ihren Figuren niemals erlauben, uns direkt zu sagen, was wir bereits erraten haben. Stattdessen vertraut der Regisseur seinen Schauspielern und seinem Cutter Alain Dessauvage die erzählerische Schwerstarbeit an und erlaubt es der unaufdringlich intimen Kameraführung des Kameramanns Frank van den Eeden, sich auf die Gesichter der Protagonisten und auf die subtilen Bewegungen und Gesten ihrer Körper zu konzentrieren.
Es hilft, dass die erwachsenen Spieler genauso überzeugend sind wie ihre jungen Kollegen, insbesondere Émilie Dequenne, die zum ersten Mal berühmt wurde, als sie die Teenager-Titelrolle in der Palme d’Or-Gewinnerin der Dardenne-Brüder von 1999 spielte Rosette, für die sie in Cannes einen Preis als beste Schauspielerin erhielt. Jetzt, ein paar Jahrzehnte später, spielt sie Rémis Mutter Sophie, in deren fürsorglicher Gesellschaft Léo sich zu verlieren scheint. Eine Szene, in der die Jungs und Sophie zusammen in einer Idylle im Freien liegen, während sie über ihre relative Zuneigung zu ihr scherzt, ist glücklicherweise unbewacht und lässt das Trio als Teil einer glücklichen Familie wirken. Später, als Rémis Vater beim Abendessen leise in Tränen ausbricht, sind es Léos Verlust- und Schuldgefühle, die den deutlichsten Ton anschlagen.
Eine hervorragende Partitur von Valentin Hadjadj fängt den messerscharfen emotionalen Ton des Bildes perfekt ein, mit spiralförmigen Motiven und einsam aufsteigenden Saiten, die sowohl die flatternden Herzen als auch die sengende Verwirrung seiner Hauptfiguren heraufbeschwören. Es ist eine wunderschöne Begleitung, voller Sehnsucht und Verlust auf eine Weise, die mich ein wenig an Nicholas Britells Arbeit an Barry Jenkins’ Oscar-Gewinner erinnerte Mondlicht. Beide Filme beschäftigen sich mit der jugendlichen Identitätssuche – der überwältigenden Traurigkeit, den unendlichen Möglichkeiten der Vergangenheit den Rücken zu kehren, den schuldhaften Lasten der Gegenwart und der flüchtigen Hoffnung auf Erlösung in der Zukunft. Kein Wunder, dass ihre jeweiligen Partituren so harmonisch zusammenspielen.