EINNach ihrem Studium der Kunstgeschichte an der Middlesex University arbeitete Sadie Coles, 59, bei Arnolfini in Bristol, dann in der Galerie Anthony d’Offay, wo sie sich auf jüngere Künstler wie Sarah Lucas und Grayson Perry spezialisierte. 1997 gründete sie ihre einflussreiche Galerie, Sadie Coles-Hauptquartier, im Londoner West End. Zu den Künstlern, die sie vertritt, gehören Lucas, John Currin, Helen Marten und Alvaro Barrington. Im vergangenen Jahr wurde ihr ein OBE für Verdienste um die Kunst verliehen.
Wie hat sich der Brexit auf Ihr Geschäft ausgewirkt?
Interessant ist die Wahrnehmung, dass es [trade] wird schwieriger. Post-Brexit-London ist immer noch eine Weltklasse-Stadt und funktioniert immer noch hervorragend in Bezug auf Ort, Sprache und Zeit. Ich habe also das Gefühl, dass es eine schmerzhafte Zeit geben wird, in der die Menschen verstehen, dass die Barrieren, die sie sich eingebildet haben, nicht wirklich da sind. Ein bisschen Korrektur ist eine gute Sache, weil es jeden dazu bringen wird, sich mehr Mühe zu geben, Dinge zu überdenken und ein bisschen kreativer zu sein.
Wie entscheidest du, dass du mit einem Künstler arbeiten möchtest?
Ich sehe etwas, das mich neugierig macht. Arbeit, die etwas Originelles tut und die Nadel bewegt. Ich frage andere Künstler, wen sie mögen oder wen sie anschauen. Oder Kritiker oder Museumsleute. Ich sehe viele Shows, also war der Lockdown ziemlich schwierig, weil das zwei Jahre ohne Reisen waren, was bedeutete, dass Sie Shows digital statt im wirklichen Leben anschauten.
Hast du entscheiden, mit jemandem von etwas zu arbeiten, das Sie nur online gesehen haben?
Nein. Ich will immer etwas sehen und mit dem Künstler sprechen. Zu gehen und in ihrem Studio zu stehen. Ich möchte ihre Leidenschaft für das, was sie tun, spüren. Wenn Sie ein Programm für Ihre Galerie zusammenstellen, darf es keine Monokultur sein. Sie möchten die Welt widerspiegeln, und die Welt ändert sich ständig. Die Kunst ist in den letzten zwei, drei Jahren politischer geworden, weil sich die Probleme, mit denen wir konfrontiert sind, geändert haben und unsere Ängste akuter geworden sind.
Sie sagen „politischer“, gibt es noch andere Markenzeichen?
Künstler nutzen neue Medien und Plattformen, um Kunst zu machen, und NFTs [non-fungible tokens] sind ein Beispiel dafür, obwohl ich persönlich den Namen für ein Ablenkungsmanöver halte. Wir sollten „digitale Kunst“ sagen, weil es nur ein neues Medium ist, das Künstler über eine neue Technologie, die Blockchain, verwenden. Das ist also eine Veränderung, aber viele Art und Weise, wie Menschen kommunizieren, haben sich geändert. Offensichtlich gab es während des Lockdowns einen Boom bei Menschen, die Kunst digital betrachteten und kauften. Aber das war schon immer passiert. Die Leute kauften Kunst von Jpegs vor dem Lockdown. Die größte Revolution in meiner ganzen Zeit als Kunsthändler war das Internet, denn als ich anfing für Anthony d’Offay zu arbeiten, gab es noch keine Faxgeräte, kein World Wide Web. Die Tatsache, dass Sie von Ihrem Schreibtisch aus ein globales Publikum erreichen konnten, hat den Kunstmarkt zu einem neu demokratisierten, offenen Marktplatz gemacht.
Gibt es Parameter dessen, was ein NFT kann und kann es nicht sein oder existiert es nur als digitales Ding?
Wir stehen ganz am Anfang, wo digitale Kunst leben und gesammelt werden kann und was Künstler damit als Medium machen. Es wird große Entwicklungen und Innovationen geben, die sich auf die Inhalte auswirken und aus dem Inneren des Mediums kommen.
Sie definiert sich also gerade selbst?
Großartige Kunst ist großartige Kunst. Wenn also ein Künstler etwas wirklich Interessantes in digitaler Form macht, ist das für mich genauso aufregend wie jemand, der ein großartiges Gemälde malt.
Deine erste Galerie war online Heddon-Straßedirekt neben dem Ort, an dem die Ziggy Stardust Ärmel wurde geschossen. War das K. West Schild noch da? Ja, als ich zum ersten Mal geöffnet habe.
Und hast du Leute kommen und posieren sehen?
Viele Touristen. Die Telefonzelle ist immer noch da, also gibt es immer noch Leute, die Bilder machen. Als David Bowie starb, lag ein riesiger Blumenhaufen – im Stil von Prinzessin Diana – auf der Straße, wo das Schild gewesen wäre.
Ist er jemals in Ihre Galerie gekommen??
Er kam zu Sarah Lucas’ erster Show, die wir als sogenanntes Pop-up in einem Lagerhaus in der St. John Street gemacht haben. Er kam mit Charles Saatchi und war damals wirklich an der ganzen Energie der YBA-Gruppe interessiert. Er hat uns alle zu einem Konzert eingeladen, erinnere ich mich.
Gab es eine bestimmte Kunstwerk, das Ihnen klar machte, dass Sie Galerist werden wollten?
Eines der ersten Objekte, das mein Interesse geweckt hat, war die Maske des Tutanchamun. Ich war ungefähr 10. Wir standen sechs Stunden an, um hineinzukommen, und da war dieses Gefühl der Vorfreude und Aufregung, und dann dieser dunkle Tunnel, der den Eintritt in die Pyramiden nachahmte. Und dann das hellblaue und goldene Ding ganz unten – ich dachte mir irgendwie: „Oh, aah, das ist es, was ich in meinem Leben will!“
Wir trafen uns, als Pulp darum bat, Reproduktionen von Gemälden von John Currin in dem Video zu verwenden Helfen Sie den Alten – Hatten Sie Bedenken, die Arbeit eines Künstlers in einem Pop-Video verwenden zu dürfen?
Nein, denn die Synergie zwischen Johns Arbeit und Ihrer Vision war perfekt. In diesem Moment herrschte bei Pulp diese Art von Loucheness. Zum Beispiel liebe ich diesen Song Underwear wirklich und das könnte Johns einzigartiger Vision nicht näher kommen.
Mir gefiel auch, wie undogmatisch Sie beim Anfertigen von Repliken der Gemälde waren, wenn Sie sich erinnern. Sie sind immer noch im Büro von Rough Trade, sehr verblasst, weil ich neulich vorbeigegangen bin und sie gesehen habe. Aber Sie fanden es in Ordnung, dass wir uns die eigentlichen Kunstwerke nicht ausleihen mussten, um sie für das Video im Landhaus aufzustellen. John war von deiner Musik begeistert. Es wurde viel geteilt, also fühlte es sich richtig an, und Sie sind gute Freunde geblieben.
Was ist die Initiative IGA (International Galleries Alliance), die Sie gerade ins Leben gerufen haben?
Es kam aus dem Lockdown. Da war dieses Gefühl, das jeder hatte, vom Unbekannten und wie man damit umgeht. Und dann wurde das zu einer eher konzeptionellen Frage, wie die Zukunft der Kunstwelt aussehen wird und wie wir zusammenkommen, um stärker zu werden. Mittlerweile gibt es weltweit 260 Mitglieder.
Ich hoffe, dass ein Teil der Zusammenarbeit und kollegialen Kommunikation, die während des Lockdowns stattfand, fortgesetzt wird. Ich denke, die Isolation machte reale Erfahrungen – zum Beispiel einen Spaziergang in einen Park – viel wünschenswerter als zuvor. In vielerlei Hinsicht bedeutet die Tatsache, dass wir so digital gesättigt sind, dass Erfahrungen aus der realen Welt wertvoller denn je sind.
Es gibt immer dieses Missverständnis, dass technologische Fortschritte das Ding vor ihnen töten werden, aber sie verbessern dieses Ding tatsächlich oft. Ich glaube also nicht, dass das Digitale Kunst oder Objekte oder IRL-Erlebnisse ersetzen wird.
Wir werden nicht alle gezwungen sein, für den Rest unseres Lebens im Metaversum zu leben?
Nein! Die eigene Erfahrung im Metaversum kann einen sehr wohl zur wirklichen Erfahrung führen oder umgekehrt – es ist eine Verbesserung, nehme ich an, so sehe ich das.