‘ICH möchten, dass die Menschen erkennen, dass Menschen mit Behinderungen in einer ganz anderen Welt leben“, sagt sie Caroline Cardus. Ihr Kunstwerk, eines von 30, die am Samstag in Galerien in ganz Großbritannien ausgestellt werden, zeigt Szenen aus dem Jahrzehnt der britischen Sparmaßnahmen – es gibt sogar einen magischen Geldbaum – und bittet die Zuschauer, die brutalen Auswirkungen zu bedenken, die diese politischen Entscheidungen auf behinderte Menschen hatten. So weit, so konventionell.
Außer, dass ihr Medium Kuchen ist und die Sparszenen aus Fondantglasur gemacht sind. Cardus wollte die Spannung erforschen, die entsteht, wenn die Politik, dass Menschen zu arm zum Essen sind, in einem frivolen Lebensmittel verkörpert wird – lass sie Kuchen essen, der groß geschrieben wird. Während der Show um MK-Galerie von Milton Keynes, wird Cardus einen Künstlervortrag (der Hinterhalt einer bestimmten Person durch einen Kuchen kann vorkommen) über die Auswirkungen der Sparmaßnahmen auf behinderte Menschen halten, was das absurde Gefühl des Kontrasts noch mehr verstärkt. „Ich mag Humor in meiner Arbeit, auch wenn es schwarzer Humor ist – und das hier wird ziemlich düster“, sagt sie.
Cardus’ Arbeit ist Teil einer koordinierten eintägigen Übernahme von Museen und Galerien durch behinderte Künstler. Betitelt Wir sind unsichtbar, wir sind sichtbar (WAIWAV), zielt jedes Kunstwerk darauf ab, einen verborgenen Aspekt der behinderten Erfahrung aufzudecken. Die Auswahl der Stücke ist so vielfältig wie die Behinderung selbst – es gibt Performances, visuelle Installationen und Lesungen mit gesprochenem Wort, die über das ganze Land verteilt sind, von Gateshead bis St. Ives und Belfast bis London. Jedes versucht, einen Aspekt des Lebens hervorzuheben, in dem behinderte Menschen als ausgeschlossen gelten, aber tatsächlich vorhanden sind: Eine Intervention in Derry untersucht den Begriff des „zugänglichen Protests“, während eine andere in Colchester die Choreografie für gehörlose Tänzer untersucht.
Die WAIWAV-Übernahme wurde von Mike Layward, dem künstlerischen Leiter der Behinderten-Kunst-Wohltätigkeitsorganisation, organisiert Bindestrich. Er betont den satirischen Faden in vielen Kunststücken für Menschen mit Behinderungen, einschließlich derer, die für dieses Projekt ausgewählt wurden. Nach Sparmaßnahmen und einer Pandemie, bei der behinderte Menschen durch Regierungsversagen verletzlich gemacht wurden, gibt es Wut sowohl in der Behindertenpolitik als auch in der Gemeinde, aber er wollte nicht, dass das Projekt wütend wird. „Das ist nicht fair, Leute hochzuspielen“, die nur gekommen sind, um Künstler zu unterstützen, sagt er, zumal viele im Publikum möglicherweise auch Opfer staatlicher Kaltschnäuzigkeit geworden sind.
Stattdessen, sagt Layward, habe er sich für Arbeiten entschieden, die „einen Vorteil haben. Wir hatten eine wirklich lange Diskussion [with the artists] darüber, dass einige Leute sich unwohl fühlen werden, wenn Sie so etwas tun. Solange sie wegziehen können, ist das kein Problem. Ich war besorgt, dass einige Künstler dachten, sie müssten das, was sie taten, dämpfen, und das sollten sie nicht.“
Layward ließ sich von der dadaistischen Bewegung inspirieren, die am Ende des Ersten Weltkriegs als Reaktion auf die Schrecken Europas entstand. Wie die spätere Behindertenkunstbewegung der 1970er und 80er Jahre nutzte der Dadaismus den Surrealismus, um über reale, schwierige Themen zu sprechen, und verwendete häufig Abfall als künstlerisches Material, um das auf den Schlachtfeldern vergeudete Leben zu evozieren. „Ich bin immer vorsichtig, Covid mit einem Krieg zu vergleichen“, sagt Layward, „aber manchmal fühlte es sich so an [for disabled people]. So lag es nahe, die beiden Bewegungen miteinander zu verbinden. Ich wollte fragen, wie Dada gewesen wäre, wenn es 2020 begonnen hätte, nicht 1917.“
Diese miteinander verflochtenen Ideen von Surrealismus, Humor und einer schlagkräftigen politischen Botschaft sind alle in einer anderen der Interventionen präsent. Lisette Auton‘s Beitrag, der unter angezeigt wird Mama (Middlesbrough Institute of Modern Art) ist eine Fortsetzung ihres langjährigen Projekts Writing the Missing. Bei der Aufführung kreiert Auton ihr eigenes Outfit – ein Kleid – aus Origami. Jedes Stück, das im Laufe des Tages hinzugefügt wird, enthält ein „Fehlen“ – das heißt, ein Teil der behinderten Erfahrung, der ignoriert oder gelöscht wird. Viele von ihnen werden vom Publikum zur Verfügung gestellt, das seine Vermissten auf Zettel schreibt, die sich zu winzigen Sternen verwandeln. Die Stars werden dann zusammenkommen, um eine Schleppe für Autons neu zusammengestelltes Ballkleid zu bilden. So wird das Unsichtbare sichtbar gemacht.
Die Sterne sind kompliziert und entzückend und Auton hat mehr als 600 von ihnen von Hand gefertigt. Wie bei Cardus’ Kuchen kontrastiert das Vergnügen, sie anzusehen, mit dem Wissen, dass sie Geschichten über Schmerzen enthalten. Auton sieht Vermisste in allen Facetten des behinderten Lebens. Sie spricht von den Jahren, die sie verloren hat, weil sie sich weigerte, sich als behindert zu identifizieren, als sie das soziale Modell der Behinderung oder die Behindertenkunstbewegung nicht gefunden hatte. In dieser Erzählung fehlt jeder behinderten Person etwas: Ausgrenzung oder Einsamkeit oder verpasste Gelegenheiten. Aber es gibt auch das kollektive Fehlen der Unsichtbarkeit behinderter Menschen in Medien, Politik und Kultur. Auton argumentiert, dass sie als verwundbar eingestuft und angewiesen wurden, drinnen zu bleiben, während die Welt ohne sie weitergeht.
Es gibt „Wut und Protest“ in der Arbeit, räumt Auton ein, aber das Wort, das sie am häufigsten verwendet, wenn sie ihre Installation beschreibt, ist „freundlich“. Es ist hervorragend zugänglich und die Menschen können sich einbringen oder einfach nur beobachten, ob im Stehen, Sitzen oder Liegen. Auch Auton wird während der Show ein Nickerchen machen; Sie beabsichtigt, Künstlern mit Schmerzen oder Müdigkeit „dauerhafte Leistung zurückzugewinnen“.
Aaron Williamson‘s Installation bei Birminghams Ikon-Galerie stellt die Absurdität in den Mittelpunkt. Inspiriert von den Schlachtschiffen des Ersten Weltkriegs, die auf die traditionelle Khaki-Tarnung zugunsten sogenannter „Dazzle Stripes“ verzichteten, hat Williamson einen Anzug mit hochgeometrischer Tarnung entworfen.
An diesem Tag wird er sich sichtbar in seiner Installation verstecken – sichtbar und unsichtbar – und das Publikum herausfordern, eine 3D-Brille aufzusetzen und ihn zu finden. Er sagt: Menschen mit Behinderungen sind hier, wenn sich die Gesellschaft nur die Mühe machen würde, sie zu sehen. „Menschen treten auf Eierschalen“, wenn es um Behinderungen geht, sagt Williamson, und der Spielsinn, der seinem Versteckspiel innewohnt, hilft ihnen, ihre Hemmungen abzubauen und sich zu engagieren. Und, sagt er, der einzig vernünftige Weg, auf den Umgang mit behinderten Menschen zu reagieren, sei mit Absurdität. „Man muss lachen“, schließt er.
Hätte die Dada-Bewegung im Jahr 2020 begonnen, hätte sie mit Sicherheit so ausgesehen: 30 behinderte Künstler übernehmen die führenden Kulturinstitutionen des Landes für einen Tag voller Satire, Spaß und Performance. Es würde sich mit schwierigen Themen auseinandersetzen und nicht davor zurückschrecken, den Menschen Unbehagen zu bereiten. Es würde das Publikum auffordern, nach den fehlenden Teilen zu suchen, und es gleichzeitig zum Lachen bringen. Es würde die Erfahrungen derer einbringen, die so oft außen vor bleiben, und sie mit Freundlichkeit behandeln. Und natürlich würde es einen riesigen Kuchen beinhalten.