FIn Lily van der Stokkers neuer Ausstellung „Thank You Darling“ erblühen Untertöne in Zeichentrick-Euphorie. In einem rechteckigen Wandgemälde wiederholen sie sich wie geistesabwesende Kritzeleien an den Rändern von Schulheften. Das Wort „DANKE“ ist in die Ecke des Wandgemäldes gemalt, als scheinbar einfache Dankbarkeit für schöne Farben und Formen. Diese Arbeit kommt sogar mit einem echten roten Sofa zum Zurücklehnen und einer Vase mit Blumen zum Riechen. Könnte Kunst lässiger wirken?
Die bonbonfarbenen Installationen des niederländischen Künstlers, in denen Wandmalereien in psychedelischen Schnörkeln Wände und Ecken hinaufschleichen, kommentiert mit Worten und Gesprächs- oder Gedankenfragmenten, haben seit drei Jahrzehnten eine breite Fangemeinde. Ein früher Blumenstrauß zierte ein T-Shirt von Viktor & Rolf. John Waters, der Kultregisseur des „Trash“-Kinos, ist es ein lautstarker Verehrer. Zu den öffentlichen Kunstprojekten von Van der Stokker gehören die rosafarbene Lackierung eines gesamten Gebäudes für die Weltausstellung 2000 in Hannover und die Gestaltung einer überdimensionalen Chintzy-Teekanne, die auf einem Einkaufszentrum in Utrecht steht. Doch trotz aller Popularität der Werke verbergen sich knifflige Fragen zu Kunst und Alltag unter der Zuckerschicht aus Kinderzimmer-Pastellen, Kaugummi-Rosa und schillernden Fluor-Tönen.
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Van der Stokker führt ihren Stil auf ihre Zeit an der Kunsthochschule in den 1970er Jahren zurück, als monochrome Abstraktion dominierte und Debatten über den Tod der Malerei schwirrten. „Ich fing an, alles zu hinterfragen: Warum Kunst machen? Was geben? Wer braucht etwas, was ich tue?“ sie erinnert sich. Eine Antwort war, die Malerei auf das Wesentliche zu reduzieren: ein Rahmen mit vier Ecken, in dem Dinge passieren. Dann begann sie, die Schlichtheit und allumfassenden Muster, die von verehrten abstrakten Malern verwendet werden, auf eine ganz andere Art und Weise zu erforschen: „Ich fing an, diese Leere mit Flusen, Wolken und Kritzeleien zu füllen, allerlei Nichts und Unsinn … um das Wesentliche zu feiern der Abstraktion.“
Als sie Ende der 1980er Jahre anfing, Blumen zu malen, war es vielleicht nicht überraschend, dass sie einige Leute falsch rieben. „Blumen sind ein verbotenes Symbol in der Kunstwelt. Das hat mich fasziniert. Warum ist es verboten?“ Sie fragt. „Es hat mit Kindern, Frauen, Häuslichem, Dekoration, Stoffen und so weiter zu tun.“ Van der Stokker stellt solche Tabus zur Schau, oft mit der Art von positiver Botschaft, die man auf einer Grußkarte bekommt.
Sie hat Text in Gemälden verwendet, um auch das Tor zu anderen verbotenen Gebieten zu öffnen: dem banalen, aber komisch klingenden Strandgut des täglichen Lebens. In ihrer bevorstehenden Ausstellung schöpfen die Arbeiten aus ihrer Erfahrung mit eintönigen Geldproblemen, Alterung, Gesundheitsproblemen und ihrem Groll über das endlose Babygeschwätz ihrer Freunde. Eine neue Installation basiert auf einer Spielzeugküche, aber ein verärgertes Gemurmel stellt die niedliche Häuslichkeit auf den Kopf: „Mag keine Pandemien.“ Ein weiteres Wandbild verkündet: „Rote Hautausschläge im Gesicht / nicht juckend.“
Nachdem Van der Stokker Wandbilder für Außenwände von Gebäuden geschaffen hatte, fertigte sie 1990 ihr erstes Wandbild für einen Galerieinnenraum an. „Die Wand ist ein sehr guter Vermittler mit vielen Möglichkeiten“, sagt sie. „Wandmalereien können verschiedene Formen haben und die Architektur ist ihr Rahmen. Eine der Attraktionen und Komplexitäten ist, dass ich gerne in den Raum eindringe und ihn zu meinem eigenen mache. Und nach der Show nehme ich nichts mit nach Hause.“
Um zu veranschaulichen, wie radikal all dies ist, lohnt es sich, sich an die feministischen Künstler zu erinnern, mit denen sie in den 1990er Jahren zusammengearbeitet hat: die Beichtarbeit von Tracey Emin oder die Gemälde von Sue Williams, die sich mit häuslicher Gewalt auseinandersetzen. Wie Van der Stokker betont, passt Kunst über schwierige Hintergründe genau zu einer akzeptierten Vorstellung davon, was transgressiv und avantgardistisch ist; seine wahrgenommene Nervosität ist ansprechend. Im Gegensatz dazu hat sie verfolgt, was wirklich tabu ist. „Wenn ich ein Kunstwerk über Familienprobleme, Verwaltungsaufgaben oder die gewöhnliche Grippe mache, wirkt es vielleicht nicht so revolutionär“, überlegt sie. „Aber ich bringe ein ganzes Spektrum neuer Themen ein, die normalerweise in der Kunst fehlen.
„Wenn ich denke: ‚Das Thema ist irgendwie ausgeklammert, warum nicht Kunst darüber machen? Ist es dumm? Darf es Kunst sein? Oder könnte es Kunst sein? Und in welcher Form?’ Das ist interessant: das Denken offen zu halten.“
Leuchtende Farben: drei weitere Kunstwerke aus der Ausstellung
Kinderbetreuung (1991-2019)
Dieses große Gemälde auf Leinen basiert auf einer Zeichnung von 1991 und Riffs auf den weißen Quadraten des minimalistischen Malers Robert Ryman. Es enthält eine gelbe Blume in der Ecke und ist mit dem Wort „CHiLDCARE“ gekrönt. „Kinderbetreuung war total unsexy, langweilig, altbacken und sicherlich überhaupt kein Thema in der Kunstwelt, das ich sehen konnte“, sagt Van der Stokker. „Auf die Rückseite habe ich geschrieben: ‚Design für Monochrom‘.“
Überweisen Sie das Geld an mich (2010)
In dieser früheren Arbeit kanalisiert Van der Stokker Bedenken, mit denen wir uns alle identifizieren können. „Der Text ist ikonisch, denke ich, in dem Sinne, dass er sich mit dem beschämenden Verstand eines jeden verbindet“, sagt sie über Worte, die die meisten Menschen dafür verbrannt haben, jemanden anzuschreien. „Ich schäme mich aber nicht so sehr, denn es fühlt sich gut an, es mit einem Lächeln auszurufen. Und das erledigt die Wandmalerei für uns.“
Abendfernsehen (2019)
Diese Arbeit veranschaulicht Van der Stokkers außergewöhnliche Palette. „Ich habe viele meiner Farben mit fluoreszierenden Farben versehen“, erklärt sie. „Sie machen das [sense of] Optimismus hat mehr Einfluss. Es ist eine spezielle Palette, die ich entwickelt habe. Sie können es nicht in einem Farbengeschäft mischen lassen; Meine Farben können nur von mir gemacht werden.“
Danke Schatz ist im Camden Arts Centre, London, zu 18. September.