Foder eine Ausstellung von 1936 im MoMA in New York schuf Alfred H. Bar Jr. a Flussdiagramm Darstellung der Entwicklung der modernen Kunst in Europa vom Impressionismus über eine Reihe anderer „Ismen“, die in der Abstraktion gipfeln. Die Grafik wurde weithin verspottet wegen ihrer leicht verständlichen Darstellung von Kunstbewegungen, die sich in einer festen Abfolge entwickeln, ohne Rücksicht auf Künstler, die außerhalb der Pariser Avantgarde arbeiten. Die neue Ausstellung der National Gallery, After Impressionism: Inventing Modern Art, fühlt sich an, als würde man durch dieses nicht mehr existierende Diagramm gehen.
Als die Galerie letztes Jahr die Ausstellung ankündigte, kritisierten Twitter-Nutzer die Rahmung um die drei „Schlüsselfiguren“ von Paul Cézanne, Paul Gauguin und Vincent van Gogh und den Mangel an Arbeiten von Frauen. Die Gallerie antwortete mit der Behauptung, dass zu gegebener Zeit weitere „große“ Werke von Frauen angekündigt würden. In der Abschlussausstellung sind insgesamt fünf Werke von Frauen zu sehen: Gemälde von Paula Modersohn-Becker, Sonja DelaunayUnd Broncia Koller-Pinellund Skulpturen von Camille Claudel Und Käthe Kollwitz. Die Ausstellung umfasst insgesamt 94 Gemälde und Skulpturen, was bedeutet, dass 5 % der Ausstellung von Frauen stammen – eine Verfünffachung der ständigen Sammlung der National Gallery, deren Sammlung 1 % der Objekte werden von Frauen hergestellt.
Die Aufnahme von Werken von Künstlerinnen, nur um Kästchen anzukreuzen, ist kein ausreichender Grund, dies zu tun; in der Tat ist es ein schlechter Grund. Aber diese Ausstellung handelt von der Zeit von 1886 bis 1914, in der Frauen in Kunstschulen in ganz Europa und Großbritannien in der Überzahl waren und in der sie zunehmend an Ausstellungen teilnahmen, sowohl an Avantgarde- als auch an staatlich geförderten Ausstellungen. Die Ausstellung der Nationalgalerie ist unvollständig, ohne diese Künstler zu repräsentieren. Indem sie es um drei männliche Genies, darunter einen Kinderschänder (Gauguin), rahmen, haben die Kuratoren die traditionelle und patriarchalische Erzählung der Kunstgeschichte fortgesetzt, die es als eine Geschichte einzelner Künstler sieht, die in brillanter Isolation arbeiten und so plötzlich völlig originelle visuelle Sprachen hervorbringen stören die Art und Weise, wie Kunst gemacht wurde. Die Impressionisten selbst, in deren übergroßem Einfluss diese Schau und moderne Kunst im Allgemeinen steht, arbeiteten kooperativ und kollektiv – und ihre Ausstellungen umfassten Arbeiten von drei Frauen: Berthe Morisot, Marie Braquemond Und Maria Cassatt.
Wenn es lästig ist, immer wieder gesagt zu bekommen, dass Frauen ausgeschlossen werden, bedenken Sie, wie lästig es sich anfühlt, immer wieder Ausstellungen über moderne Kunst mit genau denselben Werken an den Wänden zu besuchen. Auf der einfachsten Ebene wird europäische „moderne Kunst“ als Kunst definiert, die zwischen etwa 1860 und 1960 entstanden ist und sich mit den Bedingungen des modernen Lebens befasst: Urbanisierung, Industrialisierung, Globalisierung, der Niedergang traditioneller Glaubenssysteme und Regierungen und all die anderen Arten des Wandels, der in den Jahrzehnten nach 1900 durch die westliche Welt fegte. Es ist ein vielschichtiger Begriff, der sich mit „Modernismus“ und „Moderne“ verstrickt, die auch immer wieder neu definiert werden. Diese Ausstellung versucht, die Erzählung zu „erweitern“, indem sie Arbeiten einbezieht, die nicht in Paris entstanden sind, mit einem Fokus auf die Zentren modernistischer Arbeit in Barcelona, Berlin und Wien. Diese Werke faszinieren und machen deutlich, dass es keinen singulären Kunststrang „nach dem Impressionismus“ gibt. Doch die Ausstellung schafft eines – die meisten Kunstwerke aus Barcelona und Mittel- und Osteuropa befinden sich in kleineren Räumen abseits der Hauptgalerien, buchstäblich außerhalb der linearen Progression von Cézanne bis Picasso.
Die unhinterfragte Fokussierung auf die Avantgarde in Ausstellungen moderner Kunst wie dieser ist an sich schon patriarchalisch. Künstler, die außerhalb institutioneller Grenzen arbeiten oder Normen aufbrechen wollten, konnten dies nur tun, wenn sie die Möglichkeit hatten, Teil des Mainstreams zu sein. Die Unterbrechung besteht, weil sie absichtlich gegangen sind. Künstlerinnen begannen normalerweise nicht an einem Ort im Zentrum des Establishments. Diejenigen, die eine künstlerische Laufbahn einschlagen wollten, suchten Anerkennung als ernsthafte Berufstätige und Anerkennung ihrer Fähigkeiten. Sie hatten in der Regel nicht den Luxus, die Regeln zu brechen – und ihnen wurde auch häufig der Beitritt zu organisierten Avantgarde-Gruppen verwehrt. Das bedeutet, dass viel Kunst, die von Frauen im 19. und frühen 20. Jahrhundert geschaffen wurde, keine Avantgarde ist, aber das macht sie nicht weniger modern.
Diese Beobachtung ist nicht neu – feministische und soziale Kunsthistoriker machen sie seit den 1970er Jahren. In letzter Zeit werden Künstlerinnen oft als Pionierinnen oder Innovatorinnen bezeichnet, nur weil sie existierten, und es stimmt, dass sie mehr Hindernisse überwinden mussten als ihre männlichen Kollegen. Aber ihre Arbeit war weniger wahrscheinlich ästhetisch radikal oder störend, was nicht bedeutet, dass sie weniger interessant oder schön ist. Die Erzählung, die uns diese Ausstellung und traditionelle Lehrbücher der Kunstgeschichte nähren, ist, dass die Avantgarde das einzige ist, an das man sich erinnern sollte, wenn man moderne Kunst studiert. Aber es war nur ein Bruchteil der Kunst, die um die Jahrhundertwende gemacht wurde. Es ist faszinierend, radikal und manchmal wunderschön, aber es ist nur ein Teil der Geschichte.
Das soll nicht heißen, dass Künstlerinnen nie radikal waren – die in dieser Ausstellung vertretenen und andere, die es nicht sind, wie z Gwen JohnHilma af Klint, Marie Laurencin, Susanne Valadon, Gabriele Münter, und viele andere, ganz zu schweigen von nordamerikanischen Künstlern und Frauen, die außerhalb der Traditionen der westlichen Kunst arbeiten, haben alle unglaublich kreative und bahnbrechende visuelle Sprachen geschaffen. Aber eine altmodische Kunstgeschichte, die weiterhin verlangt, dass wir uns nur an die berühmten Männer erinnern, die gegen die Regeln verstoßen haben, und dass wir die Geschichten, die wir über die Kunstgeschichte erzählen, um eine lineare Erzählung herum strukturieren, ohne Raum für Mehrdeutigkeit oder Regression, ist a falsche.