Thier sind viele beständige historische und kulturelle Geister, die über den im vierten Stock des Museums ausgestellten Werken schweben Fotografengalerie in LondonWo Samuel Foso und Arthur Jafa sind in diesem Jahr im Wettbewerb Preis der Deutschen Börse. Wenn Sie die Galerie betreten, starren die strengen Gesichter von Martin Luther King, Haile Selassie und Angela Davis von der gegenüberliegenden Wand herunter, sofort erkennbar, aber beunruhigend unwirklich. Nebenan blicken Robert Johnson und Miles Davis den Betrachter direkt an, Zigaretten baumeln von ihren Lippen, wobei besonders letzterer den Geist des mythischen „bösen Mannes“ Stagger Lee hinter seiner überdimensionalen Sonnenbrille zu kanalisieren scheint.
Schwarze Geschichte und Identität spielen in den Arbeiten beider Künstler eine große Rolle, aber auch die historische und zeitgenössische Funktion des fotografischen Bildes bei der Schaffung und Verzerrung dieser Geschichte und Identität. African Spirits, Fossos Serie performativer Selbstporträts ikonischer schwarzer Figuren, hat eine so starke Präsenz, dass sie Sie über die Jahre hinweg zu beobachten scheinen, während Sie seine anderen Arbeiten durchsehen. Eindringlich sowie historisch und formal komplex ist das Diptychon an einer angrenzenden Wand, in dem Fosso den vielen westafrikanischen Soldaten huldigt, die in beiden Weltkriegen gekämpft haben. Es trägt eine weniger unmittelbar dramatische, aber nicht weniger resonante Ladung.
Im Gegensatz dazu schwingt Jafas Arbeit auf eine viszerale Weise mit, mit gefundenen Bildern aus der schwarzen Geschichte und der zeitgenössischen Kultur, die zusammenkommen und in einem unruhigen Fluss kollidieren, der die dissonante Dringlichkeit bestimmter Stränge des experimentellen Jazz und des futuristischen Funk widerspiegelt. Seine epische Show im Luma in Arles im letzten Jahr trug den Titel Lebe böseeine Anspielung auf Das gleichnamige Album von Miles Davis aus dem Jahr 1971. Die hier gezeigte Arbeit ist eine kleine, etwas fragmentierte Destillation dieser Ausstellung. Unvermeidlicherweise verlieren die oft absichtlich irritierenden Gegenüberstellungen, die seine Erforschung aller Facetten schwarzer Erfahrung umfassen, von der freudigen bis zur seelenbetäubenden Unterdrückung, in diesem viel kleineren Rahmen etwas von ihrem assoziativen Schub. Allerdings ist das riesige Bild des Ortes eines ruandischen Massakers, das den größten Teil einer Wand einnimmt, in diesem Zusammenhang eher beunruhigend, umso mehr, wenn es mit dem angrenzenden unscharfen Foto von HR, dem Leadsänger der , verglichen wird Hardcore-Punk-Band Schlechte Gehirne, schwebend in der Luft schwebend. Ein Vorgeschmack auf Jafas ehrgeizige und provokative Praxis, der Sie nach der umfassenden Erfahrung sehnen lässt.
Im Obergeschoss bilden skulpturale Fotocollagen der jungen norwegisch-nigerianischen Künstlerin Frida Orupabo die faszinierendste Ausstellung in der Ausstellung. Seit einiger Zeit verfolgt sie ihre Arbeit mit Neugier auf Instagram, wo sie auch postet @nemiepeba, war ich mir nicht sicher, wie sich ihre Kunst in die Galerie übertragen würde. Ich hätte mir keine Sorgen machen müssen. Hier bewohnen ihre seltsamen, hybriden Kreationen den Raum und scheinen an den Wänden zu schweben, als würden sie sich beleben. Ihr Rohmaterial stammt aus der digitalen Sphäre – Bilder aus sozialen Medien, eBay und alten Kolonialarchiven. Gedruckt, ausgeschnitten und dann in Segmente geschichtet, haben ihre Collagen ein deutlich altmodisches, praktisches Gefühl, aber ihre hauptsächlich weiblichen Figuren sind voller Bedeutung, sowohl persönlich als auch kulturell.
Etwas Beunruhigendes haben auch die Gesichter, die sie der Geschichte entnommen hat, ihre direkten, schonungslosen Blicke. „Das Zurückstarren ist eine Möglichkeit, Objektivierung zu bekämpfen“, erklärt Orupabo in ein erhellendes Video über ihre Arbeit auf YouTube, und nannte es eine Art „Widerstand“ gegenüber der Galerieerfahrung, der hoffentlich einen „inneren Dialog“ zwischen dem Betrachter und dem Subjekt hervorruft. Ihre ruhig komplexen Kreationen tun das und noch viel mehr. Es ist selten, dass zeitgenössische Themen wie Identität, Sexualität, Rasse und Zugehörigkeit durch Arbeiten erforscht werden, die so einzigartig, instinktiv und schwer fassbar sind und so von mysteriösen, unbewussten Unterströmungen getragen werden.
Eintritt des belgischen Fotografen Bieke Depoorter‘s Zimmer wird man sofort in ein anderes konzeptionelles Universum transportiert, eines von Zwängen, Selbstzweifeln, verwischten Grenzen und ethischen Dilemmata. Ihr Film, Michael, entnommen aus Eine zufällige Begegnung, ihre Ausstellung in Berlin im vergangenen Jahr, verfolgt ihre Beziehung zu einem ihrer Motive, dem sie 2015 zufällig in Portland begegnete, dem sie nahe kam und dann den Kontakt verlor, als er auf mysteriöse Weise verschwand. Der Film besteht aus Standbildern, Depoorters Off-Kommentar, unterbrochen von den Aussagen von Menschen, die Michael kannten oder ihm begegneten, und hat eine kumulative Kraft, die viel mit dem hypnotischen Rhythmus und der Maserung ihrer Erzählung als sich entfaltender Bilder zu tun hat.
Michael bleibt durchweg eine exzentrische, wenn auch schwer fassbare Figur, und es gibt Momente, in denen ich mich zu fragen begann, ob er eine Schöpfung der Fantasie des Künstlers war: ein versierter Schauspieler in einem kunstvoll konstruierten Mysterium. Der Raum ist mit Papieren, Fotografien, Notizen und Ephemera bedeckt, die sich auf Michaels obsessives Leben und sein Verschwinden beziehen, und auch der Film wird von seiner flüchtigen Präsenz heimgesucht. Letztendlich sagt es Ihnen jedoch mehr über den Erzähler als über das Thema aus und wirft im weiteren Sinne unzählige Fragen über die zwanghafte Natur der Fotografie auf: das obsessive Bedürfnis, zu dokumentieren, aufzuzeichnen, zu beobachten und zu verfolgen. Dennoch ein mutiges Selbstbefragungswerk, das mir im Nachhinein wie eine fesselnde Kurzgeschichte noch Stunden im Gedächtnis geblieben ist. Wer als Sieger hervorgehen könnte: Mein Herz ist bei Orupabo; Mein Kopf sagt Jafa.