JEnny Kee macht sich lautstark Sorgen, dass wir auf dem falschen Fuß aufgestiegen sind. Ich hatte mich darüber gewundert, dass sie Ende der 60er Jahre als Teenager-Rebellin in die Boutique Biba, das Volltreffer der Londoner Mode- und Musikszene, gegangen war und einen Job bekommen hatte. Als ich frage, ob das Zufall oder Absicht war, ist sie empört.
„Nichts war Zufall!“ Sie sagt. „Wir waren in Australien hungrig nach Action und wollten mit all unserer australischen Überzeugungskraft einfach alles auf den Punkt bringen. Das taten die Australier, weil wir draußen in den Sträflingskolonien waren, wie man in London sagte.“
Fairer Punkt – eine so gefeierte Karriere wie die von Kee kann kaum ein himmlischer Blitz gewesen sein. Ihre frühe Zielstrebigkeit passt perfekt zu den Migrationsmustern einiger der größten kulturellen Einflussnehmer des 20. Jahrhunderts, von denen viele in der neuen Ausstellung der Bendigo Art Gallery, Australiana: Designing a Nation, gefeiert werden.
Australiana ist ein Begriff, der historische Gegenstände und dekorative Kunst mit einem unverwechselbar australischen Charakter umfasst – viele davon offensiv kolonial –, aber der Begriff wurde in den 1970er und 1980er Jahren vereinnahmt, um lauten, fröhlichen Kitsch zu bedeuten. Die Ausstellung zeigt viele Beispiele aus letzterem, wie Suzanne Forsyths Teekannenserie Dame Edna, Kees berühmten „Blinky“-Pullover aus Koalastrick – der von Diana, Prinzessin von Wales, zu einem Polospiel getragen wurde – und Jenny Bannisters weißes Minikleid dem damals neu eröffneten Sydney Opera House nachempfunden.
In letzter Zeit ist das Interesse wieder gestiegen – von Bekleidungsfirmen, die „Rinky-Dink“-Slogans verwenden, bis hin zu Harry Styles, der auf der Bühne einen Bunnings-Strohhut aufsetzt. Da gibt es das Social-Media-Phänomen Crikeycore, bei dem es im Wesentlichen darum geht, dass andere Nationen sich über seltsame Dinge lustig machen, die Australier mögen. Und im April wird Tony Armstrong Gastgeber sein Tolles australisches Zeugein ABC-Vierteiler, in dem bekannte Namen – viele von ihnen Nicht-Anglo – „die überraschende, seltsame und manchmal dunkle Geschichte hinter unseren ikonischsten Sachen“ auspacken, darunter Fleischpasteten, Speedos, Stubbies, The Hills Hoist und die Boomerang.
Während viele australische Kreative aus kulturellen Gründen ins Ausland gelockt wurden, um ernst genommen zu werden, zog Gough Whitlams Kunstförderung sie in der Blütezeit Australiens nach Hause. Kee brachte diese Energie zurück nach Sydney und eröffnete 1973 mit seiner Designerkollegin Linda Jackson den Flamingo Park Frock Salon. Sie liest mir eine Schlagzeile des Sunday Telegraph aus dem Jahr 1974 vor: „Neuer Nationalismus inspiriert australische Ausrüstung: Unsere lieben Ockers entscheiden sich für den wahren blauen Look!“
„Der Laden wurde 1973 gegründet und war 1993 nicht mehr so in Mode“, sagt Kee. „Die Leute entfernten sich von diesem ganzen Gefühl von Australiana – aber jetzt ist es wieder da. Romance Was Born zu sehen macht mich fertig wissen es ist wieder da.“
Die Designs von Kee und Jackson toben durch den zentralen Raum von Australiana, neben leuchtenden Kleidern von Bannister, Prue Acton und Romance Was Born.
Der Keim der Bendigo-Ausstellung – eine Mammut-Kooperation mit der National Gallery of Victoria – kam von der Kuratorin Emma Busowsky, die über zwei verschiedene Künstler nachdachte: den Schreiner Robert Prenzel aus dem späten 19. Jahrhundert, der die australische Flora und Fauna in seine Schnitzereien einbezog; und das zeitgenössische Modehaus Romance Was Born, das als Hommage an die Kinderbuchautorin May Gibbs eine Reihe von Snugglepot- und Cuddlepie-Kleidungsstücken entwarf.
„Ich habe diese beiden Bilder in meinem Kopf zusammengefügt, ich denke, es gibt hier eine Abstammungslinie“, sagt Busowky.
Luke Sales ist die eine Hälfte von Romance Was Born, das 2005 mit Anna Plunkett gegründet wurde. Im Laufe der Jahre hat das Paar mit Kee, Jackson und Ken Done zusammengearbeitet. Während ihre Arbeit – wie das Iced Vovo-Kleid, das jetzt in der Powerhouse-Kollektion lebt – entschieden australisch ist, zählen Miley Cyrus und Cyndi Lauper zu ihren Fans.
„Australiana interessiert mich sehr“, sagt Sales. „Ich habe eine ziemlich umfangreiche Sammlung australischer Lüsterkeramik, insbesondere Muscheln und Schwäne. Ich habe ein Gemälde von Ken Done und wir haben überall in unseren Büros Vintage-Tischdecken. Der Nachhaltigkeitsgedanke ist super wichtig. Dass sich die Leute für Second-Hand-Möbel und -Stoffe interessieren – anstatt zu versuchen, alles zu kaufen, was glänzend und neu ist – ist eine wirklich coole Veränderung im Verbraucherdenken.“
Während Sales und Plunkett eine Leidenschaft für die 1980er Jahre haben, eine Zeit, in der der australische Nationalismus gefeiert wurde, wurde Romance Was Born im selben Jahr wie die Cronulla-Unruhen konzipiert.
„Wir gehen sensibel mit Nationalismus um“, sagt Sales. „Wir verstehen, dass es viele Probleme mit unserem Land gibt, und deshalb geben wir ihm unseren Dreh, um Australien wie aus einer anderen Welt erscheinen zu lassen. Wir konzentrieren uns auf unsere natürliche Umgebung und dann auf kulturelle Dinge, die mit Nostalgie und Kindheitserinnerungen zu tun haben. Wir möchten, dass unsere Kunden eine emotionale Reaktion auf ein Kleidungsstück haben.“
nach Newsletter-Promotion
Auch der Melbourner Künstler Kenny Pittock spielt in seinen Arbeiten mit Nostalgie, wie etwa Melted Bubble’O: ein verflüssigter Bubble O’Bill aus Keramik. Pittock, der in den Dandenongs aufgewachsen ist, reagierte damit auf die Angst vor der globalen Erwärmung: „Buschbrände standen im Vordergrund“, sagt er.
Die Galerie beauftragte Pittock mit der Erstellung einer neuen skulpturalen Installation, 100 Australian Ice-Creams, die garantiert Erinnerungen und Gespräche wecken wird.
„Das sind handgeformte, glasierte Eiscremes aus mehreren Jahrzehnten, die man in Milchbars und Tankstellen findet“, sagt Pittock, dessen Großeltern eine Milchbar betrieben. „Sogar während der Installation haben sich die Leute zu bestimmten hingezogen gefühlt. Jeder hat diese tiefen Verbindungen, die einzigartig für ihn sind.“
Als Kuratorin schwingt auch für Busowsky Nostalgie mit, am stärksten spürt sie sie jedoch im 1930er-Jahre-Raum der Ausstellung.
„Man hat die Weltwirtschaftskrise im Gange, aber auch diesen Art-déco-Stil, der die Welt erobert“, sagt sie. „Sie haben also diesen sentimentalen Malstil, der Sehnsucht nach einer ruhigen Zeit und dem Leben auf dem Land.“
Ein paar Schritte entfernt befindet sich das sogenannte Pub-Zimmer mit Werken von Russell Drysdale, John Brack und Sidney Nolan. „Es ist die Idee des Pubs als Zentrum einer säkularen australischen Gesellschaft“, sagt Busowsky. (Es überrascht nicht, dass es ein Zimmer von Rennie Ellis nur einen Katzensprung entfernt gibt.)
Jede Ausstellung über Australiana bringt ethische Herausforderungen mit sich; neuerdings müssen museen mit dem kolonialismus abrechnen. Aber hier werden die Besucher von Fay Carters Umhang aus Emu-Feder und Rodney Carters Umhang aus Känguruhaut begrüßt, die beide heute bei Zeremonien verwendet werden. An anderer Stelle sind die atemberaubenden Ballkleider des Marrithiyel-Künstlers Paul McCann zu sehen, die er „Bling Bling Faboriginal“ nennt. Auch die 30-jährige Sammlung von „Aborginalia“ des Girramay/Yidinji/Kuku Yalanji-Künstlers Tony Albert – Souvenirs und Trödel wie dekorative Aschenbecher mit Darstellungen von Menschen der First Nations – ist ebenfalls ausgestellt. Es ist eine neue Version von etwas Altem – und macht Australiana zu einem (erneuten) Besuch wert.