TSein Monolog von einer Frau aus dem tiefen Süden der USA, die glaubt, sie sei teilweise ein Wolf, nimmt die Strecke ihres unruhigen Lebens auf und endet mit dem Northridge-Erdbeben von 1994. Das Stück, an sich klein, trägt seine eigene verheerende und erschütternde Wirkung Energie.
Maxine (Clare Latham) hat eine Reihe von Rückblenden, in denen sie sich von einem missbrauchten und wilden Mädchen, das von ihrem Vater geschlagen, von ihrer Mutter verlassen und Kaninchen gehäutet wurde, zu einer Frau entwickelt, die in ein Drogenkartell verwickelt ist und in der Lage ist, zu töten. beäugte Gewalt.
„Wir sind niemals unschuldig, nicht einmal, wenn wir geboren werden“, sagt sie. „Wir wissen, dass alles Mord und Lügen sind, seit wir zum ersten Mal unsere Augen öffnen.“
Lathams Auftritt ist absolut fesselnd, nie gehetzt, trotz der fieberhaften Geschichte, die sie erzählt. Ihre Darbietung trägt neben dem anschaulichen Sex und der Gewalt eine Unschuld in sich, und sie hält uns im Verlauf des Stücks, das direkt durchgespielt wird und einen zwanghaften Schwung gewinnt, in Atem. Ihre Geschichte ist teilweise ein wütendes Knurren gegen die Ungerechtigkeiten der Welt, aber auch eine Art Rückforderung – ein Bedürfnis, ihren Schmerz zu beschreiben, aber auch die strahlenden Momente der Liebe und Freude zu erzählen.
Ché Walker, Autor und Regisseur, schafft es, es intim und episch zu machen, und sein Drehbuch ist reich und literarisch, ohne überschwänglich zu sein. Sheila Atim komponiert die Musik und baut mit Bethany Gupwells Beleuchtung und John Leonards Sounddesign eine starke Atmosphäre auf. Latham spricht aus den Ecken und Winkeln von Amy Jane Cooks Set aus verbrannter Erde, in dessen Mitte ein Riss verläuft, der das letzte Erdbeben vorwegnimmt.
Ihre Geschichte umfasst die größere Weltpolitik, von der Iran-Contra-Affäre der Reagan-Ära bis zu den Unruhen von 1992 in Los Angeles, die durch das Videomaterial von Rodney King ausgelöst wurden. Nichts davon fühlt sich belanglos an, sondern speist sich in Maxines Lebensgeschichte ein und verleiht seiner Erforschung dessen, was es bedeutet, eine arme, weiße, entrechtete Frau in den USA zu sein, Textur. Es ist auch eine Studie darüber, eine Frau in einer gewalttätigen Welt zu sein und was diese Gewalt mit ihrer Menschlichkeit macht.
Ihre plötzlichen Verwandlungen in einen Wolf, die ihre Wut, aber auch ihre Macht signalisieren, bleiben in magischem Realismus zurück, der angestrengt wirkte, aber hier hypnotisiert. Sie hat eine animalische Weiblichkeit, die an Angela Carters Wolfsfrauen erinnert, deren Häute abgeleckt werden, um darunter das Fell freizulegen, und es gibt auch Anklänge an Clarissa Pinkola Estés’ Women Who Run With the Wolves.
Dieses märchenhafte Element wird mit der Härte und dem Blut der Südstaaten-Gotik der Geschichte kombiniert und erzeugt zusammen eine berauschende Wirkung. Wenn die Lockdowns den Monolog in eine allzu vertraute Form verwandelt haben, verwandelt Wolf Cub ihn wieder in etwas Neues, Aufregendes und Gefährliches.