WAuf den nassen Straßen von Edinburgh war die erste Woche des 75. internationalen Festivals, das nach dem Zweiten Weltkrieg gegründet wurde, um durch Kultur zu heilen und zu vereinen, langsam und mit rückläufigen Besucherzahlen an den Hauptveranstaltungsorten. Am letzten Wochenende war es aus irgendwelchen wankelmütigen Gründen zum Leben erwacht. Die Usher Hall war voll, die Foyers brummten vor der konzertanten Aufführung von Richard Strauss durch das Bergen Philharmonic Orchestra Salomemit seinem britischen Chefdirigenten Edward Gardner.
Ihr Konto von Britten Peter Grime vor fünf Jahren war unvergesslich. Jetzt mit einer Starbesetzung unter der Leitung von zwei schwedischen Sopranistinnen – Malin Byström in der Titelrolle der biblischen Tänzerin und Katarina Dalayman als ihre manipulative und kreischende Mutter Herodias – die Hoffnungen waren groß. (Diese beiden, beide exzellent, werden ihre Rollen am Royal Opera House in London wiederholen nächsten Monat. Dann mehr über ihre Interpretationen.) Im deutschen Tenor Gerhard Siegel, hatte die Besetzung den besten Herodes, den schlüpfrigsten und reptilienhaftesten und abstoßendsten und nutzlosesten, gesungen mit hinterhältiger Subtilität (sorry Gerhard, nichts Persönliches). Johan Reuters Jokanaan, Bror Magnus Tødenes’ Narraboth und Hanna Hipps Page fügten Glanz hinzu.
In jeder Version von Salome, bietet die Geschichte kalten Trost. Poste #MeToo, poste Jeffrey Epstein, wo stehen wir? Eine von ihrem Stiefvater missbrauchte Teenagerin missbraucht im Gegenzug die Ermordung eines Propheten, dessen Kopf sie – in Strauss Oper – auf dem Silbertablett küsst. Ein Fest. Abgesehen von ein paar Handgesten und Mimik, leicht und natürlich von so erfahrenen Sängern in ihren Rollen, gab es keinen Versuch einer halben Inszenierung. Byström trat ein, gekleidet in Weiß und jungfräulich wie der Mond, mit dem sie verglichen wird (die Oper ist eng an Oscar Wildes Stück angelehnt), und fügte später einen wogenden scharlachroten Seidenüberrock hinzu, um Blut, Korruption und Besessenheit zu vermitteln. Für den Tanz der sieben Schleier verabschiedete sie sich und überließ es dem Orchester, all seine verbliebenen Hemmungen abzustreifen und loszulassen.
Dies war die richtige Entscheidung. Strauss’ akribische Orchestrierung zu hören, die so kontrolliert und präzise war und dabei einen so üppigen und oft grotesken Eindruck hinterließ, war aufschlussreicher, nennen Sie mich seltsam, als ein Striptease, der auf die Bühne der Usher Hall gequetscht wurde. Er schreibt mit absoluter Pünktlichkeit, so dass der Schlagzeuger leise ein Tamburin rasseln oder die Kastagnetten klicken kann, auf eine Weise, die unheimlich und unheilig über einem riesigen Orchester erklingt, das auf Hochtouren spielt. Das Kontrafagott, das eines der Rampenlicht-Soli der Oper hat, gerinnt und kriecht wie die Schlange selbst. Es war eine Gelegenheit, die Mischung aus Klangfarbe und Dynamik, den Einsatz von Vibrato oder nicht zu erleben – alles Teil des Werkzeugkastens des Spielers, der in den Ablenkungen einer vollständigen Inszenierung allzu oft unbemerkt bleibt.
Das Philharmonie Bergen und Gardner gaben am Montag ein zweites Konzert, ein weiterer Beweis für die Qualität dieses Orchesters. Sie schlossen sich an Víkingur Ólafsson für Schumanns Klavierkonzert. Der isländische Pianist, der regelmäßig mit diesen Musikern zusammenarbeitet, zieht Strenge der Extravaganz vor und brachte den Dialog zwischen den kontrastierenden inneren Stimmen heraus, wobei er immer einen klaren Weg durch die hybride Struktur des Werks behielt. Dieses Konzert hat seine eigenen Knoten und Rätsel, die die Interpreten eher angenommen als geglättet haben. Zwei orchestrale Vorzeigestücke, Ravels La Valse und Rachmaninows Symphonische Tänze, absolvierte das Programm. Der Schlussakkord ertönte, das Tam-Tam vibrierte noch, aber die Menge jauchzte und jubelte bereits.
In der Queen’s Hall am Montag (alle Morgenkonzerte werden live auf Radio 3 übertragen), die Takács Quartett spielte Haydns Streichquartett op. 77 Nr. 2, Samuel Coleridge-Taylors Schülerarbeit, die 5 Fantasiestücke op. 5 und Ravels Quartett in F-Dur. Das Haydn ist Heimatgebiet für dieses alteingesessene, in Colorado ansässige Ensemble, das jetzt zwei neue (ähnliche) Spieler in seiner Besetzung hat. Harumi Rhodos kam bereits 2018 als zweite Geige dazu, Richard O’Neill als Bratsche im Jahr 2020, aber das Ausbleiben von Aufführungen während der Pandemie bedeutet, dass der Personalwechsel für das britische Publikum immer noch ein Novum ist. Das unwiderstehliche Potenzial der Gruppe wurde vor allem im Ravel verwirklicht, fließend und brodelnd, rätselhaft und sinnlich zugleich. O’Neills Bratschenspiel ist ein Ballett für sich.
Am Dienstag, auch in der Queen’s Hall, die Dunedin-Gemahl, unter der Regie von John Butt, mit dem Tenor Nicholas Mulroy, präsentierte eine Mischung aus Sololiedern und Instrumentalwerken aus der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. Wenn das Konzert nach dem Eröffnungsstück aufgehört hatte, spielte die Toccata Nr. 1 in d-Moll von Giovanni Girolamo Kapsberger, geflüstert und intim, auf der Theorbe durch Elisabeth Kenny, wir wären aufrechterhalten worden. Das war erst der Anfang einer Musik, die von Frescobaldi, Buxtehude und Schütz bis zu Monteverdi und Strozzi reichte. Mulroy, mit reiner Stimme und ausdrucksstark, zeigte, wie bei diesen Komponisten religiöse Hingabe und fleischliche Begierde gewagt und fast austauschbar wurden.
Der Rand von Edinburgh, der seine musikalischen Waren ziemlich gut versteckt hält, oder vielleicht hatte ich Pech, sie zu finden, ist zum ersten Mal seit drei Jahren wieder in voller Stärke. Madame Chandeliers Opernhausparty hatte meinen Namen drauf (irgendwie). Der Ritt der Walküren dröhnte aus den Lautsprechern. Wir sangen mit: bom-diddy-bom-bom. Als nächstes: Nessun Dorma (da da da da da daaaa de daaaaaah). Unsere Gastgeberin, in Hörnern und dicken blonden Zöpfen mit Pappschwert, sang ihre These: Diven sterben nicht, sie feiern.
Sie wechselte mit Schallgeschwindigkeit massive Perücken, insbesondere die Tonartwechsel auf ihrem Akkordeon, und galoppierte durch die Königin der Nacht. Carmen, Traviata, Schmetterling, mit professionellem Timing. Madame Chandelier – kanadische Opernsängerin und Komikerin Dela Shand – ist schlau, hat Einfühlungsvermögen und kann singen. Musik lustig zu machen ist ein Kinderspiel, aber sie hat es geschafft. Ein zögerliches Publikum konnte gewonnen werden, einschließlich des Freiwilligen, der sich bereit erklärte, Gummibärchen bei hohen Tönen in den offenen Mund des Sängers zu werfen. Gesundheit und Sicherheit gehen verloren: Nur einer ging hinein.
Als letzten Coup schmeißen wir alte Socken, nicht unsere eigenen, sondern früher angefertigte, um die Alpenlawine am Ende dieser selten zu sehenden Oper darzustellen La Wally. Das kann man in Covent Garden nicht. Am nächsten Tag war Madame Chandelier in Hörnern und Zöpfen auf den gemeinen Straßen unterwegs und verteilte Flyer. Für Diven hört die Party nie auf.
Sternebewertung (von fünf)
Salome ★★★★
Bergen Philharmonie/Gardner ★★★★
Takács Quartett ★★★★
Dunedin-Gemahl ★★★★
Madame Chandeliers Opernhausparty ★★★★