Bevor die Show begonnen hat, sieht man eine Reihe Schuhe, die geduldig auf der Bühne warten. Die Gipsfeilen rein, die Schuhe angezogen und wir steigen ein Hasen jagen, ein überschwängliches, warmherziges, sozial motiviertes neues Stück von Sonali Bhattacharyya unter der schwungvollen Regie von Milli Bhatia. Der Großteil der Handlung findet in Westbengalen statt, aber der Rahmen ist betont britisch – eine Verbindung zwischen Fabrikarbeitern in Westbengalen und der Gig Economy in Großbritannien. Die Schuhe könnten als Symbol gesehen werden: Bhattacharyyas Schreiben ist getrieben von der unzynischen Hoffnung, dass wir uns in die Lage des anderen versetzen und die Welt gerechter machen können.
Als Prab, ein idealistischer Schriftsteller und Vater, ist Irfan Shamji eine wunderbar entspannte Erscheinung auf der Bühne. Wir sehen zu, wie er seine kleine Tochter und gleichzeitig eine Geschichte hochhebt – eine Geschichte über Oger in einer Dürre – eines von mehreren seiner unwahrscheinlichen Schlaflieder. Die Videodesignerin Akhila Krishnan untermalt alle Geschichten mit elegantem Schattenspiel, und eine von Bhattacharyyas Stärken erweist sich darin, dass sie betont, wie wichtig es ist, die richtige Geschichte zur richtigen Zeit zu finden. Dies rückt am deutlichsten in den Fokus, als Prab und seine Frau zwei Schauspieler mit einem treffen jatraeine Volkstheatergruppe, die nach einer neuen Geschichte sucht, um traditionelle Szenen aus dem Mahabharata zu ersetzen.
Devesh wird von Scott Karim auf erfrischende Weise als sarkastischer Fabrikbesitzer und Schauspieler gespielt, dessen Bosheit sich im Verlauf der Show vertieft. Ayesha Dharker ist elektrisierend als Chellam, seine professionelle andere Hälfte, in einem schockierenden rosa Sari, der scharfe Intelligenz als eine Form von Glamour zeigt. Prab wird angeheuert, etwas wenig überzeugend, um diesem einschüchternden Paar ein neues Theaterstück zu schreiben. Zainab Hasan ist exzellent als Prabs pragmatische Frau Kajol, die ihren Ehemann dazu drängt, die Familie über das soziale Gewissen zu stellen. Prabs reformistische Instinkte werden zerstört, als Devesh auf einer Neufassung seines Stückes besteht und ihn als Entschädigung zum Etagenleiter in seiner Fabrik macht, wo der Einsatz von Kinderarbeit zum Skandal wird, um den sich die nachfolgende Handlung dreht.
Es ist ein Spiel, das in Teilen ungepflegt ist und von ein wenig zusätzlicher Pflege profitieren würde. Die Thematik ist nicht neu, wirkt aber angenehm frisch. Und die eindringliche Rede am Ende, in der sich Prabs Tochter Amba, frech gespielt von Saroja-Lily Ratnavel, für die britischen Arbeiter einsetzt, ist goldrichtig.
101 Dalmatiners ist auch genau richtig – in jeder Hinsicht. Dieses neue Musical von Douglas Hodge – basierend auf dem Theaterstück von Zinnie Harris – mit dem Buch von Johnny McKnight ist die perfekte Wahl nach dem Lockdown für Londons ständig wachsende, hundebegeisterte Menge (zu denen ich gehöre). Familien mit Hundebesitzern werden jedes Detail dieses freilaufenden Freilufttheaters im Regent’s Park mit lebensgroßen dalmatinischen Puppen, deren Körpersprache (einschließlich Hinternschnüffeln) vom Puppenspieldesigner und Regisseur Toby akribisch beobachtet wurde, nachsichtig behandeln Olié (Ben Thompson, Danny Collins, Yana Penrose und Emma Lucia erweisen sich als geschickte Hundeführer/Sprecher).
Kate Fleetwoods Cruella De Vil ist bis zum Äußersten grausam und abscheulich, verdampft in einem ominösen grauen Pelzumhang und prahlt damit, dass sie eine soziale Einflussnehmerin ist. “Mach Sitz! Ich bin keine Frau, die ein Nein als Antwort akzeptiert!“ Sie schreit die Hunde an. Die Musik ist melodisch poppig und im prächtigen Für Fur gesteht Cruella, was sie antreibt. Der Song wird auf eine nicht augenzwinkernde Art vorgetragen – und bestätigt auf brillante Weise, dass Cruella einen Psychiater braucht. Alle Leser von Dodie Smiths Klassiker und Anhänger der Film- und Bühnenversionen werden zu diesem Zeitpunkt auch erkennen, dass ein vorbeugender Anruf bei der RSPCA nicht verkehrt gewesen wäre.
Es gibt noch so viel mehr zu mögen: Bury That Bone von einem obdachlosen Köter namens Captain (Tom Peters) ist ein struppiger Hundesong, in dem man sich suhlen kann; es gibt einen besonders charmanten Cameo-Auftritt eines tanzenden rosa Pudels (Courtney George); und alle Kinder in der Show spielen wunderschön. Auch wenn die Geschichte, die diesen Hund wedelt, unbedeutend ist, kann sie diese unterhaltsame Show unter der Regie von Timothy Sheader nicht verderben.
CS Lewis, in Der Löwe, die Hexe und der Kleiderschrank, versprach ein Narnia für jede Generation und Sally Cooksons großartige Leeds Playhouse-Produktion von 2017, mit einem Set von Rae Smith, wird von Regisseur Michael Fentiman für ein neues Publikum umfunktioniert und erweist sich als glänzend gut (fast zu einem Fehler). Es bietet atemberaubende Ensemblearbeit, insbesondere die Übergänge zwischen der Art-Deco-Garderobe und der verschneiten Welt dahinter, gefüllt mit wogender Fallschirmseide. Die Produktion respektiert die „tiefe Magie“ des Buches.
Samantha Womack ist grandios als Hexe (eine subtilere Despotin als Cruella) und mit Interesse bemerkte ich ihren versteinerten, depressiven Gesichtsausdruck – Tyrannei als seelisches Leiden. Jez Unwins Herr Tumnus ist perfekt als liebenswerter Faun mit geringem Selbstwertgefühl, der die verlockendste Einladung zu Tee und Marmeladenkuchen ausspricht. Die Kinder (Ammar Duffus, Robyn Sinclair, Shaka Kalokoh und Delainey Hayles) werden mit ansprechender Natürlichkeit gespielt. Es ist wunderbar beunruhigend zuzusehen, wie Edmund das schäumende Gebräu der Hexe trinkt und sich an rosa, zuckerhaltigen Würfeln sättigt. Die Moral der Show könnte klarer kaum sein: Akzeptiere niemals Marmeladenkuchen von Fremden – geschweige denn Lokum.
Sternebewertung (von fünf)
Hasen jagen ★★★
101 Dalmatiners ★★★★
Der Löwe, die Hexe und der Kleiderschrank ★★★★