EIN Eine Liste der Pronomen für jeden Darsteller und jedes kreative Mitglied in dieser Produktion kommt vor der Eröffnungsnacht an. Das sagt es uns Taylor McClaineder Schauspieler, der die Titelfigur der Serie spielt, verwendet sie/sie, was sich für eine Adaption einer Geschichte über Geschlechterfluidität aus dem Jahr 1928 eignet.
Orlando erinnert uns daran, dass die Idee multipler Selbst keine Erfindung der Neuzeit ist. Virginia Woolfs Held, der sich während der Geschichte in eine Heldin verwandelt, ist ebenfalls ein Zeitreisender. Woolfs aufregende Fantasie der Befreiung von Zeit- und Geschlechterzwängen beginnt im elisabethanischen Zeitalter und endet im 20. Jahrhundert, in dem Orlando verwegen durch das Zeitalter reist und dabei Affären und Herzschmerz hat.
McClaine entpuppt sich als perfekte Besetzung: schelmisch, frisch im Gesicht und schelmisch mit feuerroten Haaren. Dies ist eine schnuckelige Version der Geschichte, die den letzten köstlichen Tropfen Witz aus Woolfs Text herausholt, sowie die üppige Schönheit ihrer Sprache. Es ist eine unglaublich originalgetreue Adaption von Sarah Ruhl, eine Meisterleistung für sich, wenn man bedenkt, dass die Produktion nur 90 Minuten dauert.
Die intelligente Regie von Stella Powell-Jones verleiht der Show ein selbstbewusstes Gespür für das Geschichtenerzählen. Die biografische Stimme des Buches wird in eine gemeinsame Erzählung zwischen den fünf Darstellern verwandelt, die sich in Rollen verdoppeln, darunter Tigger Blaize, Skye Hallam, Rosalind Lailey und Stanton Wright. Jeder ist so scharfsinnig und schelmisch wie der andere.
Anfangs hat es den Geist eines Gesellschaftsspiels, aber wer kann ihm das verübeln, wenn es so schlau und raffiniert gemacht ist? Das Drama wird besser, da es die leicht steife Bogenheit verliert und auf seinem freudigen Humor aufbaut, der manchmal herrlich körperlich ist.
Ceci Calfs Bühnenbild schafft eine fast kindliche Vorstellungskraft; Es gibt eine Miniaturversion einer Bühne am Set, naiv bemalt, mit aufschwingenden Vorhängen und Soundeffekten, die manchmal von der Besetzung gemacht werden (Roly Bothas Sounddesign im Großen und Ganzen ist exzellent).
Ali Hunters Lichtdesign überschüttet es mit noch mehr Magie und Emily Stuarts Kostümdesign ist tiefgreifend. Orlando erscheint zu Beginn in elisabethanischer Halskrause und Kniehosen, zieht dann aber historische Kleider und Hosen an. Trotz ihrer Verspieltheit unterstreichen die Kostümwechsel auf der Bühne nicht nur das Vergehen der Zeit, sondern auch, wie uns weibliche oder männliche Kleidung definiert. Wie Orlando sagt, es sind die Kleider, die uns tragen und nicht umgekehrt. Weiblichkeit und Männlichkeit selbst sind in dieser Welt so schlüpfrig, unfixiert und vielfältig wie die Kleidung, die an- und ausgezogen wird. “Wer bin ich?” sagt Orlando gegen Ende und stellt dann ekstatisch fest, dass es kein einziges „Ich“ gibt.