ichWenn Filme nicht im Voraus angekündigt werden müssten, könnte das Publikum in Fresh ein ganz, na ja, frisches Gefühl haben. Sie konnten die erste halbe Stunde damit verbringen, diese ironische Version der Frustrationen des modernen Datings mit Daisy Edgar-Jones und Sebastian Stan in den Hauptrollen zu genießen, ohne zu merken, dass sich der Film von Sleepless in Seattle in Saw verwandeln würde. Zumindest hat die Regisseurin Mimi Cave einen Trick, der sich auf subtile Weise desorientierend anfühlt, selbst wenn Sie wissen, dass er kommt: Sie hält den Vorspann bis zur 33-Minuten-Marke zurück. Dies grenzt die zwei gegensätzlichen Teile des Films ab und drückt gleichzeitig auf einer strukturellen Ebene die Idee aus, dass etwas sehr falsch ist. Wenn Das ist der Anfang des Films, was genau haben wir uns dann bis jetzt angesehen?
Jeder, der mit Ryusuke Hamaguchis Oscar-nominiertem „Drive My Car“ die Strecke zurückgelegt hat, wird das Gefühl kennen. Ich habe den Film in einem überfüllten Kino gesehen, in dem es Wellen der Verwirrung gab, als die Eröffnungstitel nach etwa 40 Minuten erschienen. In den Tagen des Zelluloids bestand immer die Möglichkeit, dass die Rollen in der falschen Reihenfolge aufgereiht waren, daher war es jetzt amüsant zu sehen, wie diese alten analogen Gewohnheiten einsetzten und einige von uns sich auf unseren Sitzen herumdrehten, um das Gesicht zu verziehen die Projektionskabine.
Indem sie die grundlegenden Möbel des Kinos neu organisieren, bringen Cave und Hamaguchi eine neue Art von Spannung in die Kunst der Eröffnungssequenz. Acclaim tendierte schon immer dazu, sich überproportional auf jene Opener zu beschränken, die klare technische Fähigkeiten aufweisen, wie zum Beispiel die Single-Take-Shots, die Touch of Evil, The Player und Johnnie To’s starten Aktuelle Nachrichten. Die letzte davon beginnt mit einem wilden sechsminütigen Kampf auf den Straßen von Hongkong, in dem die Kamera wiederholt auf Scharfschützenhöhe ansteigt, bevor sie zu einer Froschperspektive des Nahkampfs zurückkehrt.
Sogar leichte Verwirrung kann ausreichen, um unsere Aufmerksamkeit zu erregen, wie es während des fast wortlosen Anfangs von Billy Wilders Komödie von 1972 der Fall ist Avanti! Warum um alles in der Welt hat Jack Lemmon einen Fremden überredet, auf einem Flug nach Italien im engen Badezimmer mit ihm die Klamotten zu tauschen? Sieben Minuten später fällt die Lira. Auch ein ruhiges Spektakel kann auf ein Publikum wie Hypnose wirken. In der achteinhalbminütigen Eröffnungsaufnahme von Hou Hsiao-hsiens gibt es keine Bomben, Kugeln oder Badezimmer-Spielereien Blumen von Shanghai. Die Kamera blickt schläfrig auf die verschiedenen geschwätzigen Gestalten, die sich in einem Bordell aus dem 19. Jahrhundert um den kerzenbeleuchteten Salontisch drängen. Tee wird eingeschenkt, Spiele gespielt, Ventilatoren elegant geöffnet – und wir sind süchtig.
Die Optionen für eine effektive Eröffnungssequenz sind zahlreich, aber was macht eine wirklich großartige aus? „Die erfolgreichsten Eröffnungen sind diejenigen, die die Neugier oder das Interesse eines Publikums wecken, anstatt es mit Informationen zu versorgen“, sagt der erfahrene Redakteur Paul Hirsch. „Aber man muss aufpassen. Es gibt einen Unterschied zwischen jemandes Neugier zu wecken und ihn zu verwirren.“
Hirsch gewann einen Oscar für seine Arbeit an Star Wars (Episode IV: A New Hope), obwohl er den Anfang dieses Bildes nicht als Beispiel herausgreifen würde. „Star Wars beginnt mit diesem Kriechen von rollenden Texten auf dem Bildschirm. Ich dachte immer, wenn wir das nicht gehabt hätten, hätten die Leute immer noch verstanden, was los ist. Ich glaube nicht, dass der beste Weg, einen Film zu beginnen, darin besteht, dem Publikum eine Menge Informationen in den Schoß zu werfen.“
Innovativer sind die 11 Bilder, die Hirsch für Brian De Palma geschnitten hat, darunter Sisters, Carrie und Blow Out. De Palma behält sich eine besondere Verachtung für Direktoren vor, die diese kostbaren Eröffnungsminuten verschwenden. „Wenn Sie einen Film mit einer Helikopteraufnahme von Manhattan beginnen, oder diese langweiligen Drive-up-Aufnahmen, die ein Auto zeigen, das auf ein Gebäude zufährt – ich meine, das ist keine Idee“, sagte er 2010. „Besonders der Anfang eines Film, wenn das Publikum bereit ist irgendetwas. Diese Zeit mit einem langweiligen Geografie-Foto zu verschwenden, ist mir ein Rätsel.“ Hirsch erinnert sich, dass De Palma ihm sagte: „Wenn ich jemals auf ein Drive-up schieße, erschieße mich.“
Sisters beginnt mit einem Mann, der beobachtet, wie eine blinde Frau beginnt, sich auszuziehen, nachdem sie irrtümlicherweise eine Umkleidekabine für Männer betreten hat; Blow Out beginnt mit einer langen Einstellung aus der Perspektive eines Killers. Keine der beiden Sequenzen ist ganz so, wie sie scheint – die erste entpuppt sich als Ausschnitt aus einer Fernsehshow im Stil von Candid Camera, die zweite als ein gefälschter Horrorfilm namens Co-Ed Frenzy. De Palma hat kompliziertere Eröffnungssequenzen inszeniert (Snake Eyes beginnt mit einer wandernden 13-Minuten-Aufnahme, die die dramatis personae einführt und stellt die zentrale Verschwörung der Handlung dar), aber es ist seine Taktik, uns den Teppich unter den Füßen wegzuziehen, wenn wir kaum durch die Haustür getreten sind, die so spielerisch und vergnüglich ist.
Viele von Hirschs besten Eröffnungssequenzen – er hat auch Falling Down geschnitten, das damit beginnt, dass Michael Douglas in einem Stau in Los Angeles zunehmend angespannter wird – dauern etwa fünf oder sechs Minuten. Ist das der optimale Zeitpunkt für einen guten Opener, der dem klassischen Drei-Minuten-Popsong entspricht? „Daran habe ich noch gar nicht gedacht“, sagt er schulterzuckend. „Eine Sequenz sagt Ihnen, wie lange es dauern muss. Wenn du schneidest, gehst du immer wieder darauf zurück und spielst „Was stimmt nicht mit diesem Bild?“. bis man nichts mehr findet.“
Ein Vorteil einer langen Eröffnungssequenz besteht darin, dass sie gut geeignet ist, um eine erzählerische Pause zu schaffen, bevor der eigentliche Film beginnt. Denken Sie an den herzzerreißenden Prolog in der Pixar-Animation Up, die rund 80 Jahre in 11 Minuten komprimiert, oder an die Beziehung, die in der 18-minütigen Eröffnung von Eternal Sunshine of the Spotless Mind zum Leben erwacht, bevor sie erlischt.
Heute wieder in Mode ist die Art von langatmiger einführender Rückblende, die vor mehr als 30 Jahren in Indiana Jones und der letzte Kreuzzug zu finden war. Diese schwindelerregende achtminütige Eröffnung zeigt, wie der Held des Films (gespielt in seiner Jugend von River Phoenix) seine Angst vor Schlangen, sein Können im Umgang mit einer Bullenpeitsche, die Narbe an seinem Kinn und den Fedora auf seinem Kopf erlangte. Der Herr der Ringe: Die Rückkehr des Königs beginnt mit einem Rückblick auf den schicksalhaften Tag, an dem Sméagol (Andy Serkis) seine Verwandlung in den monströsen Gollum begann. Die neueste Version von Death on the Nile beginnt damit, zu erklären, warum der belgische Detektiv Hercule Poirot (Kenneth Branagh) zuerst seinen unverwechselbaren Schnurrbart kultivierte, was den Film nicht nur zu einem Krimi, sondern zu einem Warum-Grow-It macht.
Die unorthodoxeste Verwendung der erweiterten Eröffnungssequenz im jüngsten Mainstream-Kino war in No Time to Die. Obwohl es nicht der erste James-Bond-Film ist, in dem der Held im Prolog fehlt (diese Ehre gebührt Leben und sterben lassen), ist es der einzige, der mit einem Rückblick auf die Kindheit einer Nebenfigur beginnt. Bond-Fans sind es gewohnt, eine Ewigkeit auf den Vorspann zu warten, aber No Time to Die überflügelte seine Vorgänger: 24 Minuten vergehen, bis der Titel auf dem Bildschirm erscheint.
Erst in diesem Jahrhundert haben Regisseure wirklich damit begonnen, die Macht des Zurückhaltens dieses traditionellen Anfangskennzeichens auszunutzen. Der Abspann von Benjamín Naishtats Rojo (2018), einer Geschichte der politischen Unruhen Mitte der 1970er Jahre in Argentinien, erscheint erst nach 23 Minuten. „Den Abspann ‚spät‘ zu beginnen, ist so brechtisch“, sagt die Filmkritikerin Charlotte O’Sullivan . „Wenn eine Regel angepasst wird, fängt man natürlich an, darüber nachzudenken, warum sie überhaupt existiert, was ein Gedankengang ist, von dem man annimmt, dass die Direktoren von Rojo und Drive My Car beide applaudieren würden. Schließlich geht es in Drive My Car um die Notwendigkeit, Dinge anders zu machen – sein Held inszeniert Onkel Wanja in verschiedenen Sprachen –, während Rojo um die heimtückische Wirkung handelt, blind und ohne nachzudenken Regeln zu befolgen [about] wessen Interessen sie dienen.“
Auch eine solche Unterbrechung oder Einbuchtung lädt uns zum Verschnaufen ein. „Das Verzögern des Abspanns kann eine Möglichkeit sein, eine Pause zu schaffen“, sagt O’Sullivan. „Das scheint eine so altmodische Idee zu sein. Aber es ist wunderbar, einen Moment Zeit zu haben, um Informationen zu verarbeiten, wenn es viel zu verdauen gibt.“
Wenn sich die strukturelle Eigenartigkeit von Fresh und Drive My Car durchsetzt, könnte dieser Sweet Spot zwischen 30 und 45 Minuten zur neuen Normalität für Eröffnungstitel werden. Apichatpong Weerasethakul war zuerst dort und wartete eine Dreiviertelstunde, bevor er den Abspann für sein rätselhaftes Drama von 2002 startete Mit freundlichen Grüßen; Yoshihiro Nishimura folgte ihm in seinem grausigen Gewand Höllenfahrer (2010). Niemand scheint so weit gegangen zu sein wie der japanische Provokateur Sion Sono: die Titel in seinem unbeschreiblich verrückten Fantasy-Horror-Komödien-Thriller Liebesbelichtung (2008) fallen bei der 58-Minuten-Marke, weitere drei Stunden Action stehen noch bevor. Natürlich verzichtete der ursprüngliche Roadshow-Schnitt von Disneys Fantasia aus dem Jahr 1940 vollständig auf die Konvention, was eine philosophische Frage aufwirft: Wenn ein Film keine Eröffnungstitel hat, hat er dann jemals wirklich begonnen?