meredith Monk ist unter anderem Komponistin, Pianistin, Tänzerin, Choreografin, Filmemacherin, Dramatikerin, Filmemacherin und Kuratorin. Aber vor allem ist sie Sängerin. Ihre Stimme ist ein wirklich bemerkenswertes Instrument. Hören Sie ihre Klavierlieder wie z Bist duoder ihre inszenierten Arbeiten wie z Atlas, und sie kann einem plappernden Kind, einer urzeitlichen Schamanin oder einer schrillen, opernhaften Mezzosopranistin ähneln. Sie integriert animalisches Grunzen, Knurren, Glucksen, Zwitschern, Heulen, Keuchen, Flüstern, Klicken, Quietschen und Jodeln in ihren vibratolosen Drei-Oktaven-Bereich. Einiges von dem, was Monk tut, könnte als „Klangpoesie“ bezeichnet werden, aber es ist niemals hässlich oder absichtlich experimentell. Das ist Musik, die ohne Worte Geschichten erzählen und Emotionen vermitteln kann; Musik, die fröhlich oder traurig, tröstend oder quälend sein kann, oft alles gleichzeitig.
„Als ich zum ersten Mal nach New York kam, hatte ich die Offenbarung, dass die Stimme ein Instrument sein kann“, sagt Monk. „Die menschliche Stimme konnte Schattierungen von Gefühlen beschreiben. Es könnte Landschaften und Geschlechter und Charaktere enthalten. Es könnte den Körper widerspiegeln. Ich fing an zu überlegen, was eine sich drehende Stimme sein könnte, was eine springende Stimme sein könnte, wie könnte sich eine Stimme wie ein Rückgrat oder eine Hand bewegen? Ich war mir der uralten Kraft der Stimme sehr bewusst. Deshalb habe ich bewusst versucht, meinen Tonumfang herauszuziehen, um unorthodoxe Wege zu finden, um mit meinem ganzen Körper Klang zu erzeugen.“
Sie spricht mit mir über Zoom aus der Loftwohnung in Tribeca, in der sie seit 1972 lebt, nur mit einer Schildkröte namens Neutron als Gesellschaft. Zu Monks musikalischen Kollegen gehören ihre Kollegen aus der Innenstadt, Steve Reich und Philip Glass, Freunde, mit denen sie oft in einen Topf geworfen wird. „Sie waren schon immer viel mehr am Konservatorium orientiert“, sagt sie. „Als Sängerin war ich in der Volksmusik und im Körper verwurzelt. Und ich war nie wirklich ein Minimalist: Jede Wiederholung in meiner Musik kommt aus der Volksliedtradition.“ Während Glass’ Instrumentals oft frühe Formen der Barock- und Renaissancekomposition beschworen, reichte Monks vokalbasiertes Werk viel, viel weiter in die Musikgeschichte zurück und untersuchte die prähistorischen Wurzeln der Musik selbst.
„Mich hat schon immer die Idee fasziniert, dass es Musik gab, bevor es Sprache gab“, sagt sie. „Ich habe nie Weltmusik studiert; Ich mag die Idee nicht, in eine Kultur zu gehen und sie auszubeuten. Aber wenn man einfach in meine eigene Stimme, mein eigenes Instrument geht und es gründlich erforscht, stößt man auf Klänge, die von Menschen auf der ganzen Welt im Laufe der Geschichte geschaffen wurden. Jeder von uns hat eine einzigartige Gesangssprache, aber wir sind auch Teil der weltweiten Gesangsfamilie. Meine Stimme zu finden war ein einsamer Prozess – im positiven Sinne. Als ich anfing, diese erweiterten Gesangstechniken zu untersuchen, waren die Leute, die mich am meisten ermutigten, Jazzmusiker wie Sam Rivers, Collin Walcott oder Naná Vasconcelos. Sie waren diejenigen, die sagten: ‚Mädchen, mach es!‘“
Monks Musik hat viele prominente Fans angezogen. David Byrne freundete sich mit ihr an und bat sie, eine Szene in seinem Film zu komponieren und zu choreografieren Wahre Geschichten. Brian Eno lud sie 1978 in sein Studio in der 8th Street ein und sagte ihr: „Deine Musik ist so schön; Die Leute tun Schönheit jetzt nicht genug.“ 2015 wurde sie mit einem ausgezeichnet National Medal of Arts von Präsident Obama. Ein Tribute-Album aus dem Jahr 2012, Monk Mix, enthielt Coverversionen und Remixe ihrer Arbeit von Künstlern wie Caetano Veloso, Nico Muhly, Don Byron, DJ Spooky, Lee Ranaldo, Ryuichi Sakamoto, Gabriel Prokofiev und Björk. Der letzte ist vielleicht ihr prominentester Fan – Björk hat davon gesprochen, dass er sich völlig verändert hat Monks 1981er Album Dolmen Musicund die beiden trafen sich 2007 über eine Radiosendung.
„Ich fühlte mich wie eine ästhetische Mutter für Björk“, sagt Monk lachend. „Was sie tut, ist so anders als das, was ich mache, und doch haben wir so viel gemeinsam. Am Ende dieser Radiosendung waren wir beide in Tränen aufgelöst und teilten unsere Visionen von Musik. Am Ende haben wir eine Menge Duette zusammen geschrieben – ich habe immer noch die Bänder – und wir haben vor, sie fertigzustellen. Ich wollte nach Island fliegen, und dann wollte sie mich in New Mexico treffen, aber wir finden nie ein Fenster dafür. Aber wir sind noch in Kontakt. Ich habe viel Liebe für sie.“
Monk wurde 1942 in New York geboren, ihre Mutter eine Pop-Session-Sängerin, ihr Vater ein Holzhändler. Im Alter von drei Jahren wurde bei ihr eine Sehbehinderung namens Strabismus diagnostiziert und ihre Mutter, die bemerkte, dass sie körperlich unkoordiniert wirkte, meldete sie für ein Programm namens an Dalcroze Eurythmie die Musik mit Bewegung integriert. „Dalcroze ist ein unglaublich integratives Programm; alle Elemente der Musik werden verkörpert“, sagt Monk. „Zum Beispiel bewegst du deine Arme in bestimmten Positionen, während du die Do-Re-Mi-Skala lernst. Und das hat alles beeinflusst, was ich getan habe. Deshalb sind Tanz, Bewegung und Film so wichtig für meine Musik. Deshalb sehe ich Musik so visuell.“
Das ist möglicherweise der Grund, warum sie sich so gut in die Downtown-Szene einfügt, als sie 1964 nach New York zurückkehrt Fluxus Künstler“, sagt sie. „Ich fand es toll, wie Maler sehr interessante Bewegungsstücke machten, Dichter Musik machten, Dramatiker Tänze machten, Menschen die Grenzen ihrer jeweiligen Kunstformen sprengten. Das endete in den 70er Jahren, aber ich habe nie aufgehört, diese unterschiedlichen Elemente miteinander zu verweben.
„Ich wurde kürzlich von eingeladen Vijay Iyer eine Klasse namens interdisziplinäre Komposition in Harvard zu unterrichten. Mir ist aufgefallen, dass viele Studenten den ganzen Tag auf ihren Laptops komponieren. Also dachte ich, richtig, lasst uns an der Verkörperung arbeiten. Sie werden draußen ein A-cappella-Gesangsstück komponieren und sich dabei filmen! Du machst Musik ganz anders, wenn du sie physisch erlebst.“
Monk hat immer noch den Enthusiasmus und die Arbeitsgeschwindigkeit, die sie vor einem halben Jahrhundert hatte („Neugier gibt mir viel Energie“), aber sie wird dieses Jahr 80 und schreibt zunehmend Werke, die sie nicht unbedingt selbst aufführen muss. Das ist allerdings schwierig, denn ihre Musik ist oft untrennbar mit den Eigenheiten ihrer Gesangsdarbietung verbunden. Bekanntlich sehen die Manuskripte ihrer Arbeiten oft wie Seismogramme oder Elektrokardiogramme aus, gefüllt mit verschlungenen Linien und impressionistischen Anweisungen.
„Es ist schwierig, Musik zu komponieren“, sagt sie. „Der Interpret muss meine Musik wirklich körperlich spüren, bevor er sie aufführen kann. Es hat Freiheit, aber es ist auch sehr streng. Wenn andere Leute meine Arbeit machen wollen, bestehe ich darauf, dass sie eng mit mir oder Mitgliedern meines Ensembles zusammenarbeiten, bevor sie überhaupt anfangen. Es ist eine Herausforderung, meine Musik weiterzugeben. Ich denke, mein neuestes Stück Indra’s Net könnte letztendlich in meiner Abwesenheit entstehen. Aber es wird traurig für mich sein!“
Bei Monks bevorstehender Show in der Londoner Royal Festival Hall, ihrem ersten Date in Großbritannien seit 2013, wird sie von ihrem neuesten Album „Memory Game“ auftreten, einer Zusammenarbeit mit dem New Yorker Ensemble Bang On a Can. „Sie sind eine Generation jünger als ich – sehr urban, ausgefallen, direkt. Ich bin nachdrücklicher, ursprünglicher, viszeraler, lyrischer. Also musste ich Stücke finden, die in der Mitte zwischen diesen beiden Sensibilitäten lagen. Ich beschloss, Theaterstücke aus den 1980er und 1990er Jahren zu überdenken, die ich live gespielt, aber nicht richtig aufgenommen hatte.“
Kann eine Komposition jemals wirklich fertig sein? „Das ist eine schöne Frage“, sinniert sie. „Die Live-Performance zeigt uns, dass jede Komposition eine organische Einheit ist. Wenn man ein Stück zum ersten Mal aufführt, ist es wie ein Säugling. Im Laufe der Zeit erfahren Sie mehr darüber. Du kommst vielleicht an einen Punkt, an dem du mit der Form zufrieden bist, aber ich lasse gerne Raum für Spiel und Wachstum.“